Sobre: 'Barrio Triste' (3.5/5)

 

Lo primero que hay que anotar (ya que no lo advierten por ningún lado), es que esta película es un experimento audiovisual. Uno que hace que algunas personas abandonen la sala de cine. En parte, porque no hay historia sino sólo concepto, y también, porque está construida primordialmente como un videoclip (y uno denso). Ahora, está catalogada como found footage film, estilo donde el material ficcional se presenta como videograbaciones crudas desde una perspectiva de primera persona. Y pues sí, efectivamente, pero en mi experiencia (que fue positiva), se me dificulta iniciar la descripción por ahí, pues lo que me funcionó fue sintonizar con el estímulo audiovisual (incluso, resistirlo).

Hecha esta advertencia, califico mi experiencia como positiva por tres razones: primera, porque se destaca en arte; segunda, porque se destaca sónicamente; y tercera, porque creo que es muy valioso, sino indispensable, que propuestas artísticas como esta se cuelen en el flujo de entretenimiento convencional y te tomen por sorpresa.

El equipo de arte devuelve a Medellín a los años 80 de manera estupenda. En particular, me resultaron acertadísimos los carros puestos en escena. Por su parte, otro gran acierto es la música aportada por ARCA a la película, cuya mezcla de estridencia y delicadeza engrandece el experimento, haciéndolo a la vez extremo y hermoso. Ahora, en uno de los finos planos secuencia hay una música diegética muy destacable, entre otras, por el homenaje a Rodrigo D No Futuro. Y en este punto hay que reconocer la visión del director colombiano Stillz, famoso por su trayectoria como fotógrafo y de videoclips de gigantes del reguetón como Bad Bunny y Rosalía. Me parece que este joven tiene mucho por decir y que aquí recurrió de manera astuta a varios recursos cinematográficos para hacerlo.

No se ha inventado la rueda, por supuesto, pero sí me hizo sacar los tapones para los oídos tres veces durante la película, y cuando estuve a punto de sentirme maltratado, recurrí a mi capacidad de concentración y logré ver el concepto, que para mí fue como el purgatorio, recorrido sin rumbo por unas almas perdidas. Hermoso. Y horrible. Hay dos momentos finísimos, llamémoslos el angelical y el diabólico. Tremendos. Muy punk también. Pero punk actual y no el ochentero, que es muy escaso, pero existe. Por esto, aunque no se vea el verdadero (Barrio del Sagrado Corazón de Jesús) bien por Barrio Triste, es un incómodo acierto.

Sobre MAD MAX Fury Road

Uno de los estrenos que causó bastante expectativa en lo que lleva de 2015 fue Mad Max: Fury Road, la cuarta parte de la franquicia australiana que desde hace más treinta años ha descrestado a algunos con relatos de acción en interesantes puestas en escena distópicas con bajo presupuesto. Sospecho que conceptual y emocionalmente es difícil separar esta película de sus hermanas mayores Mad Max (1979), Mad Max II (1981) y Mad Max Beyond Thunderdome (1985), pero menciono "sospecho" pues la verdad no me visto ninguna de ellas (qué vergüenza). Ahora, creo que por principio cada una debe funcionar por su cuenta y acerca de eso se trata el párrafo siguiente.

La verdad es que Fury Road sorprende con la dirección de arte y fotografía (la imagen en general) así como con sus escenas de acción. Muy buenas. Además es atractiva por su "voltaje", su tensión y por sus chicas. Sin embargo, debo diferir levemente de la excelente percepción general que ha tenido la película por una simple razón: la historia es una tontería. Tal vez necesite elementos adicionales y otras opiniones para matizar este criterio, pero como espectador, mucho antes del final de la película me bajé del increíble viaje visual para concluir con algo de decepción que: la historia es una tontería. De ése punto en adelante no me fue posible regresar al nivel de emoción inicial.

Pasando a otros temas, a un día de completarse su primer semana en cartelera mundial, Fury Road no ha recaudado suficiente taquilla para recuperar la cuantiosa inversión de 150 millones de dólares, lo cual me hace preguntarme si de alguna forma esta cuarta y agresiva apuesta contravino en alguna forma el legado de moderado presupuesto con el que se fundó la franquicia Mad Max, cuyas primeras entregas fueron muy exitosas, particularmente la primera, que realizada con aproximadamente 350.000 dólares, terminó recaudando 100 millones. (¿además de convertirse en película de culto?).

Calificación 3.5 / 5

Por cierto, Tom Hardy me cae bien, pero no recordaré esta (mezcla de Bane y Bronson) como una de sus mejores actuaciones.

Sobre - MOMMY

Mommy es la última película del joven escritor y director canadiense Xavier Dolan. Aunque el tipo ya ha alcanzado buen reconocimiento en su país y en otros certámenes por los méritos de su amplia filmo-grafía (esta es su quinta obra como director), apenas me entero de este nuevo jugador, supongo que gracias al premio del jurado en el Festival de Cine Cannes de 2014 (el cual compartió con la última película de Jean-Luc Godard Adieu Au Langage) que facilitó su distribución en Colombia.

Si bien tras ver el póster o el trailer la expectativa que genera Mommy coincide con el estándar de los dramas familiares de cine arte (por ejemplo Deux Jours, Une Nuit que fue la última que vi...), al final quedas con una satisfacción por encima del promedio. En mi opinión, sus bondades se resumen en pequeñas dosis de "veneno" por varios frentes.

En primer lugar, lo emocionante y la fuerza con que la historia te vincula se vale tanto del drama como de la comedia, esto hace el viaje más certero que cuando la historia solo apela al drama. Por otra parte, el casting es fantástico, tanto actriz como actor principales son brillantes en todos los aspectos. El audio está muy bien manejado, cumpliendo su función de acompañar la imagen, pero sobresaliendo también individualmente. Por un lado, la música incidental (score) funciona de maravilla, (de hecho me recordó a la de Drive, más por el efecto que por similitud) y por otro, la banda sonora es muy agradable, popular y acertada (Les cuento que sonó un tema completo, no les digo cual, pero me gustó como lo hicieron).

También hay que rescatar el asunto del formato de imagen, un recurso que últimamente ha cumplido funciones narrativas adicionales, como aconteció por ejemplo con películas como la chilena NO y la galardonada Grand Budapest Hotel. Ahora, en el caso de Mommy, lo usan con más dinámica que en los casos anteriores. Mejor dicho, el formato no es estático durante la película.

Entonces, una buena historia bien contada y con "engalles" por aquí y por allá, hacen de Mommy una clara recomendada.

Calificación 4 / 5.

Sobre MAPS TO THE STARS

Para mi siempre ha sido un placer ver una película de David Cronemberg, no solo porque son de mi predilección, sino porque durante treinta años de trabajos son tan claras sus intenciones y motivaciones que me parece fino seguir constatando el manifiesto tácito con el que guía su obra. Dicho esto, es claro que hay un alto riesgo de no ser objetivo al calificarlo. (Bueno, A Dangerous Method no me gustó tanto y así lo planteé en su momento).

Bien, para empezar hay que señalar que después de tantas historias contadas y tantos años en el oficio, parece lógico que las nuevas ideas realizadas traigan consigo sorpresas. En este caso, me refiero al guión. Maps To The Stars está basada en la novela Death Stars (2012) del escritor americano Bruce Wagner, quien se caracteriza por su agresivo criterio sobre la industria del cine en su país. Ahora, al escoger esta idea como insumo Cronemberg tenía claro que ésta, su primera película rodada en Estados Unidos, sería al mismo tiempo una profunda crítica de este mundillo. Lo importante es que aún enfrentando las dificultades para financiarla y ahora las relacionadas con la aceptación del resultado final por parte del público y la crítica, en Maps se le ve firme en su estilo y categoría, y por consiguiente, en su relevancia.

Entonces, si están listos para ver lo oscuro y complejo de los planteamientos y dramas de Cronemberg desarrollados en Hollywood, van por buen camino. Además de las evidentes críticas contra la crisis de valores en este importante medio, aquí se explora el tema con motivaciones reales y actuales proveídas por la novela que funda la película, y potenciadas con el excelente trabajo actoral.

Sobre de la historia puedo contarles que además de girar en torno al antiquísimo tema del incesto, llama mi atención que el planteamiento tenga además una cercanía con la teoría de las Constelaciones Familiares. Lo digo porque además de lo anterior, John Cusack interpreta a un terapeuta y Bruce Wagner tiene una cercanía importante con temas espirituales. Bueno, Cronemberg también entiende del tema, aunque sea desde su usual aproximación ficcional.

Ahora, el casting no tiene precedentes en la filmografía del director en términos de actores y actrices famosos. El punto clave de este bien aprovechado recurso es la interpretación de Julianne Moore, que le valió premio a mejor actriz en Cannes (reconocimiento que también obtuvo en los premios Oscar con Alice). Como es de común conocimiento, Cannes es un espacio que reconoce valores más artísticos, así que saquen sus conclusiones pero desde mi punto de vista, el rol de Moore como Havana Legrand en Maps estará entre su top 3 de mejores actuaciones de su vida.

La otra actuación importante aquí es la de Mia Wasikowska, que además de hermosa hace un excelente papel principal como Agatha Weiss, llevando a cuestas el clásico detalle body horror de Cronemberg.

El caso es que si no es por algunas de estas razones que expongo, hay un considerable riesgo de tener sentimientos encontrados al respecto. Sin embargo, Maps To The Stars es un peliculón.

Calificación 4/5
 

Sobre WHIPLASH

Una de las protagonistas del cine reciente es Whiplash de Damien Chazelle. Merecidamente, la película ha girado en gran medida (inclusive desde antes de ser financiada y producida) alrededor de la actuación de J.K. Simmons en su increíble rol secundario como el profesor Terence Fletcher, por el que fue premiado en varios certámenes. Sin embargo, la película tiene varios méritos adicionales que la hacen excelente.

 

En primer lugar, lo que inicialmente parece el sencillo drama de un joven baterista en sus primeros años de universidad, una vez en la sala de cine, descubres que realmente se trata de un poderoso thriller psicológico, fundado en la ansiedad que se vive en la escuela de música, un espacio que desde tiempos memorables ha visto sucumbir emocionalmente más estudiantes que en cualquier otra carrera académica, como consecuencia de la naturaleza de la música como arte pero también como ciencia exacta. Ahora, lo importante aquí es que desde el guión y plano a plano, el director demuestra que vivió esta experiencia en carne propia. Si la película hubiese sido escrita o dirigida por alguien ajeno a la facultad de música, la película no habría sido tan exitosa ya que ninguna investigación podría suplir la experimentada sensibilidad del estudiante de música, que en Whiplash  se revela con la acertada descripción sobre ése mundo. Por esto se destacan algunos movimientos bruscos de la cámara y la riqueza de los numerosos primeros planos. Pero en términos generales, la dirección es impecable y muy narrativa.

Como verán, en mi opinión aún sin considerar el audio, (el otro aspecto técnico que le valió reconocimientos) creo que la película funcionaría. Sobre el particular, debo decir que efectivamente hay un trabajo alrededor del audio muy destacado, que alimenta todo lo que se esta contando, principalmente, el permanente detalle de la batería, un instrumento en el que se percibe con relativa facilidad si lo que suena coincide con lo que se está interpretando. Y aquí quiero comentar la primera y la última escena de la película. En la primera, el protagonista efectivamente está tocando la batería, lo cual es genial. En la última (post-clímax), donde suena la mejor batería, visualmente ya se notan imprecisiones, así como una ligera sobreactuación de Simmons. Claro, esto no afecta la película, más bien revela el gran reto audiovisual que fue y el gran resultado obtenido.

Para finalizar, hay que rescatar el giro que da la historia, la reflexión sobre la cosmovisión del estudiante de jazz (y otras disciplinas complejas y estrictas, por cierto, me recordó mucho a Black Swan) y, la reivindicación de la batería en el inconsciente colectivo.

Calificación 4.5 / 5
 

Sobre THE BABADOOK

Quien sabe si por mucho tiempo, pero actualmente se encuentra en cartelera una película de terror australiana que se llama The Babadook. En primera medida es interesante porque tiene muy buenas críticas y reseñas. Por ejemplo en rottentomatoes.com tiene un 97% de aprobación entre 158 votos con un promedio de calificación de 8.2/10, lo cual es bien respetable. Además, en el consenso de los críticos se lee:

"The Babadook relies on real horror rather than cheap jump scares -- and boasts a heartfelt, genuinely moving story to boot."

Al leer esto, inmediatamente pensé que sería un alivio ver de nuevo una película de terror que no abuse con el audio (ya que es a punta de sonidos estridentes a alto volumen que logran encrespar a los espectadores, más no por la vocación de la historia para afectarte), y efectivamente así fue, hasta el punto de tener escenas con sonido mínimo, sin sacrificar su calidad, lo cual me satisfizo inmensamente. Ahora, la historia se funda en el duelo de una madre soltera y en un extraño cuento aparentemente infantil que aparece en casa, así que no es nada que no hayamos visto, pero sin duda alguna está muy bien realizado.

Otro detalle técnico bien elegante en The Babadook es la fotografía, ya que si bien el negro es casi un personaje principal, la historia transcurre tan de día como de noche, así que se mantiene un excelente balance en términos de iluminación y de la oscuridad como recursos narrativos. Ah, y también un gran casting...

Ahora, la segunda razón por la cual es interesante esta película es en términos de producción, ya que su génesis gira alrededor de la escritora y directora australiana Jennifer Kent (por cierto, que alivio ver mujeres en estos roles) quien dio con este debut cinematográfico unos pasos sólidos e inspiradores en el oficio. Entre otras cosas, podrán encontrar que The Babadook surge de su primer cortometraje Monster, que la película costó alrededor de dos millones de dólares y recaudó cinco, y que por este trabajo recibió el premio de la Australian Academy of Cinema and Television Arts por mejor dirección en 2014.

Por lo anterior y en general por una buena experiencia en cine de terror, vale la pena ver The Babadook. 

Calificación 3.5 / 5

Sobre INHERENT VICE

Aunque su particular humor logró mantenerme a flote y evitar perderme en alguno de sus 149 minutos, la verdad es que Inherent Vice es una película bien difícil de seguir y disfrutar, lo cual puede causarte sueño, mal genio y hasta ganas de abandonar la sala de cine. Entonces, es poco probable que funcione como entretenimiento.

Una vez hecha la advertencia, creo prudente reconocer el trabajo de Paul Thomas Anderson, que si bien a veces se pasa de freak, es de alta calidad. Para empezar, el tipo la produce, dirige y adapta, a partir del libro Inherent Vice (2009) del escritor americano Thomas Pynchon. Una breve búsqueda en Internet arroja datos curiosos acerca de este señor que se caracteriza por sus densas y complejas novelas, las cuales le han valido un par de premios importantes, una referencia explícita en Los Simpsons, y lo ubican como uno de los escritores claves del siglo 20, de ésos que continúan siendo inspiración para directores de cine sollados e intelectuales quienes buscan insumos escritos para sus próximos trabajos. En fin. Parece que Inherent Vice es la primera novela de Pynchon llevada al cine, y a juzgar por lo que vi en pantalla y he leído, Anderson respeta el escrito, y a su vez el escrito explica la particular dinámica de la película.

Ya sobre la experiencia audiovisual puedo contarles muchas cosas buenas. Empiezo diciendo que parece una mezcla de L.A. Confidential y Chinatown con The Big Lebowski. Esto es bueno en la medida en que los hilos que unen el complejo thriller noir policiaco que uno sufre por seguir, concluye con magníficos chistes inspirados en aquella poco sobria época (1970) pasada de drogas, donde la marihuana era común como el cigarrillo, mientras que otras sustancias más fuertes ocasionaban noticias como la de la familia Manson, que es referenciada como uno de los eventos del momento durante la historia.

Y la mayoría del peso de esta obra recae sobre Joaquin Phoenix, quien interpreta el rol principal de Doc Sportello de manera ESPECTACULAR, seguido por Josh Brolin en otro rol gigante como el detective Christiane "Big Foot" Bjornsen.

Otros detalles interesantes son la reflexión sobre el verdadero hippie y el cast de Katerine Waterston como Shasta Fay Hepworth. Un detalle muy atractivo.

Calificación: 3.5 / 5

Sobre BOYHOOD

Aunque la filmografía de Linklater es bastante variada, creo que pocos esperábamos que el tocayo tramara un proyecto tan ambicioso y poderoso. Y claramente, no se trata de presupuesto (según IMBD, costó cuatro millones de dólares).

Boyhood es otra de las películas del momento y se merece todos los reconocimientos, porque lograron una obra única basándose en valores de producción inusuales. Lo digo porque creo que la principal virtud aquí es la paciencia y el coraje que requirió por parte del realizador y del equipo. Haberse tomado tanto tiempo para crear, es por un lado un gran logro de producción, al mismo tiempo que es una protesta contra la inmediatez de la vida actual, así como de la creación audiovisual y su consumo.

Es curioso que con Infierno o Paraíso hubiese sucedido algo similar en cuanto al tiempo de grabación, pero estamos comparando géneros diferentes. O no? Ahora que lo pienso, en Boyhood hay un gran documental disfrazado de ficción. Definitivamente creo que no se había visto algo así.

Es extraño porque para hacer consciencia de lo grandioso de Boyhood, debes pensar en términos de producción. Es decir, debes salir de la historia y recordar que el personaje que has estado viendo, es el mismo. Por esto, dramáticamente es una película sencilla. De hecho, me parecieron más fuertes las reflexiones de los padres durante la película. No obstante, este retrato de "momentos de una vida" (como se tradujo el título al español) te permite una identificación  amplísima como espectador, aunque sea de forma muy sutil. Por cierto, la película se desarrolla en Texas, el estado donde creció el director, lo que inspira tantos detalles y les da su toque genuino.

Efectivamente, Boyhood es un fenómeno. Qué sentirá Ellar Coltrane ahora que crece sin interpretar a Mason? Y también Lorelei Linklater (la hija de Richard) quien interpretó de maravilla a la hermana mayor Samantha?

Calificación: 5 / 5

Sobre BIRDMAN or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Con una tragicomedia escrita al nivel de cualquiera de los mejores guiones de Charlie Kaufman,  varias actuaciones memorables (Keaton, Galifianakis y Norton en ése orden),  una serie de aspectos técnicos brillantes (fotografía, efectos especiales, y particularmente el uso de planos secuencia como recurso principal), excelente música (clásica y una batería de jazz exquisita), esta película se destaca en todos los aspectos, ubicándose entre mis favoritas de la historia del cine reciente.

Por fin Alejandro González Iñárritu le añadió algo de humor y dinámica a su consagrada receta de terribles y desgarradores dramas, para lograr con Birdman un resultado grandioso.

Calificación: 5 / 5

Por cierto, supongo no fui el único que inicialmente relacionó esta película con el clásico cómic sesentero de Hanna-Barbera, originalmente llamado Birdman and the Galaxy Trío, que se re-transmitió por Cartoon Network en los 90, cuyo personaje principal hizo parte del inolvidable show Space Ghost Coast To Coast.

Sobre DEUX JOURS, UNE NUIT (Dos Días, Una Noche)

Dos Días, Una Noche es la última película de los escritores y directores belgas Jean Pierre y Luc Dardenne (hermanos), la cual ha sido muy bien recibida por la crítica, así como la mayoría de obras en su filmografía.

La película narra el drama de Sandra, una madre de familia en la Europa actual, interpretada por la actriz francesa Marion Cotillard, en uno de sus mejores roles a la fecha, en el que la vemos durante 95 minutos con cara de recién levantada un domingo, sufriendo una eventualidad laboral y de salud con todo el compromiso del caso.

Aunque en términos generales la película está bien, para mí resultó siendo otro drama más. Supongo que valdrá la pena para entusiastas del drama, de Cotillard, de los Dardenne, o para salvar la patria cuando se hayan agotado otras opciones en cartelera.

Calificación 3 / 5.

Sobre INTERSTELLAR

Interstellar es la novena película de Christopher Nolan, en la que emplea su comprobada habilidad como director en una nueva historia con la que mantiene su lugar entre los realizadores más importantes de la actualidad por su altísimo estándar dentro del cine de entretenimiento. Aunque ya había trabajado en este género con la genial Inception (2010), en esta oportunidad enfoca la ciencia ficción en un sentido clásico: un futuro distópico (por razones ambientales) en el que resulta imperativo explorar el espacio como alternativa para la supervivencia de la humanidad.

La película es tan sólida en todos sus aspectos que solo puedo concentrarme en las razones por las cuales no es mi favorita de Nolan. Después de meditarlo por días, entre mis reflexiones preliminares encontré que la ausencia de inteligencia extraterreste, los típicos obstáculos en el viaje del personaje, la explicación de todos los detalles y el final feliz, exigen muy poco del espectador, lo que me deja la sensación de que Interstellar es aquel guión ideal del que hablan en los seminarios y talleres de escritura, realizado con una producción gigantesca, por lo que es el ejemplo perfecto de lo que considero Hollywoodense.

Ahora, no hay nada de malo en esto pues todos tenemos obras favoritas y de culto que se crearon bajo este enfoque. De hecho, consideraré acertado y merecido que Interstellar gane de cuanto premio haya disponible en 2015 en diferentes certámenes y categorías, y que de paso, deje mal parado a todos los que se involucraron en el favoritismo hacia Gravity, a la que claramente esta película le patea el trasero. Mi punto es que al pensar en aquellas referencias obligatorias que el mismo Nolan señaló como inspiración, como 2001. A Space Oddissey o Blade Runner, así como otros clásicos del género, recuerdo haber encontrado una satisfacción más profunda. Sin embargo, esta es una excelente obra audiovisual.

Calificación 4.5 / 5

Sobre A MOST WANTED MAN

No se que tienen las novelas de espías del (ex-inteligencia) inglés John Le Carré, que llaman tanto la atención de directores de cine, pero después de The Constant Gardener, dirigida por Fernando Meirelles (de Cidade De Deus), y Thinker Taylor Soldier Spy, dirigida por Tomas Alfredson (de Let The Right One In), el turno es para mi fotógrafo favorito (por su trabajo en video), el holandés Anton Corbjin, quien este año estrenó la película que hizo sobre la adptación que hicieron de A Most Wanted Man (otra novela de Le Carré), retomando el particular género del thriller de espionaje, que es tan poco emocionante, pero que requiere de mucha finura y detalle para que funcione.

Si bien la antepenúltima aparición de Philip Seymour Hoffman en cine puede captar la atención de muchos espectadores, es importante advertir que si bien su papel como espía alemán de buen corazón es (como de costumbre) excelente, si no se disfrutan de las películas de espionaje, será muy difícil terminar esta película con un sentimiento de satisfacción. Además de lo anterior, debo decir que me gustó mucho más la fotografía y la dirección en la última película de Corbjin The American (2010). Finalmente, que se desarrolle en Alemania pero sea hablada en inglés, no es trascendental, pero no es precisamente un punto a favor.

Así las cosas, aunque es impecable y sin cabos sueltos en la narración, a menos que estén buscando algo específico en la filmografía del director o de los actores, o una película sólida de este género en particular, creo que no les hará falta ver A Most Wanted Man.

Calificación 3 / 5.

Sobre INFIERNO O PARAÍSO

Actualmente se encuentra en cartelera Infierno o Paraíso, una película colombiana dirigida por Germán Piffano, un antropólogo y realizador audiovisual que tuvo el coraje y la paciencia de construirla durante más de una década, logrando el éxito de inmediato con este increíble registro que nos refresca muchas cosas, entre ellas, la particular escena del basuco, la historia de Bogotá D.C., así como el concepto documental.

Como en todos los asuntos sociales pendientes de progreso, la información es el insumo vital para poder dar el paso adelante. En este caso, aunque el basuco no nos resulta completamente ajeno, creo que por años el tema ha estado completamente al margen, inclusive dentro de los debates sobre el tema drogas en general (por cierto, de allí la campaña #NoSomosInvisibles). Y como suele acontecer, mientras no tengamos más que una idea vaga al respecto, no será posible evolucionar. Por esta razón, el primer aspecto valioso de Infierno o Paraíso es su aporte a la discusión respecto al impacto de la pasta base de cocaína (o basuco) en el individuo y la sociedad.


No se si exista más material grabado adentro del antiguo Cartucho, pero por ahora, el que grabó allí Piffano es el referente indiscutido en la materia, como revelador componente de nuestro patrimonio cultural bogotano y colombiano. Fue bien interesante recordar la transformación que tuvo la Capital del país alrededor del año 2000, donde inicia la historia, además de otros detalles triviales como la primera versión de la cerveza Club Colombia, o el antiguo terminal del Aeropuerto Internacional El Dorado.

A través de José Antonio Iglesias, un venezolano-español quien deambuló irreconocible por las calles de Bogotá durante once años, Piffano muestra una poderosa versión sobre la droga, que si bien tiene parte de redención, termina realista. Para lograrlo, prescindió de aportes estéticos y estilo, ya que debió valerse de mucha disciplina para realizar este documental, que es toda una escuela del género. Como les comenté hace unos días, un bonito reconocimiento le hace Rubén Mendoza a Piffano por su trabajo, al final de su Memorias del Calavero, la otra película colombiana que explora elementos de aquel oscuro barrio de la capital que tantas cosas tristes e increíbles esconde, y que se apoya en algunos fragmentos de Infierno o Paraíso.

Muy recomendada! Calificación 4.5 / 5

Sobre - MEMORIAS DEL CALAVERO

Derivado de la realización de su (ligeramante polémico) debut con tendencia documental La Sociedad del Semáforo (2010), y temporalmente coincidente con su reciente segunda película Tierra en la Lengua (2014), me sorprendió nuevamente el director colombiano Rubén Mendoza con su última obra Memorias del Calavero, pues en esta tercera oportunidad de ver su trabajo en salas de cine nacional (aunque fuese por poco tiempo), he reafirmado que aparte de su espíritu de realizador, el tipo tiene gran confianza para aprovechar sus recursos productivamente, y que esta filmografía que ahora completa lo convierte en un gran agente del cine colombiano.

Memorias es un documental acerca de los últimos días de "El Cucho" uno de los actores (naturales) que interpretó a "Cienfuegos" en La Sociedad del Semáforo, quien por su infinito carisma, vocación y disposición, logró convertirse en el personaje principal de esta obra, un documental con toques de ficción en el que el director y un pequeño equipo de producción lo acompaña a un recóndito lugar en medio del Departamento de Santander, en un road trip entre mágico, cómico y oscuro, que debe terminar en la revelación de un gran secreto muy bien guardado.

Uno pensaría que poco podría rescatarse de la sórdida escena del bazuco en nuestro Distrito Capital, pero vaya si he descubierto lo contrario últimamente, a través de este segundo acercamiento que al respecto hace Mendoza, así como al brillante documental Infierno o Paraíso de Germán Piffano (2014), que se referencia al final de Memorias del Calavero por utilizar algunas de sus imágenes, y sobre el que les contaré próximamente.

Calificación 4/5

Sobre - GONE GIRL

 

Uno de los estrenos más esperados del año fue Gone Girl, la décima película del director David Fincher, uno de los niños consentidos de la industria del cine americano, recordado por tantas maravillas como Fight Club, o el video para Judith de A Perfect Circle, así como unos descaches memorables, como Panic Room (el increíble thriller que no te pone los nervios de punta), la eterna y anti-clímax Zodiac, y la ridícula Benjamin Button.

Para bien y para mal, el estilo de Fincher ya es una institución. Por una parte, hay que reconocer lo impecable que es el tipo para narrar historias, ya sea a través de escenas movidas a lo The Girl With the Dragon Tattoo, o en escenas estáticas en interiores como en The Social Network. En realidad es un gusto ver como emplea tanto presupuesto en las diferentes áreas que componen el cine, con su sofisticado equipo de profesionales, como su fotógrafo de cabecera Jeff Cronenweth, y Trent Reznor y Atticus Ross tras el score musical, (como aconteció con tanto éxito en The Social Network). Por éstos y otros detalles característicos de sus fluidas películas, para mi Fincher es sinónimo de calidad.

Ahora bien, no todo es maravilla en esta institución audiovisual. Aunque claramente son gran insumo para que el tipo trabaje, no siempre las novelas que deciden adaptarle a Fincher te van a capturar como Se7en. En el caso de Gone Girl, hay excelentes giros y sorpresas, y una genuina sensación de intriga, sin embargo, la historia se enreda y alarga tanto que termina perdiendo la magia con la que inicia. Por otra parte, tuve una permanente sensación de "ya visto", no por autoreferencias (aunque me pareció ver una a The Game), sino porque ya estás familiarizado con sus trucos. Esto no me resultó gratificante en la medida en que recordé algunas de sus películas que no me gustaron.

No obstante lo anterior, Gone Girl es excelente entretenimiento. Una historia de detectives bien contada, con los mejores villanos posibles, entre ellos, los medios y la opinión pública durante las investigaciones criminales.

Calificación 3.5 / 5

Sobre RELATOS SALVAJES

No esta de más iniciar aclarando que Relatos Salvajes es una película de antología, compuesta por seis cortometrajes de drama y humor negro, con lo "salvaje del ser humano" como concepto en común. La venganza también está presente en cada una de los relatos.

Ahora, aparte de súmamente entretenida, lo que más llamó la atención de esta película es su impecable presentación. En realidad sorprende su factura. Tal vez tenga que ver la experiencia del director argentino Damián Szifrón, quien aparte de las tres películas que con esta ya suma a su filmografía, se ha desempeñado en la televisión de su país por más de veinte años (con buenos resultados, particularmente entre 2002 y 2003 con la serie Los Simuladores), durante los cuales se aproximó al cine, con seis cortometrajes realizados entre 1992 y 1998, un mediometraje en 1999, su primera película En el Fondo del Mar en 2003, y su segunda, Tiempo de Valientes en 2005. Hoy, es un jugador importante en la industria cinematográfica argentina, con varios proyectos actualmente en desarrollo.

Pero bueno, considerando que cuando esta película acaba estás listo para una, o varias historias más, y que al salir de la sala haces algunas reflexiones interesantes sobre nuestro lado oscuro, Relatos Salvajes merece una sincera recomendación.

Calificación 4 / 5

Radiografías del Mal: The Entity (1982).

Esta película la grabé en mi adolescencia en la señal de la antena parabólica( en Frecuencia Latina, si mal no recuerdo) en una de esas semanas de terror que hacen muchos canales en las temporadas de octubre. Es bastante perturbadora( esta basada en un hecho real) y lo mantiene a uno bastante tenso. Su protagonista no puede explicar porque es agredida y violada por una fuerza invisible. Esto empieza a perjudicar su estilo de vida y el de su familia.

Y como típica película de fuerzas paranormales, ella recurre a parapsicólogos que intentan ayudarla en su batalla frente al extraño animismo que recorre la casa. La música es básica y tan efectiva a la hora de resaltar secuencias escalofriantes, que hace que uno le empiece a tener cierta lastima a su personaje, hasta el punto de llegar a identificarse con su desespero en medio de su lucha. Es claustrofóbica, oscura en su fotografía y con un guión sencillo pero acertado. Da la casualidad que se estrenó el mismo año de Poltergeist (al parecer el tema empezó a tener un gran auge) aunque esta mantiene un tono mas realista y menos ambicioso que la gran película de Tobe Hooper y Steven Spielberg. Siempre he sido fanático de los finales malditos en las películas de terror, porque crean un mayor número de preguntas sobre el espectador y porque nos permite concluir que hay fuerzas inexplicables que aun no podemos responder.

The Entity es una excelente película de terror, suspenso y drama y juega con la vulnerabilidad sobre lo femenino( lo materno, específicamente). De ahí radica su principal interés y como una inocente familia se ve sometida y sentenciada a enfrentarse con esta clases de oscuras fuerzas. 

Sobre JEUNE ET JOLIE (Joven y Bonita)

Después de la respetable Dans La Maison (2012), regresa a las carteleras mundiales François Ozon (el director francés del momento) con su reciente Joven y Bonita, en donde se da gusto (una vez más) con las mujeres en escena, esta vez, con la  modelo y actriz Marine Vacth en el rol principal. (Oh Dios si es bonita, de hecho reclamó el título obtenido por Adèle Exarchopoulos en La Vie d´Adele...)

Con más estilo que profundidad, el director aborda aquel oficio tan viejo como la humanidad (prostitución), a través de una personaje sin necesidad alguna en la vida. Si bien comprendo las críticas que la acusan de supeficial, me parece que inevitablemente la película termina en el sofisticado club al  que pertenecen, entre otras, Belle de Jour (Buñuel 1967) y Nymph()maniac (Von Trier - 2013), donde el conflicto te impacta emocionalmente en un nivel considerable. Por supuesto que a nivel moral haces evaluaciones, pero por tu cuenta, pues de manera muy acertada Joven y Bonita se exime de responsabilidad en este aspecto. Más bien, llamó mi atención el poder que inadvertidamente maneja esta adolescente a nivel social, quien sin salirse de la legalidad, destruye paradigmas y corazones sin reparo. Esto es muy interesante mientras no te ubiques o identifiques como víctima, caso en el cual la historia toma un color oscuro.

Así las cosas, haciendo a un lado la belleza de la actriz principal (que además de justificar el argumento te deja con la boca abierta), Joven y Bonita entretiene suficiente, además de generar buenas reflexiones y emociones, por lo que merece una recomendación.

Calificación 3.5 / 5

Radiografías del Mal: The Exorcist (1973)

Y me tenía que extender en esta radiografía del mal. La mamá de todas las películas de terror, en la semana de cine de terror satánico.

Son muchas las expresiones que tengo para definir lo que podría ser, para mí, la mejor película de terror de toda la historia del cine. Sé que han pasado décadas y el miedo y las tendencias cambian y quizás la gente ya no le tiene el mismo aprecio. Quisiera enumerar gran parte de las virtudes que caracterizan a The Exorcist como una película inteligente, desgarradora, dramática (muy pocas películas de terror lo consiguen) con una habilidades narrativas tan simples y a la vez tan complejas de lograr, efectos especiales que progresivamente van en un crescendo malvado,(muy malvado), música, personajes, todo, todito, todo.

1. El tema: abordar el componente católico para toda la cultura occidental creyente y aferrada a sus valores espirituales y darle un giro blasfemo a todos los iconos(apuñalarse con la cruz, una virgen con tetas sangrantes, burlarse e insultar a los sacerdotes) es escalofriante. Sacó miles de bendiciones en teatro. La gente se largaba y se sentía insultada. Para mi eso es positivo para una película de terror.

2. La vulnerabilidad de sus protagonistas: Regan, una pequeña inocente, que por andar en jueguitos prohibidos terminó siendo poseída por Pazuzu, el demonio más vil de todos los tiempos. Esa misma vulnerabilidad aplica para su mamá, quien persigue la angustia de salvar a su hija, y también los problemas de fe del padre Damien Karras y el lío protector de su mamá en el hospital.

3. La sencillez de su contexto: el demonio se ensaña sobre una familia trabajadora y pacifica que recibe todo el peso del mal personificado.

4. La música es jodidamente aterradora y produce mucho escalofrío. Es efectiva, al grano, sin tanto maquillaje.

5. Agotar toda posibilidad racional: Regan pasa por cientos de horribles tratamientos para dar con alguna enfermedad, mientras vemos la imposibilidad de la lógica y de la ciencia para dar con algo.



6. Los efectos especiales análogos: en una era donde todo ahora se hace digital, ver toda la parafernalia análoga de la película, es casi un triunfo y hace que se preserve como una película contemporánea.

7. El mal triunfa: que el demonio gane la batalla es mucho mas aterrador(discúlpeme si lo conté el final, pero si después de cuarenta años usted no la ha visto, debería darle vergüenza) que cualquier otra cosa porque nos crea miles de inquietudes: ¿Realmente existe el demonio? ¿ Dios existe? ¿ Porqué el mundo es tan horrible?

8. La dirección de fotografía: es un atmósfera muy sombría que juega con altos contrastes( sobretodo en la batalla de los curas contra el demonio, amplifica el estado de pesadilla en el que vive la niña y tiene una capacidad de sorprender en términos de planimetría).

9. El montaje: es una película sutil, así usted no lo crea, crea unos ritmos adecuados, desde una ligeras pistas iniciales  que nos indican que una fuerza se empieza a colar, hasta el horror mas grosero y descarnado( blasfemia, grosería, escupitajos, histeria y desespero por todas partes).



10. Las interpretaciones: esto va de la mano de un director veterano y cojonudo como lo es William Friedkin ( The French Connection, que peliculota) que logra sacarle el jugo a todo el mundo. Linda Blair a su edad, consiguió un papel increíble porque nos demostró miedo y vulnerabilidad combinada.

11. El guión: es sencillo, sin tanta pretensión, líneas muy elaboradas y argumentadas. Giros muy finos e inteligentes. Un final negativo y su balanza no se desvía por tintes religiosos. No nos pide asumir una postura espiritual, las cosas so están ahí, de manera imparcial.

Podría quedarme escribiendo cientos de atributos para esta película. Después de cuarenta años, no ha habido alguna película que le pueda dar la talla. Sigue siendo la película de terror por excelencia. No solo la recomiendo, debe ser obligatoria solo por cultura general y debe volverse a ver para encontrarle nuevas aspectos.

Sobre LA DANZA DE LA REALIDAD

Estrenada en el Festival de Cannes 2013, La Danza de la Realidad es el regreso de don Alejandro Jodorowsky a su quehacer cinematográfico, después de un par de décadas de dedicación a otros oficios, con excelentes resultados.

Con su clásica motivación intacta, de hacer de la puesta en escena una psicomagia de la cual todos en la producción y en la audiencia puedan obtener provecho espiritual, Jodorowsky usa la historia de su vida como inspiración, valiéndose de algunos de tantos recuerdos que lo marcaron para siempre y que lo conforman actualmente como individuo, para compartirle a nuestro niño interior algunos de los trucos para aprender en este viaje infinito por el universo.

Si bien esta vez narra con una tendencia más teatral y didáctica que en anteriores oportunidades, en La Danza de la Realidad percibimos a un Jodorowsky en completa forma, como gurú y aprendiz de su consagrado estilo, en el que explota muchas de las amplias posibilidades del lenguaje audiovisual, con su usual carga de contenido simbólico, con humor, con reflexiones políticas, familiares y existenciales, con él y sus hijos actuando (y la terapia explícita para sanar al padre), con elementos de producción costosa, pero también artesanal, entre muchos otros detalles que hacen de ésta, una película única, valiosa, y por supuesto, recomendada.

Calificación 4.5/5