Freaky Styley - Trigésimo Aniversario

Era 1985 y los Red Hot Chilli Peppers estaban descubriendo y puliendo aquel infinito potencial que les permitió conquistar el mundo unos años después. Prueba de este nivel está magistralmente registrado en su segundo álbum Freaky Styley. Ahora, aquí no solo se estaba avanzando en la historia personal del grupo sino en la del genial estilo funk metal, originado en lo profundo del underground ochentero que sirvió de inspiración para tantas alternativas años después cuando todo se popularizó. Recordemos que entre otros, los Red Hot dieron inicio a esta magia junto a bandas como Faith No More y poco después se unieron otros brillantes exponentes como Primus, 311 o Incubus, cuyas propuestas continúan alimentándose de esta fórmula que a su vez continúa consumiéndose por audiencias de música popular alrededor del mundo.

Además de sugerir enfáticamente que los interesados en la materia deben escuchar este álbum a como de lugar, hay algunos detalles sobre los cuales se puede llamar la atención desde lo escrito para alimentar esta respetable idea que ahora tengo del Freaky Styley. El primero es que está producido por el cerebro de Parliament-Funkadelic, George Clinton, institución definitiva del funk en el siglo 20, quien en todo el sentido del concepto influenció con su genialidad y visión musical, además del post-punk y el disco, otros estadios como el que ahora nos ocupa.

Pues la mano mágica del maestro George Clinton se siente en cada segundo del álbum. El logró canalizar la entonces abundante energía de aquellos jóvenes blancos hacia la idea pura del funk. Por ejemplo, si bien los Red Hot siempre han sido una banda de cuatro integrantes, en Freaky Styley se añadieron múltiples instrumentos de viento (entre ésos el saxofón de Maceo Parker), percusión y coros que unidos al equipo completan el exquisito sabor de una orquesta, como aquellas de donde salió el funk verdadero. Qué tal Yertle the Turtle ah? Hypermegafunk. Ése es el color de este álbum.

(Flea, Clinton y Kiedis trabajando juntos en 1985)

Llamando la atención sobre la mina funk que este disco, cómo pasar inadvertidos Hollywood (Africa), que es un cover de Africa, original de las leyendas del soul-funk de New Orleans, The Meters, o If You Want Me To Stay, original de Sly Stone (frontman de Sly and the Family Stone, profesores de la misma escuela soul-funk pero en San Francisco)?. Hermosos homenajes.

Pero los Peppers siempre han tenido su propio veneno y en este disco la mayoría es sello personal. Iniciando con Jungle Man queda clarito cómo es la jugada aquí. Sobre el inquebrantable y demoledor ensamble de bajo y batería aparece la guitarra entre líder y rítmica que con sus paradas permanentes describe la idea perfecta de funk que la mayoría tenemos en la cabeza. Al respecto hay que señalar que en su medida, el adorado guitarrista judío Hilel Slovak, (idolatrado por el entonces fan adolescente John Frusciante) hizo un aporte importante pues el tipo tiene un gran feeling y además no conozco otro guitarrista que con anterioridad se haya desempeñado en este estilo musical. Por cierto, generalmente se menciona a Slovak tanto por su talento como por el cariño que le tenían dentro y fuera de la banda, y quien desafortunadamente murió de sobre dosis en 1988.

Sobre Flea y Kiedis no me pronunciaré mucho pues como Peppers fundadores y permanentes, su aporte aquí es tan valioso y tan familiar como nos resulta hoy en día, así que estamos simplemente revisando esta etapa en su evolución musical, o más bien en la consagración de su "estilito freaky". 

En todo caso, aunque blanco y ochentero, esto es un ejemplo de funk como dios manda, favorito entre los cuatro álbumes ochenteros de los Red Hot Chili Peppers y por éso recomendadísimo. Entre mis preferidas están American Ghost Dance, Freaky Styley, Blackeyed Blonde y la hardcorera Battle Ship.

Feliz aniversario!

Fight For Your Mind - Vigésimo Aniversario

(No estoy seguro si me gusta la portada.... creo que la odio, pero amo este álbum)

Ben Harper es un compositor y multi-instrumentalista californiano hijo de padre con ancestros negros y Cherokee, y madre judía. Con estas tradiciones no sorprende ni su original propuesta musical ni sus compromisos con la causa, porque es un consagrado activista cuya música no se encuentra en los circuitos usuales, aún cuando tiene una amplia base de seguidores en el mundo.

El caso es que 1995 estrenó su segundo álbum Fight For Your Mind y además de ser uno de sus mejores, es una obra interesante sobre la cual compartir. No recuerdo bien como llegó a mi, pero fue después del año 2000 y en cuestión de poco tiempo estaba muy encariñado con él. Lo curioso de Harper y este trabajo es la mezcla de soul, funk, reggae y gospel en el disco, el cual está producido de una manera sumamente pop y comprensible, y con esto me refiero a un nivel superior al que uno imaginaría inicialmente con esa descripción de géneros fusionados. En realidad se trata de algo particular. Y bueno, la música es tan tranquila que el mensaje es protagonista principal, que si bien es muy crítico y reflexivo, es pacífico. Digamos que lo político ocupa tres cuartas partes del álbum, iniciando con Opression, hasta People Lead y la esperanzadora "a punta de ritmo" Fight For Your Mind. La última parte tiene una connotación religiosa-espiritual (en algunas partes dramática) con Power Of The Gospel y God Fearing Man. El cierre es con la elevada One Road To Freedom.

Entiendo que con temas como Ground On Down (video) el tipo tuvo su rotación en medios entre tantas otras bandas alternativas del momento. Allí pueden apreciarse muchos detalles como el sonido clásico de banda noventera. Allí me resulta particularmente funkero con sus poderosas líneas de bajo y el contagioso ritmo en batería. Ahora, de Harper individualmente se puede percibir su tono vocal como de "la voz de tu conciencia", su genética interracial, su mirada y cantos al cielo de devoción, y sobre todo, su Weissenborn Lap Steel Guitar, la cual maneja muy bien y que le da un toque único a muchos de sus temas. Gold To Me va por esta misma onda. (Si les gusta el slide guitar en este disco es generoso en ese sentido.

Pero bueno, cada tema tiene su fuerza escondida por más suave o espiritual que pretenda ser. Como Please Me Like You Want To cuyo sencillo riff acústico puede alcanzar fibras muy profundas a medida que va sonando. Ejemplos claro de este "poder pacífico" son mis favoritas Burn One Down, una oda a cannabis con percusión adicional a la batería (otro elemento recurrente del álbum), y Excuse Me Mr. una demoledora y hermosa crítica corporativa cuyas estrofas están cantadas sobre el bajo y la batería, dejándole a la guitarra pequeños espacios que se aprovechan muy bien.

Con más de una hora de este peculiar estilo todos los interesados en los noventa o en los géneros que relacioné anteriormente están invitados a revisar el Fight For Your Mind de Ben Harper, una obra fresca y relevante de un artista que continúa activo desde entonces.

Feliz aniversario!

311 - Vigésimo Aniversario

Por: Mateo Bonells.

En 1999 viajé al estado de Dakota del Sur. Como buen colombiano de 17 años fumaba cigarro y era bueno pa´ tomar trago. Inevitablemente entré a formar parte de los misfits de Brookings Highschool. Aunque yo era un hombre.. well… "girls just want to have fun!!!" Y eso fue lo que hice. Tomar clase de español parecía ser el método de acción a seguir (por obvias razones). Ahí conocí a mis primeros amigos: Phil, con camisa hawaiana, ojos azules y pelo pintado, Tony, con camiseta de Rage Against The Machine, pelo pintado y ojos azules, Matt, igualito al cantante de Limp Bizkit y Jannet, vestida como la hippy del Exit Planet Dust. Después de clase me preguntaron si yo fumaba. Les mostré mi paquete de Marlboro rojos. Salí con ellos en un Honda Civic de dos puertas verde oyendo Legend de Bob Marley y "carburando" una pipa. Después de 20 minutos de mirar por la ventana callados, cambiaron el CD… And my whole american exchange year experience went DOWN!! DOWN!!

Honestamente no hubo nada profundo en particular que me atrajera a 311 inicialmente. No tenía el oído, no percibí en primera instancia la influencia punk rock, tal vez GreenDayciana o de los Offsprings, ni la influencia skaera de Sublime y tampoco la obvia influencia de los Chili Peppers (manifestada entre otras cosas claramente en sus "DI-BI-RI-DA-BA-RAS" líricos Anthony Kideisianos). Lo que si oí en la música y sentí en mis amigos fue un tipo de manifiesto subconsciente que decía we are white boys!! we are all american!! we are in highschool!!! and this LIGHT-HARDCORE blown-amp guitar riff me hace gritar… I'm a teenager and I'm cool GODDAMN!!....

O.K. Tengo 33 años y puedo darme el lujo de decir estas cosas hoy en día sobre lo que pensaba a los 17 sin sentirme ridículo. Si me hubieran pedido una opinión objetiva sobre aquel sonido en aquella edad, tal vez me hubiese enfocado en el scratchyrischratch de disco que suena en todas las canciones y en el rapeado (del que a propósito no entendia un comino)… BUT IT JUST SOUNDED SOOOO FUCKING COOL!!! YOU GUYS!! JEJE!! Nunca me imaginé que 7 meses mas tarde estaría disfrutando un sabroso mosh pittin y mi primer crowd surfing en uno de sus conciertos en la ciudad de Sioux Falls.

Ahora si hagámosle justicia al álbum.

Una cosa para la que que no se necesitaba ningún especialista era para reconocer que la marca clásica del sonido de 311 estaba destinada al éxito. Más allá de todos los géneros a los que se dice pertenece, a mi en particular me suena al género GARAGE MADE IT MAINSTREAM, lo cual fue la constante de las bandas exitosas de los 90. La sincronía melódica de las dos guitarras con el bajo creaba un sonido fuerte, sólido, lleno, pulsante. El humm-hummeo del cantante cuasi-gregoriano, dulce, reverved, dubed, high as a kite californian. El rapeo sin rima de la segunda voz con su icónico sonido cruce entre los Beasty Boys y Kriss Kross junto con el muy necesario y contemporáneo rayado de disco formaban un poderoso popurrí el cual mis jóvenes amigos americanos memorizaban y cantaban como lo hacíamos nosotros con Escalona y Diomédes. 

This was music for the masses not like Depeche Mode intended. Y finalmente el elemento más distinguido del sonido de 311, la batería!!!! Totally Trenchtowned!! El elemento más reggae de la banda, y el delivery de los golpes, glorioso highpitch snare.

El primer detallazo del álbum sin lugar a duda es la canción de apertura, el single Down (video),  la cual cuenta con todas todas las características destacables del grupo. Además de invocar aquel espíritu de fin de siglo y de todos los siglos we are 16, got a driver liscence, let´s go score some cigarettes, Brian´s got some weed, lets drive after school and GET FUCKED UP. La canción Purpose bonito beat reaggae, suena mucho como los últimos trabajos de ellos. Jackolantern´s Weather es a mi gusto solo contenido bulto para aquellas mentes adolescentes ansiosas por rap para memorizar y hay mucho de eso a lo largo del álbum. No se cual haya sido su negocio con disquera o su necesidad por crear tanto bulto. El tema All Mixed Up (video) y su riff de guitarra gritan. Chilli Peppers If You Have To Ask from Blood Sugar Sex Magic perpetuando las influencias funkadélicas de John Frusciante.

El otro hit fue el Don´t Stay Home (video)... Again, I never understood a fucking thing they were saying… the sound just worked for me, es una vibración quinceañera suave pero efectiva para cargar una hincha pequeñita o pretender una f en el baño frente al espejo.

Aún disfruto éste y otros álbumes de 311 que tengo en mi gaveta de los recuerdos, especialmente el Live y Soundsystem, los que eran más contemporáneos en el tiempo que estuve allá y claramente con más trabajo de estudio. Es bonita la nostalgia que produce ver a una de las bandas con las que creciste lanzarse de nuevo al ruedo y ver que han madurado y tu también.

Feliz aniversario!

Out Of Exile - Décimo Aniversario

Por: Dick Johnson.

Para el año 2000, Brad Wilk, Tim Commeford y Tom Morello eran sinónimo exclusivo de Rage Against the Machine. Casi por una década, acompañaron a Zach de la Rocha en su epopeya musical contra el sistema, dentro del sistema. Muy a pesar del éxito comercial y trascendental de Rage Against the Machine en una generación contestataria y alternativa como la noventera, lo cierto es que esta fue una banda que con cuatro discos encima, tuvo muchas dificultades para equipar el nivel, calidad e impulso de su primer disco homónimo (1992). Hoy, después de un par de giras de reencuentro, es claro que Rage y de la Rocha tuvieron su década de oro en los noventas.

Lo que nadie esperaba para el inicio del milenio, es que fueran Wilk, Commeford y Morello quienes mantuvieran vivo el sonido RAGE y lo llevaran a una evolución necesaria y deleitosa para el rock del nuevo milenio. Esta labor sería realizada de la mano de Chris Cornell (Soundgarden/Temple Of The Dog), una de las voces más exquisitas que nos dejaron los noventas y cuyo registro vocal le dio libertad al trío instrumental para ser más versátil y permitirse redefinir su sonido. El auto-titulado Audioslave (2002) avisó con fuerza lo que sería la gran trilogía (Audioslave - Out of Exile - Revelations), pero en su momento recibió críticas pues sonoramente parecía todavía un disco de R.A.T.M. acomodado al registro de Cornell.

Out Of Exile (2005) no solo marcó el sonido original de la banda, siendo probablemente su mejor momento, sino además uno de los mejores discos de toda la década. Desde el principio Your Time Has Come y el solo intermedio de Tom Morello, el disco avisa un sonido único: Rock orgánico de los setentas, mezclado con funk y power grunge, con un ingrediente algo desconocido: Los solos de guitarra del siglo XXI de Morello. Quizás en este momento él comprendió que no siempre era necesario utilizar la suela del zapato o el cable de la guitarra para demostrar su talento. Al contrario, las canciones suenan más elaboradas, con dos o tres guitarras que evidencian su capacidad para componer más allá de sus estrambóticos solos, y apoyando la base rítmica que por lo general le correspondía a Commerford exclusivamente. Be Yourself y Doesn´t Remind Me si bien son singles poco complicados de entender, marcan una distancia entre Audioslave y las bandas previas de sus integrantes. Para los críticos del momento, Out Of Exile fue demasiado suave para el sonido al que nos acostumbraron sus integrantes en el pasado, pero la realidad es que este álbum marcó el sonido independiente de la primera gran super banda de los años dos mil.

Pero no son los singles los que marcan la diferencia, son las canciones que solo el gomoso escucha y será por lo general el público que sin duda le interesará esta reseña. Los singles si bien marcaron el sonido de la banda, no son el punto máximo de la banda. A continuación una reseña de estos puntos desconocidos del disco: 

Intermedios:

Out Of Exile, canción No. 2 del disco y que en mi franca opinión, pudo ser la verdadera balada de la banda. Este rol lastimosamente le correspondió a Like A Stone del primer disco que quedó en la memoria colectiva de la década siendo uno de los pocos temas flojos de la banda. Out of Exile es la primera balada-rock-soul del disco que pasó de largo a una década de jóvenes que nunca tuvieron edad o agallas para acercarse a Rage o a Audioslave. 

Drown me Slowly, The Worm, Man Or Animal, tres temas de soul rock que alimentan la hora de duración del disco y que evidencian bases rockeras básicas en los ingredientes, dejando de lado las canciones para saltar como Cochise y Gasoline del primer disco.

Para olvidar:

Dandelion .... una de las cinco canciones de Audioslave que podrían haberse omitido para quizás haber logrado dos discos perfectos. 

Superiores:

Yesterday To Tomorrow: Una de las mejores baladas rockeras de la década, comparable si acaso con Shadow On the Sun del álbum debut. #1 Zero: Mi canción favorita de la banda. Una de las razones por las que Tom Morello diría años después que Audioslave y Cornell le dieron al trío musical la versatilidad necesaria para hacer música diferente. Esta canción jamás hubiera existido en la musicografía de Rage ni Soundgarden. The Curse: Un cierre impecable en el mismo espíritu soul del disco.

(Wilk, Morello, Commerford y Cornell en la época)

Por rickiwarrior.

En una década en la que se definían nuevas formas del rock y el consumo digital de la música se consolidaba a pasos agigantados, la industria musical (Epic e Interscope de Sony y Universal respectivamente), hizo una apuesta muy interesante con Audioslave, una mega banda cuyas bases se fundamentaron en aprovechar dos grandes fórmulas de los años noventa: La incesante composición musical y virtuosa voz de Chris Cornell y el impecable ensamble de Brad Wilk, Tim Commerford y Tom Morello, quienes con Soundgarden y Rage Against The Machine elevaron los estándares de la música alternativa a niveles inesperados años atrás.

Esta tarea se la encomendaron al maestro de la producción Rick Rubin con quien debutaron en 2003 con el álbum Audioslave, el cual estuvo precedido por gran expectativa generada principalmente por la curiosidad que generó la unión de integrantes de dos de las bandas más grandes de los noventa, y el cual tuvo una decente exposición en medios con sus sencillos y sus videoclips. No obstante, la crítica especializada coincidió en que al proyecto le faltaba madurar.

Dos años después, en febrero de 2005, se abrieron paso de nuevo con su sencillo Be Yourself  (video) que anunciaba el estreno del Out Of Exile, su segundo disco que si bien se construyó en las mismas condiciones que el anterior, efectivamente demostró la madurez que reclamaba la crítica. Esto indicó que los ex-R.A.T.M. y el ex-Soundgarden lograron vincularse artísticamente para lograr un trabajo digno y memorable tanto para sus seguidores clásicos, como para las nuevas audiencias.

Out of Exile es un resumen magnífico de todo lo que propuso Audioslave en sus seis años de existencia, su rock duro de alcance masivo con inclinación funk en lo rítmico, riffs demoledores, las exploraciones en la guitarra de Morello, varias baladas hermosas, y un breve cuarto de hora de esta banda que es un detalle relevante en la hoja de vida de sus creadores y un disco de respeto entre fanáticos.

Entre mis favoritas están la que le da nombre al álbum, el hit single Doesn´t Remind Me (video), la hermosísima Heaven´s Dead y The Worm.

Feliz aniversario!

En 2005 también tuvo lugar el concierto gratis de Audioslave en la Tribuna Anti Imperialista José Martí en La Habana, Cuba, el primero de una banda americana de rock en este país, ante un aproximado de 50.000 personas.

Tales From the Punchbowl - Vigésimo Aniversario

Por: Miguel de los Ríos.

Hace 20 años, el 23 de mayo de 1995, Primus presentó su cuarto disco, y para muchos el más maduro de toda su carrera, Tales from the Punch Bowl. Después de la expectativa creada con sus trabajos anteriores, sobre todo Frizzle Fry y Pork Soda, y haberse presentado en Lollapalooza en el 93 y en Woodstock en el 94, el público no tenía muy claro qué esperar de esta agrupación californiana que había irrumpido en la escena del rock progresivo con un sonido poco ortodoxo caracterizado por el virtuosismo de Les Claypool en el bajo y de Tim Alexander en la batería, en yuxtaposición con las guitarras armónicas y complejas de Larry LaLonde. Esta propuesta, bastante innovadora y experimental, poco común en una tradición de rock californiano, donde las guitarras graves y pesadas solían dominar simples compases de 4/4s, rápidamente se armó un espacio único para ellos. En 1995 Primus ya se había consolidado con una pequeña vanguardia en una región donde las bandas de rock buscaban sub-géneros a los cuales pertenecer.

Desde el principio del disco (con Professor Nutbutter´s House of Treats) se definen perfectamente los roles de cada instrumento. El bajo abrumador e imponente marca el compás y la melodía principal; la batería, polirrítmica y casi experimental le sigue, mientras que los solos de guitarra de LaLonde, heterodoxos, disonantes, y casi que relegados a un segundo plano, sirven como acompañamiento armónico para juntar y completar el trabajo pesado creado por el bajo y la batería. Sus dos sencillos representan de manera opuesta, la máxima expresión de Primus como propuesta musical.

(Tim, Larry y Les en la época)

El primer sencillo del album, Wynona’s Big Brown Beaver (video) encarna perfectamente el sonido excéntrico de Primus, con claras influencias de estilos como el funk, el bluegrass, y el rock del sur de Estados Unidos. Los dos solos de guitarra presentes en la canción revelan claramente la versatilidad musical de esta banda. El primero es un claro ejemplo de la influencia del noise rock de los 80’s y comienzos de los 90’s, mientras que el segundo es muchos más melódico y folclórico, utilizando técnicas típicas de instrumentos como el banjo y la steel guitar, casi como un homenaje a Grateful Dead y los solos de Jerry Garcia.

‘What an ingenious device...’ Así empieza el segundo sencillo, que es el otro lado de la moneda y que resume de maravilla la esencia de Primus: Southbound Pachyderm (video), el cual rápidamente se convirtió en clásico de culto, mostrándonos un lado más sobrio, menos irreverente musicalmente, sin llegar a alejarse de ese sonido que cautivó los escenarios. Esta canción, mi favorita del álbum y entre la discografía, tiene el ingrediente progresivo. Un tema que en concierto puede llegar a superar los 10 minutos, donde Primus demuestra que más allá de las las letras cómicas y la sátira, son una de las agrupaciones más talentosas del rock en una escena llena de simplistas.

La creatividad, ingenio, y talento de Primus es algo que a veces siento que hace mucha falta hace en la actualidad. El virtuosismo por encima de las melodías pegajosas; la innovación musical como motor creativo; el humor como personaje sin convertirse en una broma; el desafío de los estándares y las modas pasajeras… Aún así, a muchos no les gustará su propuesta....

Feliz aniversario!

Clarence Clarity - "Those Who Can't, Cheat"

Clarence Clarity es un músico inglés que ha sorprendido bastante a la audiencia con su sofisticado pop electrónico de tendencia funk y psicodélica. Aquí esta Those Who Can´t, Cheat, excelente tema y videoclip de su reciente álbum No Now.

VICE y ¡Pacifista! presentan a Afrika Bambaataa por primera vez en Colombia

"En el universo cultural, el nombre Afrika Bambaataa tiene un puesto especial. O mejor: un trono. [...] 

Líder natural, visionario musical, DJ de los primeros, padrino espiritual del hip hop y chamán mayor de la Zulu Nation [...], se trae su arsenal de vinilos para presentarse en vivo este 9 de abril en el Teatro Metropol, junto a algunos invitados especiales locales como Dani Boom, DJ Fresh y R.A.H..

[...] El original blockparty pacifista se traslada a nuestro país con invitados especiales en un evento para no perderse.

¡Bienvenido Bam!"

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Publicado originalmente - Vea más en: https://www.vice.com/es_co/read/vice-y-pacifista-presentan-a-afrika-bambaataa-por-primera-vez-a-colombia

Conozca más de ¡Pacifista! aquí: http://www.vice.com/es_co/series/pacifista

King For A Day, Fool For A Lifetime - Vigésimo Aniversario

Aunque hay un consenso general sobre Angel Dust como el mejor álbum de Faith No More, muchos de los que crecimos escuchando rock en los años noventa mantenemos al King For A Day, Fool For A Lifetime como el preferido. Personalmente creo que esto se debe a que si bien el Angel contiene el perfecto funk-metal épico que los caracteriza, el álbum completo suena muy homogéneo comparado con el King, que está lleno de trucos y sorpresas, con exploraciones en la mayoría de temas, alcanzando el mayor nivel de versartilidad y dinámica en su discografía. Claro, esto enfatizando en su estatus de "sickest band of the 90´s" con su poderosa fórmula más agresiva que el hardcore mismo.

La mayoría de reseñas que se leen sobre este disco señalan de inmediato la notable salida del primer guitarrista de la banda Jim Martin, lo cual tiene muchísimo que ver con ése cambio que aquí se presenta en relación con el mencionado predecesor. Claro, como muchos saben, mientras Martin es fundador de Faith No More, Mike Patton llegó un poco después a la banda en reemplazo del moreno Chuck Mosley, habiéndose hecho notar por su trabajo como integrante de la ecléctica Mr. Bungle, (un bicho rarísimo). Así, Patton deja la experimentación en Mr. Bungle y se acopla al sonido de su nueva banda, siendo el Angel Dust el mejor resultado. Sin embargo, con la salida de Martin, se evidencia a un joven Patton tomando el control y a Faith No More empezando a girar sobre sus necesidades vocales. Por esta razón, en el King lo escuchamos por primera vez en la misma grabación (de Faith No More, claro) convertirse en el multifacético tenor, maestro gutural, corista de R&B y gospel, entre otros, aquel prodigioso vocalista mundialmente reconocido y sobre el cual ha continuado montando proyectos paralelos para darle rienda suelta a su talento.

Bueno, el otro comentario obligatorio del King For A Day es que en reemplazo de Jim Martin entró el guitarrista de Mr. Bungle, Trey Spruance, lo que fortalece la situación antes expuesta puesto que Spruance y Patton compartieron banda antes que Faith No More llegara a sus vidas.

(Faith No More en 1995 con Dean Menta en el fondo, guitarrista para la gira del álbum)

Ahora que lo intenté me resultó algo complejo describir la grandeza del King For A Day, Fool For A Lifetime, pero de manera general vale la pena anotar que aquí la banda continuó sonando única e irrepetible dentro de la gran masa alternativa. De la misma forma, el nivel musical de los integrantes se mantuvo incólume, notándose tanto en detalles virtuosos individuales, y a nivel de cohesión como grupo creativo, pues sin importar cuan extraños o familiares sean sus temas, todos revelan elegancia y nivel, como si se fuera una orquesta quien estuviera detrás del sonido. Eso si, en relación con los trabajos anteriores, el King es como el adolescente fuera de control en la familia. Aunque tiene comparte el encanto y la visión con sus hermanos, es el más atrevido, ruidoso, rápido y divertido de todos.

Revisando los sencillos tenemos una ilustrativa muestra de la entonces genialidad de Faith No More. Todo inició con Digging The Grave (video), estrenado el 28 de febrero del 95, con el que hacen el primer asalto sonoro a la escena alternativa del momento. En principio, Digging sonó perfectamente acoplado a su época, sin embargo, denota una evolución, una propuesta, una fórmula propia para hacer las cosas. Haciendo a un lado que vocalmente es un tema precioso, se nota particularmente el poder rítmico del bajista Billy Gould (quien la compuso) y de la limpieza del punch del baterista Mike Bordin quienes siempre le dan el toque funky a Faith No More, y en este caso particular, un sonido grunge y metalero genial.


Poco después salió Ricochet, un tema que muestra un tono algo triste pero grandioso, en un ritmo extraño donde la banda acompaña discretamente a la voz para entrar en plena forma por pocos segundos en el legendario coro "It´s always funny until someone gets hurt, and then it´s just hilarious". Es una dinámica interesante porque si quitas la voz notas como mantienen el suspenso y cómo resuelven al final. Magnífica.


El tercer y último sencillo fue Evidence. ¿Cómo empezar a alabar este tema? Es el ejemplo perfecto de la elegancia y el virtuosismo que comenté anteriormente. Con su sofisticado jazz-funk y una melodía inmortal, se trata de una canción universal. Nunca faltaría en un "grandes éxitos" ni de simpatizantes ocasionales ni de fanáticos de la vieja escuela Faith No More. De hecho Evidence sería el tema de quienes nada tienen que ver con esta banda ni les importa, así como de los extraterrestres cuando finalmente hagamos contacto.


Ahora, el King es bien conocido por alternar entre temas fuertes y suaves. Después de Evidence continúa la grotesca y maravillosa The Gentle Art Of Making Enemies, tan sarcástica lírica como musicalmente. En seguida pareciera que una vieja orquesta tomara el control en Star A.D., una pieza realmente creativa que a medida que avanza la letra ocupa su lugar en el álbum y reafirma que la sorpresa será un factor clave en el viaje. Luego, continúa la demente Cuckoo For Caca, pesada hasta en los teclados. Luego va hasta el otro extremo con Caralho Voador (aunque en el mismo tono irónico), para alternar nuevamente con Ugly In The Morning, la otra donde pierden el control. Luego de Digging The Grave, pareciera que el álbum baja su tono irreverente y entra en una fase más sincera con mi favorita Take This Bottle (una belleza), la épica King For A Day, What A Day que resume bien el sonido general del álbum, la hermosa rockera Last To Know donde no hay gritos ni voz gutural, y finalmente el extraño pero sublime cierre con Just A Man y sus particulares coros.

En fin, uno de los cinco álbumes definitivos del metal alternativo noventero.

Feliz aniversario!

Incubus - "Trust Fall" (Lyric video)

Country Life - Cuadragésimo Aniversario

(Si, aplausos para Eric Boman quien tomó la foto, así como para Brian Ferry quien persuadió a las chicas para participar en la sesión fotográfica)

La última vez que les hablé de Roxy Music fue el año pasado, con ocasión de los cuarenta años del  For Your Pleasure (1973) su segundo trabajo, donde participaría Brian Eno por última vez como integrante. Esta vez, (y después del Stranded, también del 73) es el turno de su cuarto álbum Country Life, que ha sido desde entonces el favorito de la crítica y muchos de sus seguidores. No lo se todavía porque no he escuchado toda la discografía, pero si la mayoría no se equivoca y efectivamente se trata de su disco más relevante, estamos frente a un puntazo de referencia del siglo XX, ya que como exponentes del art rock, Roxy Music fue una de las bandas más sofisticadas en la historia de la música popular inglesa. (Y exitosas, pues disputaban los primeros puestos de las listas de popularidad con gigantes como Bowie)

En este disco la banda brilla de nuevo como conjunto de principio a fin con su venenoso pop de tendencias orquestales y progresivas, que pareciera servir propósitos que van desde musicalizar una obra de teatro hasta un comercial de whisky. Pueda que al principio de una impresión de ser ligeramente más rockero que otros de sus álbumes, pero después de mucho escucharlo, Country Life revela su clásico sonido Roxy, emocionante, indescifrable, lleno de capas, instrumentos y la seductora cantada de Brian Ferry liderando. A medida que suena pareciera que los integrantes se van destacando por turnos, siendo Phil Manzanera uno de los primeros protagonistas con su fantástico trabajo de guitarra líder en la apertura con The Thrill Of It All y el super hit  All I Want Is You.

Las últimas dos quintas partes del álbum son obligatorias, desde Triptych, pasando por Casanova, A Really Good Time y hasta el cierre con Prairie Rose. A continuación, videos en vivo del Conutry Life para hacerse la idea completa.

Feliz aniversario !

Out Of the Blue, mi favorito:

Hell - Cuadragésimo Aniversario

Después del legendario The Payback de 1973, James Brown regresa rápidamente con otros nuevos 69 minutos de música, con los que se consolida como el Ministro del Super Nuevo Heavy Funk. Se trata de su álbum Hell de 1974, otra obra maestra del género que te deja con la boca abierta. Muy recomendado.

Feliz aniversario!

Ill Communication - Vigésimo Aniversario

Paul´s Boutique siempre será el favorito de la crítica especializada por su genialidad en cuanto a la brillante producción y manejo de samples, sobre el cual el trío de raperos blancos,consolidó en el imaginario colectivo su inconfundible estilo con los micrófonos, pero para mi, siempre será su cuarto álbum Ill Communication la obra definitiva de Beastie Boys, en donde continúan con ésos trucos ochenteros, pero basándose en samples de jazz y funk principalmente, añadiendo temas instrumentales llenos de groove y también hardcore tocado por ellos. Finalmente, dándole "rienda suelta" a su productor Mario Caldato Jr., quién trató el sonido al estilo de los mejores Djs en el hip-hop, agrupando así muchas tendencias bajo una misma propuesta y expandiendo aún más el alcance de lo alternativo en 1994. Obra maestra.

Mario Caldato Jr. es un músico brasileño, tecladista desde pequeño, que hizo una pequeña reputación en California rentando equipos de para Dj´s durante los ochenta y terminó trabajando como ingeniero en el fantástico Paul´s Boutique. Después del éxito de aquel trabajo, supo que su verdadera vocación estaba en los estudios de grabación. La producción de este señor tiene un sabor especial (orgánico, análogo, tribal), que le sentó de maravilla a los álbumes de los Beastie Boys, quienes también compartían algo de ésa naturaleza, pues como muchos saben, aparte de rapear, también tocaban instrumentos (bajo, guitarra y batería). Esta excelente sociedad, que les trajo grandes resultados, tuvo su pico en 1994 con Ill Communication, lo que se siente desde el primer segundo, con el exquisito tratamiento que le dan al sample Howlin´For Judy del flautista de jazz americano Jeremy Steig, en el primer tema y single de álbum Shure Shot (video), que engancha de inmediato a la audiencia.

Si analizamos los demás tres singles podremos revisar y resumir Ill Communication. Get It Together es la brillante mezcla de dos samples increíbles. Primero, del tema de soul psicodélico Aquarius/Let the Sunshine In (1969) por los 5th Dimension, interpretado para el álbum the covers instrumentales con el famoso sintetizador moog, llamado The Moog Machine - Switched On Rock; y el otro, del tema Headless Heroes del cantante Eugene MacDaniels. Encima, los Beasties rapean de lo lindo en un tempo muy suave junto Q-tip de A Tribe Called Quest para un resultado groovy e irresistible. Root Down (y su videoclip sobre NYC) es otro gran ejemplo de la música en este álbum. Esta vez el sample es de la banda del funker Jimmy Smith que incluye su delicioso teclado Hammond B-3 acompañado del espectacular riff de bajo y también la batería al mejor sabor de los setentas. Inmediatamente, empieza la genial Sabotage (y su videoclip insignia de Spike Jonze), que usa la misma lógica, solo que con riffs más heavy tocados por ellos y finalmente, algo de scratchin´ añadido. Una locura.

(Gaia del artista Alex Grey aparece en medio del librillo del álbum)

El bloque instrumental del disco esta compuesto entre otros, por el percutivo Bobo On the Corner, Sabrosa (vaya título apropiado), Futterman´s Rule (oído a los timbales) y el inspirado hacia lo oriental Eugene´s Lament (Uff!). Este concepto de lo instrumental venían cocinándolo desde el Check Your Head (1992) y muchos de ésos momentos fueron recopilados en el disco The In Sound From Way Out, que condensa parte de la relación entre Caldato y los Beastie Boys. Una joya resultado de años de buen trabajo.

Por el hardcore están Tough Guy y Heart Attack Man. (Súbanle el volumen a ése sabor!). Do It, uno de los temas que muestra la versatilidad de este álbum. En la parte de atrás del disco la foto de todo el parche de producción. Creo que es por este álbum que los Beasties se consagraron hasta el punto de ser reconocidos por Rage Against the Machine como renegados del funk en el videoclip homenaje al género.

Este disco es tan genial que me hace desear que lo mío fuera el hip-hop y no el rock.

Feliz aniversario!

Niandra LaDes and Usually Just a T-Shirt - Vigésimo Aniversario

Como les conté hace unos días, la carrera como solista de John Frusciante arranca en 1994 con el lanzamiento de su álbum debut. Aparte de estar creando música permanentemente, coinciden con la salida al mercado de este disco dos asuntos importantes en su vida; primero, el inesperado boom comercial del Blood Sugar Sex Magic de los Red Hot Chili Peppers que lo atortoló hasta el punto de hacerlo abandonar la banda en plena gira y, sus crecientes adicciones, algo muy común en el gremio y en la época.

Niandra LaDes and Usually Just a T-Shirt es una recopilación de veinticinco temas grabados en casa y divididos en dos partes. En su mayoría se componen con guitarra acústica y voz, aunque su guitarra eléctrica cargada de efectos clásicos evocativos de Hendrix suena con frecuencia. Algo de bajo, piano y otros instrumentos aparecen esporádicamente, todos interpretados por él. Hábil desde temprana edad con las seis cuerdas, aquí demuestra mucha versatilidad. Igual con su voz, que eleva permanentemente con falsetes y aullidos. Aunque la música suena en su mayor parte tranquila, se siente todo el tiempo la angustia derivada de su coyuntura emocional en el momento, aunque, disfrutándola. El caso es que estos temas permanecieron increíblemente frescos con los años y hoy en día son obra de culto. Frusciante fue afortunado, pues su paso por una banda grande le significó la suficiente confianza y autoridad para recluirse y continuar por su cuenta sin obstáculos o interferencias. El sueño del artista independiente. Si quieren saber más sobre Frusciante en 1994, recomiendo este documental.

Creo que para los 23 años que tenía, Johnny lo hizo bastante bien. No solo logró que Warner Bros. lo dejara ir sin reclamos legales para lanzar su extraño álbum a través American Records (la empresa de Rick Rubin), sino que además sobrevivió a la heroína (cuando muchos otros colegas no). Siempre tendrá la puerta abierta en RHCP y será recordado como su mejor guitarrista. Finalmente, continúa su carrera independiente que ahora cumple 20 años, llena de trabajos hermosos y muchas colaboraciones interesantes.

Feliz aniversario!

No se quien es el responsable de estos videos, pero es lo que hay.

Shadows Collide With People - Décimo Aniversario

John Frusciante, mejor conocido por haber sido el principal guitarrista de los Red Hot Chili Peppers (que tanta armonía y melodía les aportó), inició su carrera como solista  desde 1994, la cual es cada vez más distinguida, entre otras personas, por mi, que ya lo considero un ídolo personal.

Shadows Collide With People sale al mercado en febrero de 2004 con la reserva bajo la que opera Frusciante siempre. Es su quinto álbum de (aproximadamente) once que ya componen su discografía y se destaca entre los demás por sus altos valores de producción, los cuales se midieron en presupuesto, pues es su disco más costoso a la fecha, y también en colaboraciones pues para la grabación estuvo acompañado por su sucesor (multi-instrumentalista) y por su ex-compañero (baterista) en RHCP, Josh Klinghoffer y Chad Smith, respectivamente. Según la crítica especializada, el resultado fue positivo pues es su álbum más accesible comercialmente hablando, lo cual es importante porque en su catálogo hay tantos elementos pop como experimentales, lo cual puede resultar confuso para el oyente promedio. Entonces, se trata de una propuesta muy personal, en donde después de un tema de guitarra acústica y voz puede seguir un episodio electrónico abstracto, pero con una clara vocación de genialidad, no negativa.

Shadows Collide With People es uno de los tantos puntos de partida para el trabajo de Frusciante. Si por aquí no funciona, tal vez no funcione en absoluto. A diferencia de otros aniversarios que celebro por su indiscutida relevancia, este lo celebro para construírsela. De hecho, no conozco seguidores de John Frusciante, pero esta fecha es la excusa perfecta para traer la atención y compartir sobre este querido artista y su aporte.

Todavía no se quien está coordinando el trabajo audiovisual para John Frusciante, pero tienen una amplísima videografía (cuasi-oficial) que cubre una parte importante de su música, así como la de Red Hot Chili Peppers. Todos ésos videos en este canal. (Actualización del 31 de enero de 2015: el canal Frusciante World fue cerrado temporalmente y la mayoría de videos fueron desmontados de la red, tal vez por asuntos legales)

A Crow Left of the Murder... - Décimo Aniversario

En A Crow Left of the Murder... el quinto álbum de la banda californiana Incubus, se les escucha surfeando las olas del estilo propio que terminaron de pulir en 2001 con Morning View, en el cual el metal alternativo y el funk de alta calidad se presenta de la manera más amigable posible. Prueba de esto son sus hits en medios que se volvieron un logro común para ellos. En el caso de éste álbum, los éxitos fueron Megalomaniac y Talk Shows On Mute (fuerte y suave, respectivamente), pero temas buenos es lo que hay aquí.

Dos cambios sensibles pueden percibirse con este disco con respecto a sus trabajos anteriores. El primero es la mano del legendario Brendan O´Brien quien trabaja con la banda por primera vez en la producción y le da un toque diferente al sonido y el segundo, es el reemplazo del bajista Alex Katunich por Ben Kenney, quien tiene un talento equivalente en el instrumento pero un estilo más sobrio.

El 29 de noviembre de 2005 los bogotanos recibimos a Incubus por primera vez en concierto para la gira de este álbum donde se pudo apreciar en vivo el nivel de los temas y de la banda.

Mi favorita por siempre: Sick Sad Little World.

Feliz aniversario!

The Payback - Cuadragésimo Aniversario

(No se espanten con la portada..)

Aunque el rock ha sido, es y continuará siendo mi preferido, el funk siempre llamó mi atención por varias razones. En primer lugar, su groove es increíblemente contagioso. Segundo, tiene una complejidad rítmica muy interesante y además, tiene mucha fuerza. Siendo uno de los padres fundadores, James Brown es un punto de partida necesario para iniciarse en el género, así que, una vez habiendo superado el tema Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine que tanto hemos escuchado, la historia me llevó 40 años atrás cuando Brown produjo su mejor serie de álbumes de estudio, entre una extensa discografía marcada por el éxito de sus grabaciones en vivo.

Aprovecho para dar algo de crédito a la banda sonora de la película inglesa Lock, Stock and Two Smoking Barrels de Guy Ritchie ya que dos temas de su banda sonora, The Boss y The Payback corresponden a esta época de Brown, siendo la segunda, un atajo para llegar aquí.

En diciembre de 1973 salió al mercado The Payback, uno de los álbumes más importantes de James Brown. De sus 8 temas, el más corto dura poco menos de seis minutos, lo que deja ver lo importante de la improvisación (jam) en este trabajo, que no es completamente funk, sino también, soul (la primera escuela del hombre). Aunque no es tan enérgico como uno esperaría tras escuchar Payback (el tema), aquí hay un material bien fino que los interesados en la materia deberían revisar, con el increíble trabajo de vientos, guitarras, bajo y muchos otros instrumentos, junto a la gran voz de don James.

Recomendadas, Take Some...Leave Some y Mind Power.

Feliz aniversario!

Pork Soda - Vigésimo Anversario

Primus siempre ha sido un gran ejemplo de música alternativa. Con Pork Soda se les escucha en uno de sus mejores momentos, donde los tres miembros fundadores disfrutaban de la audiencia alcanzada con Frizzle Fry y el gran Sailing The Seas Of Cheese. Considero que éste es el álbum más rítmico y percutivo de la banda, así que si tienen ganas de examinar un buen ensamble de bajo y batería, este es un excelente chance.

El sábado 20 de abril Pork Soda cumplió 20 años de haber salido al mercado y nos recuerda lo amplio que era el panorama en 1993. Un saludo para Primus que sigue vivo y todos sus fans.

Feliz aniversario !

Rage Against The Machine - Vigésimo Aniversario

(Fotografía tomada en 1963 por el periodista americano Malcom Wilde Browne, de la cual salen la portada del álbum y la portada de la edición especial del vigésimo aniversario)

Por si acaso, las sorpresas en 1992 no habían terminado. Ése diez de noviembre debutó una de las propuestas más innovadoras del rock en la década.

Rage Against the Machine se formó en Los Ángeles por jóvenes estudiantes al igual que muchas otras bandas, pero ellos acogieron una receta especial que si bien encaja como rap-metal, tiene muchos elementos diferenciadores de otros exponentes de este estilo y suficiente sustancia para convertirse en leyenda rápidamente.

Su álbum homónimo con el que inician su discografía llegó por primera vez a mis manos vía uno de tantos cassettes que Rivas había grabado en su casa. El título captó mi atención de inmediato y en unas vacaciones de bachillerato cuando lo escuché por primera vez se convirtió en uno de mis favoritos, estatus que permanece hasta el día de hoy.

En ésos primeros meses de descubrimiento del álbum muchas cosas resultaron originales y novedosas. En primera medida, se trataba de un verdadero ensamble de rock y rap aunque la imagen y el sonido de la banda no correspondían con lo evidente. El encargado del rap no tenía clásico perfil de rapero y los encargados del rock no tenían el clásico perfil de rockeros.  Era raro ver a un chicano rapeando de una manera tan elocuente y ver a un bajista y a un guitarrista portando sus instrumentos tan arriba, como sugieren en la academia.

Ya adentrados en el contenido, era muy singular que hubiera una afiliación tan radical con políticas de izquierda así como el compromiso anti establecimiento americano. Es normal que el rock tenga estas inclinaciones, pero es raro que todo su material en absoluto tenga este enfoque. De todas formas, poco a poco, mientras seguía la música con las letras en la mano me convencí de que sus motivaciones eran genuinas. Hoy en día, veinte años después y habiendo superado las concepciones adolescentes de la vida, opino lo mismo.

También puedo señalar algunos detalles específicos que enriquecieron estas cualidades de banda original.  Si tenemos en cuenta que musicalmente la banda se comporta además como Disc jockey de Hip Hop, resulta desafiante que en los créditos hubiese la siguiente advertencia “no samples, keyboards or synthesizers used in the making of this record". Ahora, el rol de Tom Morello en esta doble connotación musical es brillante pues como ya es de común conocimiento, el fue pionero en la experimentación con la guitarra eléctrica y aunque sus trucos son sencillos, son inspiradores. (Aparte de su guitarra sus herramientas son 4 pedales, Cry Baby o “Wah-Wah”, el Whammy para efectos, un Digital Delay y un ecualizador.)

Y bueno, hay algo especial en la portada del disco porque además de ser una gran fotografía, ilustra en detalle el concepto de R.A.T.M.: Protesta radical anti sistema.

En términos sonoros resumo que a través de sus 53 minutos de duración uno se topa con muchos valles y picos de energía, como por ejemplo al inicio y al final del álbum respectivamente. Bombtrack inicia suave y Freedom termina en la cumbre del ruido.  Los niveles de intensidad alternan minuto a minuto, hay tanta distorsión y gritos como grooves y respiros funky. Hay explosiones constantes y muchas rimas. Más de las que uno se imaginaría que podrían emerger de temas tan específicos. La mezcla de riffs pesados como en Bullet in the Head con sonidos de Hip-Hop como en Take the Power Back es irresistible. Una verdadero trabajo musical con calidad, estilo y cojones. Una leyenda.

Feliz aniversario!