Freaky Styley - Trigésimo Aniversario

Era 1985 y los Red Hot Chilli Peppers estaban descubriendo y puliendo aquel infinito potencial que les permitió conquistar el mundo unos años después. Prueba de este nivel está magistralmente registrado en su segundo álbum Freaky Styley. Ahora, aquí no solo se estaba avanzando en la historia personal del grupo sino en la del genial estilo funk metal, originado en lo profundo del underground ochentero que sirvió de inspiración para tantas alternativas años después cuando todo se popularizó. Recordemos que entre otros, los Red Hot dieron inicio a esta magia junto a bandas como Faith No More y poco después se unieron otros brillantes exponentes como Primus, 311 o Incubus, cuyas propuestas continúan alimentándose de esta fórmula que a su vez continúa consumiéndose por audiencias de música popular alrededor del mundo.

Además de sugerir enfáticamente que los interesados en la materia deben escuchar este álbum a como de lugar, hay algunos detalles sobre los cuales se puede llamar la atención desde lo escrito para alimentar esta respetable idea que ahora tengo del Freaky Styley. El primero es que está producido por el cerebro de Parliament-Funkadelic, George Clinton, institución definitiva del funk en el siglo 20, quien en todo el sentido del concepto influenció con su genialidad y visión musical, además del post-punk y el disco, otros estadios como el que ahora nos ocupa.

Pues la mano mágica del maestro George Clinton se siente en cada segundo del álbum. El logró canalizar la entonces abundante energía de aquellos jóvenes blancos hacia la idea pura del funk. Por ejemplo, si bien los Red Hot siempre han sido una banda de cuatro integrantes, en Freaky Styley se añadieron múltiples instrumentos de viento (entre ésos el saxofón de Maceo Parker), percusión y coros que unidos al equipo completan el exquisito sabor de una orquesta, como aquellas de donde salió el funk verdadero. Qué tal Yertle the Turtle ah? Hypermegafunk. Ése es el color de este álbum.

(Flea, Clinton y Kiedis trabajando juntos en 1985)

Llamando la atención sobre la mina funk que este disco, cómo pasar inadvertidos Hollywood (Africa), que es un cover de Africa, original de las leyendas del soul-funk de New Orleans, The Meters, o If You Want Me To Stay, original de Sly Stone (frontman de Sly and the Family Stone, profesores de la misma escuela soul-funk pero en San Francisco)?. Hermosos homenajes.

Pero los Peppers siempre han tenido su propio veneno y en este disco la mayoría es sello personal. Iniciando con Jungle Man queda clarito cómo es la jugada aquí. Sobre el inquebrantable y demoledor ensamble de bajo y batería aparece la guitarra entre líder y rítmica que con sus paradas permanentes describe la idea perfecta de funk que la mayoría tenemos en la cabeza. Al respecto hay que señalar que en su medida, el adorado guitarrista judío Hilel Slovak, (idolatrado por el entonces fan adolescente John Frusciante) hizo un aporte importante pues el tipo tiene un gran feeling y además no conozco otro guitarrista que con anterioridad se haya desempeñado en este estilo musical. Por cierto, generalmente se menciona a Slovak tanto por su talento como por el cariño que le tenían dentro y fuera de la banda, y quien desafortunadamente murió de sobre dosis en 1988.

Sobre Flea y Kiedis no me pronunciaré mucho pues como Peppers fundadores y permanentes, su aporte aquí es tan valioso y tan familiar como nos resulta hoy en día, así que estamos simplemente revisando esta etapa en su evolución musical, o más bien en la consagración de su "estilito freaky". 

En todo caso, aunque blanco y ochentero, esto es un ejemplo de funk como dios manda, favorito entre los cuatro álbumes ochenteros de los Red Hot Chili Peppers y por éso recomendadísimo. Entre mis preferidas están American Ghost Dance, Freaky Styley, Blackeyed Blonde y la hardcorera Battle Ship.

Feliz aniversario!

Lamb of God - "512"

512, la otra novedad de Lamb of God que se nos había pasado compartir. Aunque no me gusta el video, este tema tiene una historia interesante pues fue inspirado por el mes en que el cantante Randy Blythe estuvo privado de la libertad en República Checa tras la muerte de un asistente en uno de sus conciertos.

512 fue el número de su celda. (Más información aquí)

The Darkness - "Last Of Our Kind"

Divirtiéndose con algunos invitados de los elementos característicos del heavy metal y el hard rock del que son exponentes, aquí están los ingleses The Darkness con el reciente video de Last Of Our Kind.

Destroy Erase Improve - Vigésimo Aniversario

En un 1995 lleno de opciones de música pesada se coló entre los círculos de metaleros el Destroy Erase Improve de Meshuggah, un álbum rarísimo con vastas virtudes que le valió a Suecia uno de los espacios que ocupan desde entonces en materia de música popular occidental. Además de extremo, este disco está construido de forma tan compleja como cualquier exponente progresivo que se hubiera escuchado hasta entonces (y hasta hoy en día), y producido impecablemente para favorecer el virtuoso ensamble que ataca tus oídos con su poder sónico y luego tu entendimiento con su compleja composición y ejecución.

La apertura con Future Breed Machine es grandiosa. Unos segundos de industrial que sumergen al oyente en el concepto del álbum abren paso a la exquisita base rítmica de Meshuggah y a la demoledora voz de Jens Kidman con la que creas un vínculo instantáneo. Minutos después caes en cuenta que pegan con el extremo pesado y rematan con el experimental o "jazzero", anunciado en este caso por un arpegio realmente inesperado. Por cierto, los compositores principales del álbum son el baterista Tomas Haake (un buen video de Haake tocando aquí...) y el guitarrista principal Fredrik Thordendal quienes sorprenden con su destreza.

Soul Burn (una de mis favoritas), se destaca por mantener un groove contagioso que no puede detenerse por más punteos extraños o cambios de ritmo que aparecen de repente y amenazan con desviarla a territorios desconocidos. En el minuto final pueden escucharse coros hardcoreros en el que se intercambian gritos en stacatto entre todos los integrantes, otro posible sello de esta banda (este detalle se escucha también al final de Vanished).

Transfixion (video), una de las más concisas del álbum es otro buen ejemplo de esta música. En tres minutos y medio (por debajo del promedio de duración) una base rápida y uniforme permanece descrestante hasta un único cambio drástico que lleva a un espacio elevado donde termina la canción. Ahora, los episodios que escapan a lo extremo son escasos. Aunque en muchas partes hay lugar para que los guitarristas experimenten con otros trucos y efectos, solo en la instrumental Acrid Placidity (un aporte del entonces recién llegado guitarrista Mårten Hagström) se puede tener poco más de tres minutos de esta magia y tranquilidad.

Otros ejemplos interesantes del Destroy son Terminal Illusions (video), o el Inside What´s Beneath Behind, temas donde también se pueden apreciar todos los detalles ganadores que hicieron de esta banda un referente obligatorio del metal actual, que así como en ése entonces relevó a tantas otras que salieron a engrosar la oferta comercial de música pesada, hoy continúan siendo tema de discusión con su propuesta agresiva y retadora con la que todavía te rascas la cabeza y preguntas "¿Qué carajos es ésto?".

Feliz aniversario!


No tengo idea de la fecha de estos shows...

Sabotage - Cuadragésimo Aniversario

Por Diego Chalela.

La primera mitad de la década de los setenta fue un camino ascendente y libre de obstáculos para Black Sabbath. Con el homónimo Black Sabbath de 1970, el grandioso Paranoid del mismo año que los catapultó a la fama, el Master of Reality de 1971 (pieza fundacional del stoner), el Vol. 4 en 1972, y el polifacético Sabbath Bloody Sabbath de 1973 en el catálogo, para ese entonces ya eran la mítica banda que sentó las bases del heavy metal como estilo de vida, posición ante el mundo occidental y una manera de sentir.

Posicionados cómodamente en el mercado con su propuesta oscura, envolvente, fiel a sus raíces blueseras pero abierta a toques experimentales, el 28 de julio de 1975, ante un público comprometido con la inquebrantable marca sónica y lírica de Osbourne, Iommi, Butler y Ward, vio la luz el Sabotage. Ahora, más allá de la música las cosas no eran del todo tranquilas para Sabbath y su sexto álbum fue una respuesta honesta y visceral a la serie de incomodidades que enfrentaban en el momento, pues además de ser un grupo de artistas talentosos en constante evolución, eran también una lucrativa empresa rodeada de parásitos.

Todo el proceso de composición y grabación se llevó a cabo en medio de litigios y problemas legales con el antiguo manager de la banda, quien los demandó una vez fuera despedido por desviar dinero a destinatarios ilegítimos. De los trámites legales, las frecuentes citaciones y visitas a los tribunales, entre otras realidades de la fama y el exceso surgió el nombre del álbum, que revela el clima de tensiones, dudas y resentimientos que entorpeció el proceso de creación como hasta entonces lo conocía Sabbath. Pero ante ése sabotaje la banda reaccionó con firmeza: Sabotage es una obra poderosa, llena de matices y sorpresas que profundizan la expansión artística sin dejar de lado su esencia. Claro que esto dejó ver las primeras rupturas en su evolución, señales de lo que serían los discos por venir, aquellos que coincidieron con la separación de la formación original y el fin de los años setenta.

Indudablemente, el arranque del álbum es una declaración de principios. Hole in the Sky es una furiosa bienvenida al oyente que anuncia 44 minutos de poder. El clásico riff estridente que se repite una y otra vez a lo largo de casi toda la canción al compás de la galopante secuencia rítmica de la batería, se complementa acertadamente con el sentido desesperado de la letra “I’m looking through a hole in the sky, I’m seeing nowhere through the eyes of a lie”. Todo funciona. Es Sabbath en su más pura esencia, rabioso y contundente. 

Después de un corte abrupto que a modo de contraste amenaza con romper la intensidad del viaje (marca registrada de la casa), viene Don’t Start (Too Late), 49 segundos instrumentales al compás de un arpegio y un sutil punteo acústico de guitarra clásica. Un primer asomo progresivo del disco que va dando color a un todo lleno de variedades. También de repente, como un cuchillazo en la oscuridad sin previo aviso, arranca la joya del álbum: la legendaria Symptom of the Univese, una semilla que años después dio un fruto llamado trash, aquel subgénero glorioso de los ochenta que encuentra sus orígenes en este himno de Sabbath basado en el sencillo pero demoledor riff que solo la genialidad y el talento de Iommi podrían haber fundado.

Symptom recoge lo que hasta el momento era la banda pero también, como el álbum mismo, marca una tendencia de lo que vendría. El ritmo asfixiante, como una turbina encendida que no da tregua, define el recorrido que lidera la guitarra a base de cambios de tiempo, un magnífico solo y la eventual llegada a un jam acústico donde amables guitarras intercalan punteos y ritmos sobre la batería y el bajo mientras la letra llega a su cierre. Se trata de un viaje que va de la impotencia y el deseo de escapar a la ilusión de una realidad amable cuya esencia bien puede estar contenida en la primera estrofa de la canción: "Take me through the centuries to supersonic years, electrifying enemy is drowning in his tears, all I have to give you is a love that never dies, the symptom of the universe is written in your eyes." Una propuesta tan metalera como rockera por su fuerte base y el aire experimental y progresivo del jam final.

En este punto el listón ya está muy alto para el cuarto corte. Sin embargo, la épica Megalomania no defrauda y mantiene el nivel a su manera durante sus casi 10 minutos de duración. Inicia lenta, oscura y de algún modo depresiva "I hide myself inside the shadows of shame, the silent symphonies were playing their game, my body echoed to the dreams of my soul, this god is something that I could not control", y poco a poco va creciendo en ése tono, haciéndose densa pero envolvente, hasta antes de completarse el cuarto minuto donde un riff al mejor estilo del heavy ochentero o incluso del hard rock más comercial de aquella década, revela la otra faceta de la misma canción. Un paso de lo oscuro a lo luminoso, dos caras de una misma moneda en un gran tema que cierra la primera mitad del álbum.

(Ozzy, Bill, Geezer y Tony en la época)

Thrill Of It All deambula entre los sonidos crudos de la guitarra y la elevada voz principal cuya presencia protagónica cede el paso a los teclados cuando la canción acelera. Todo fluye amablemente, pero el tono oscuro y siniestro característico de la banda parece diluirse un poco mientras la letra expresa una cierta disconformidad frente al afán mercantil que ya para esa época era pan de cada día “For you have been taught that if your mind has been bought life’s entire answer was sold”, reflejo del contexto y el momento que vivía la banda en medio de sus conflictos legales. 

Luego viene la instrumental Supertzar, una secuencia de tres minutos a base de un riff oscuro ambientado con las voces del London Philarmonic Choir, un recurso hasta entonces inexplorado por la banda, que da un aire terrorífico y religioso a la canción. Este paso a sonidos acústicos, pero también de sintetizadores y teclados que marcan, con la presencia constante de la guitarra metalera de Iommi, podría entenderse como otra parte de la transición, un viaje claroscuro que deja atrás las bases ortodoxas del metal que sembraron, para llegar a un sonido más amplio y rutilante, con influencias del rock progresivo de la época. Am I Going Insane (Radio), el penúltimo corte, también es prueba de esto pues suena a un nuevo (o al fin de) Black Sabbath. Ahora, repite su misma base una y otra vez sin mucha versatilidad con un teclado marcando el tono y el ritmo, y su letra no expresa mucho más que la angustia por estar enloqueciendo. De cualquier forma, es interesante como evidencia de la transformación de la banda.

Y así llega The Writ última canción del álbum y única letra escrita por el propio Ozzy. Se trata de un desahogo crudo y frontal, una voz desesperada, una diatriba contra el negocio de la música, que denuncia algo de lo que vivían por esa época. Un tema que conjuga los sonidos clásicos y pesados con pasajes acústicos, de aire melancólico, en los cuales Ozzy parece decir que ya no son los mismos; que atrás quedaron los años de euforia ingenua y ascenso cuestionable de la banda en los que cualquiera podía lucrarse a costa de ellos.

Habían madurado no solo como artistas sino también como profesionales, y querían emprender nuevos recorridos, conscientes de sus propios pasos, libres de distracciones en su deseo por expresarse haciendo música.  La canción cierra con una secuencia estridente en la que el Sabbath más clásico parece despedirse reafirmando sus bases. Las de una banda de heavy metal fresca y contundente, que aunque no pretendía dejar de serlo, emprendía nuevos rumbos. Y al final, a un volumen muy bajo, suena un track escondido de unos pocos segundos llamado Blow on a Jug, un registro de Ozzy y Bill jugando desprevenidamente en el estudio.  

Hoy hace 40 años salió Sabotage, sexto álbum de Black Sabbath y parte fundamental de su discografía y de la historia del metal.

¡Feliz aniversario! 

(Mis favoritas: Hole In the Sky, Symptom of the Universe, Megalomanía y Superztar.)

311 - Vigésimo Aniversario

Por: Mateo Bonells.

En 1999 viajé al estado de Dakota del Sur. Como buen colombiano de 17 años fumaba cigarro y era bueno pa´ tomar trago. Inevitablemente entré a formar parte de los misfits de Brookings Highschool. Aunque yo era un hombre.. well… "girls just want to have fun!!!" Y eso fue lo que hice. Tomar clase de español parecía ser el método de acción a seguir (por obvias razones). Ahí conocí a mis primeros amigos: Phil, con camisa hawaiana, ojos azules y pelo pintado, Tony, con camiseta de Rage Against The Machine, pelo pintado y ojos azules, Matt, igualito al cantante de Limp Bizkit y Jannet, vestida como la hippy del Exit Planet Dust. Después de clase me preguntaron si yo fumaba. Les mostré mi paquete de Marlboro rojos. Salí con ellos en un Honda Civic de dos puertas verde oyendo Legend de Bob Marley y "carburando" una pipa. Después de 20 minutos de mirar por la ventana callados, cambiaron el CD… And my whole american exchange year experience went DOWN!! DOWN!!

Honestamente no hubo nada profundo en particular que me atrajera a 311 inicialmente. No tenía el oído, no percibí en primera instancia la influencia punk rock, tal vez GreenDayciana o de los Offsprings, ni la influencia skaera de Sublime y tampoco la obvia influencia de los Chili Peppers (manifestada entre otras cosas claramente en sus "DI-BI-RI-DA-BA-RAS" líricos Anthony Kideisianos). Lo que si oí en la música y sentí en mis amigos fue un tipo de manifiesto subconsciente que decía we are white boys!! we are all american!! we are in highschool!!! and this LIGHT-HARDCORE blown-amp guitar riff me hace gritar… I'm a teenager and I'm cool GODDAMN!!....

O.K. Tengo 33 años y puedo darme el lujo de decir estas cosas hoy en día sobre lo que pensaba a los 17 sin sentirme ridículo. Si me hubieran pedido una opinión objetiva sobre aquel sonido en aquella edad, tal vez me hubiese enfocado en el scratchyrischratch de disco que suena en todas las canciones y en el rapeado (del que a propósito no entendia un comino)… BUT IT JUST SOUNDED SOOOO FUCKING COOL!!! YOU GUYS!! JEJE!! Nunca me imaginé que 7 meses mas tarde estaría disfrutando un sabroso mosh pittin y mi primer crowd surfing en uno de sus conciertos en la ciudad de Sioux Falls.

Ahora si hagámosle justicia al álbum.

Una cosa para la que que no se necesitaba ningún especialista era para reconocer que la marca clásica del sonido de 311 estaba destinada al éxito. Más allá de todos los géneros a los que se dice pertenece, a mi en particular me suena al género GARAGE MADE IT MAINSTREAM, lo cual fue la constante de las bandas exitosas de los 90. La sincronía melódica de las dos guitarras con el bajo creaba un sonido fuerte, sólido, lleno, pulsante. El humm-hummeo del cantante cuasi-gregoriano, dulce, reverved, dubed, high as a kite californian. El rapeo sin rima de la segunda voz con su icónico sonido cruce entre los Beasty Boys y Kriss Kross junto con el muy necesario y contemporáneo rayado de disco formaban un poderoso popurrí el cual mis jóvenes amigos americanos memorizaban y cantaban como lo hacíamos nosotros con Escalona y Diomédes. 

This was music for the masses not like Depeche Mode intended. Y finalmente el elemento más distinguido del sonido de 311, la batería!!!! Totally Trenchtowned!! El elemento más reggae de la banda, y el delivery de los golpes, glorioso highpitch snare.

El primer detallazo del álbum sin lugar a duda es la canción de apertura, el single Down (video),  la cual cuenta con todas todas las características destacables del grupo. Además de invocar aquel espíritu de fin de siglo y de todos los siglos we are 16, got a driver liscence, let´s go score some cigarettes, Brian´s got some weed, lets drive after school and GET FUCKED UP. La canción Purpose bonito beat reaggae, suena mucho como los últimos trabajos de ellos. Jackolantern´s Weather es a mi gusto solo contenido bulto para aquellas mentes adolescentes ansiosas por rap para memorizar y hay mucho de eso a lo largo del álbum. No se cual haya sido su negocio con disquera o su necesidad por crear tanto bulto. El tema All Mixed Up (video) y su riff de guitarra gritan. Chilli Peppers If You Have To Ask from Blood Sugar Sex Magic perpetuando las influencias funkadélicas de John Frusciante.

El otro hit fue el Don´t Stay Home (video)... Again, I never understood a fucking thing they were saying… the sound just worked for me, es una vibración quinceañera suave pero efectiva para cargar una hincha pequeñita o pretender una f en el baño frente al espejo.

Aún disfruto éste y otros álbumes de 311 que tengo en mi gaveta de los recuerdos, especialmente el Live y Soundsystem, los que eran más contemporáneos en el tiempo que estuve allá y claramente con más trabajo de estudio. Es bonita la nostalgia que produce ver a una de las bandas con las que creciste lanzarse de nuevo al ruedo y ver que han madurado y tu también.

Feliz aniversario!

Slayer - "Repentless"

De su nuevo álbum del mismo nombre, esto es Repentless, de la leyenda del trash, Slayer (y lo que quiera que sea su official visualizar video). Creo que lo más importante de esta novedad es evaluar cómo está el sonido actual de la banda con Paul Bostaph en la batería (reemplazando a Dave Lombardo por segunda vez en 34 años) y con Gary Holt (de Exodus) reemplazando al fallecido Jeff Hanneman.

Pues parece que siguen en forma.

Killer Be Killed - "Curb Crusher"

Greg Puciato (de The Dillinger Escape Plan), Max Cavalera (de Soulfly), Troy Sanders (de Mastodon) y Dave Elitch (ex-The Mars Volta) formaron el super-grupo Killer Be Killed y lanzaron su álbum homónimo en 2014. Este es el reciente video para el tema Curb Crusher.

Demanufacture - Vigésimo Aniversario

Después de haber sentado las bases de un nuevo metal con el poderoso debut Soul Of A New Machine (1992), donde mezclaron elementos trash, death, grindcore, varios coros cantados sin voz gutural que exponían un lado melódico, y curiosidades como samples de diálogos de películas o el tema Natividad que dieron lugar al inesperado y genial disco de remixes Fear Is The Mind Killer (1993), construido por los experimentados exponentes del industrial canadiense Front Line Assembly (que en la época también estaban contratados por la gigante de la música pesada Roadrunner Records), los californianos Fear Factory apostaron de nuevo a los frutos cosechados hasta entonces, inspirados por una época cargada de metal e industrial.

Para continuar profundizando este oscuro sendero que habían descubierto poco antes les fue asignado nuevamente el productor inglés Colin Richardson, (consentido de Earache Records y responsable entre otros, por muchos discos de Carcass y el Burn My Eyes de Machine Head) y junto a el construyeron uno de los "pesos pesados" de la década, el Demanufacture, con el que ratificaron ser influencia importante en el género, alcanzaron numerosas ventas, ganaron el respeto de muchos colegas y con el que se consagraron con todas las de la ley en el glorioso panorama noventero.

Pues este álbum perfecciona la fórmula de manera impecable. Además de la irresistible mezcla de diferentes estilos del metal, los instrumentos se convirtieron en personajes principales de la narración. En primer lugar siempre estará el inigualable Raymond Herrera en la batería, quien ha sido tema de discusión desde entonces por su destreza en con los bombos. Aunque recién estrenado el Demanufacture corrió el rumor de que lo que estaba detrás de los ritmos era una máquina y no un humano, solo pudo probarse que el tipo usaba triggers (sensores ubicados en los parches para emitir los beats con la misma intensidad independientemente de la fuerza con las que se golpeen).

(Fear Factory en la época, Bell, Herrera, Cazares y el belga Christian Olde Wolbers)

La rápida guitarra de Dino Cazares también tiene su aporte clave al sonido del álbum y la banda, que junto a los golpes de Herrera forman la base sonora de Fear Factory, la cual se completa con la particular voz de Burton C. Bell que funciona muy bien limpia y gutural. Todo esto se ponía a prueba en vivo, donde podía apreciarse como esta fórmula se soportaba de manera definitiva en estos tres elementos, que sin llegar a sonar tan pulidos como en las grabaciones, siempre fueron reales y en todo caso, los trucos que usaban estaban justificados bajo el concepto industrial.

Demanufacture tiene detalles muy elegantes, por ejemplo apoyarse sabiamente en el lado amigable, es decir, aprovechando sus coros melódicos y los grooves rockeros para que sean un ancla de dinámica a lo largo del álbum, en vez de ser un bloque metálico difícil de digerir. Esto puede escucharse al menos en pequeñas dosis en todos los temas, hasta en temas completos como en los hit singles Replica (video) y el cover Dog Day Sunrise (original de Head Of David). Por otra parte, están las secuencias y adornos electrónicos de muy buen gusto, y hasta piano, los que pueden escucharse en el temazo Zero Signal, uno de los más sólidos del álbum.

En fin, se trata de una obra única que fluye a la perfección de principio a fin y que crece más fuerte con el tiempo. Recomendada la introducción con Demanufacture y Self Bias Resistor, la agresiva New Breed y la rockera H-K (Hunter-Killer). El cierre con A Therapy For Pain es épico y funciona muy bien. Por cierto, del Demanufacture se derivó el Remanufacture, todo un álbum de remezclas de los temas originales recomendado en principio para entusiastas del industrial y fans de ese oficio.

Feliz aniversario!

La pinta es el ejemplo perfecto del metal alternativo noventero.

Mastodon - "Asleep In The Deep"

Para continuar promocionando su último álbum Once More ´Round the Sun (2014), los metaleros alternativos Mastodon estrenan este interesante video para el sexto track, Asleep In The Deep.

Further Down The Spiral - Vigésimo Aniversario

Uno de los elementos claves del rock industrial son los remixes. Así, muchos álbumes del género fueron precedidos o sucedidos por sencillos o recopilaciones de nuevas formas creadas con el material de temas principales, generalmente a cargo del equipo de compositores y productores, y también por otros músicos invitados. En la mayoría de los casos estos trabajos no tuvieron mayor relevancia comercial, y apenas mostraban algunas versiones o momentos únicos que lograron tener algún impacto. No obstante, aunque contados con los dedos de la mano, algunos de estos álbumes de remixes lograron un gran nivel y el Further Down the Spiral de Nine Inch Nails es el ejemplo más claro de ello.

Este álbum es una nueva aproximación al grandioso The Downward Spiral que llevaba un año dejando a miles con la boca abierta. Y por "nueva aproximación" me refiero a que con los mismos trucos y sonidos Reznor (y amigos) lograron otro planeta, que si bien nunca será independiente, tiene suficiente autonomía y magia para vivir por su cuenta. Moviéndose entre los mismos picos estridentes y los valles atmosféricos de las grabaciones madre, y empleando sus acordes, efectos y beats más primordiales, (principalmente, a través de Mr. Self Destruct y Eraser), el Further - como su nombre lo indica - te lleva por un desvío a la esencia del Downward, despertando la única e irrepetible serie de emociones que ése álbum hizo emerger de ti.

Pero aparte de ésa columna vertebral y de la consagrada versión en vivo del exitazo Hurt, el Further está lleno de sorpresas. Por mencionar algunas, la apertura con Piggy (Nothing Can Stop Me Now) a cargo de Rick Rubin como remezclador, en compañía de Dave Navarro que añade un riff demoledor en guitarra. (Seguro estos dos se encontraban juntos con ocasión de la producción del One Hot Minute de los Red Hot Chili Peppers)

Por otro lado tenemos un tema original del maestro Aphex Twin, bautizado At The Heart Of It All, que coincide sónicamente con su recién estrenado ...I Care Because You Do, pero comparte también el espíritu del Downward Spiral. Además, Aphex participa en la exploración The Beauty Of Being Numb junto a otros integrantes de NIN que solo se incluyó en la versión americana del Further (Halo 10). Menciono esto pues la versión inglesa (japonesa y australiana) del álbum (Halo 10 V2) incluye entre otras cosas exclusivas, las versiones que Charlie Clouser (ex-NIN) hiciera de Heresy y Ruiner.

Otros que aportaron y quienes habían colaborado para los remixes en el Ep Fixed, fueron el australiano J.G. Thirlwell, un jugador importante del industrial quien tiene una amplia discografía bajo el nombre Foetus (con Self Destruction, Part. 2 y la épica Self Destruction, Final); y también Coil, un proyecto británico clave en el género, integrado entre otros por el inglés Peter Christopherson (ex-Hipgnosis y director del video de March Of The Pigs) quienes son responsables por la original The Downward Spiral (The Bottom), Eraser (Polite) y "Erased, Over, Out" para el Halo 10, y Eraser (Denial; Realization) para el (Halo 10 V2).

En conclusión, el Further Down The Spiral es magnífico en su integridad y será referencia obligatoria en materia de remezclas.

Feliz aniversario !

Versión americana (Halo 10).

Tales From the Punchbowl - Vigésimo Aniversario

Por: Miguel de los Ríos.

Hace 20 años, el 23 de mayo de 1995, Primus presentó su cuarto disco, y para muchos el más maduro de toda su carrera, Tales from the Punch Bowl. Después de la expectativa creada con sus trabajos anteriores, sobre todo Frizzle Fry y Pork Soda, y haberse presentado en Lollapalooza en el 93 y en Woodstock en el 94, el público no tenía muy claro qué esperar de esta agrupación californiana que había irrumpido en la escena del rock progresivo con un sonido poco ortodoxo caracterizado por el virtuosismo de Les Claypool en el bajo y de Tim Alexander en la batería, en yuxtaposición con las guitarras armónicas y complejas de Larry LaLonde. Esta propuesta, bastante innovadora y experimental, poco común en una tradición de rock californiano, donde las guitarras graves y pesadas solían dominar simples compases de 4/4s, rápidamente se armó un espacio único para ellos. En 1995 Primus ya se había consolidado con una pequeña vanguardia en una región donde las bandas de rock buscaban sub-géneros a los cuales pertenecer.

Desde el principio del disco (con Professor Nutbutter´s House of Treats) se definen perfectamente los roles de cada instrumento. El bajo abrumador e imponente marca el compás y la melodía principal; la batería, polirrítmica y casi experimental le sigue, mientras que los solos de guitarra de LaLonde, heterodoxos, disonantes, y casi que relegados a un segundo plano, sirven como acompañamiento armónico para juntar y completar el trabajo pesado creado por el bajo y la batería. Sus dos sencillos representan de manera opuesta, la máxima expresión de Primus como propuesta musical.

(Tim, Larry y Les en la época)

El primer sencillo del album, Wynona’s Big Brown Beaver (video) encarna perfectamente el sonido excéntrico de Primus, con claras influencias de estilos como el funk, el bluegrass, y el rock del sur de Estados Unidos. Los dos solos de guitarra presentes en la canción revelan claramente la versatilidad musical de esta banda. El primero es un claro ejemplo de la influencia del noise rock de los 80’s y comienzos de los 90’s, mientras que el segundo es muchos más melódico y folclórico, utilizando técnicas típicas de instrumentos como el banjo y la steel guitar, casi como un homenaje a Grateful Dead y los solos de Jerry Garcia.

‘What an ingenious device...’ Así empieza el segundo sencillo, que es el otro lado de la moneda y que resume de maravilla la esencia de Primus: Southbound Pachyderm (video), el cual rápidamente se convirtió en clásico de culto, mostrándonos un lado más sobrio, menos irreverente musicalmente, sin llegar a alejarse de ese sonido que cautivó los escenarios. Esta canción, mi favorita del álbum y entre la discografía, tiene el ingrediente progresivo. Un tema que en concierto puede llegar a superar los 10 minutos, donde Primus demuestra que más allá de las las letras cómicas y la sátira, son una de las agrupaciones más talentosas del rock en una escena llena de simplistas.

La creatividad, ingenio, y talento de Primus es algo que a veces siento que hace mucha falta hace en la actualidad. El virtuosismo por encima de las melodías pegajosas; la innovación musical como motor creativo; el humor como personaje sin convertirse en una broma; el desafío de los estándares y las modas pasajeras… Aún así, a muchos no les gustará su propuesta....

Feliz aniversario!

Coal Chamber - "I.O.U. Nothing"

Regresa después de varios años uno de los exponentes más claros del decadente nu-metal de finales de los años 90, Coal Chamber. Este es el video del tema I.O.U. Nothing de su próximo álbum Rivals que se estrenará el 19 de mayo.

Pallbearer - "Watcher in the Dark"

Esta es la banda de doom metal americana Pallbearer. Watcher In the Dark es el tercer track de su segundo álbum Foundations Of Burden.

[WITH_TEETH] - Décimo Aniversario

Cumpliendo con la hasta entonces media década reglamentaria entre álbumes de Nine Inch Nails, una vez culminada la era The Fragile y un receso que incluyó rehabilitación de adicciones, regresó Trent Reznor ya en pleno nuevo milenio con su décimo noveno Halo y cuarto Lp [WITH_TEETH], para continuar construyendo su genial legado artístico. Ahora, fiel al estándar de impecabilidad y detalle de todas las unidades en la obra NIN, [WITH_TEETH] es un disco con una identidad preciosa que se compone tanto de un sonido de banda del siglo 20, como de vanguardia electrónica.

Uno de los elementos claves del [WITH_TEETH] son sus inteligentes riffs de percusión y batería, con los que se crean ciclos rítmicos ligeramente complejos alrededor de los cuales se funda gran parte del trabajo. En este sentido, este es el mejor disco de NIN. Esto es perceptible desde el inicio con All the Love in The World, que hace una excelente introducción a esta dinámica. Otras que tienen ritmos geniales, aparentemente básicos, son mis favoritas Love Is Not Enough y The Collector. Por su parte, la que le da nombre al álbum, With Teeth tiene su encanto rítmico, aunque con un enfoque eminentemente industrial. En fin, cuando los ritmos no son sobrados, simplemente son irresistibles, como sucede con la sensacional Only. (Video dirigido por David Fincher).

Aunque las copias del disco salieron con créditos mínimos, poco después se supo de la participación de Dave Grohl en varios temas, lo cual no solo explica los detalles rítmicos, sino el sonido orgánico de la batería. Creo que esto fue un gran acierto. (Créditos del álbum, aquí.)

Habiendo despachado este detalle que me llama la atención, menciono rápidamente que en su casi hora de duración, [WITH_TEETH] tiene también un poco del metal industrial crudo "a lo Broken" con la poderosa You Know What You Are y en Getting Smaller. Por otro lado, antes del cierre muestra un bloque industrial-electrónico de nueve minutos con The Line Begins To Blur y la hermosa Beside You In Time, que me conmovió infinitamente presenciarla en vivo (aquí en Bogotá) el año pasado.

Ahora, nada de esto sucede sin el importante rol del piano que aparece tanto en los fondos como en los primeros planos, ayudando a mantener el balance sónico del álbum. Por supuesto, tampoco faltan las exquisitas guitarras eléctricas fortaleciendo el sonido general ni la fuerza melódica de las líricas de Reznor, que tema tras tema te ponen a cantar de verdad. Por ejemplo, en el inmortal hit single The Hand That Feeds (Video dirigido por Rob Sheridan).

Así pues, solo me faltó mencionar mi otra favorita Sunspots y la conclusión con la emotiva Right Where It Belongs.

Feliz aniversario (mi disco favorito de NIN) !



Aquí, otro puntazo del [WITH_TEETH]: Los ensayos en vivo incluidos en el video de la gira Beside You In Time, con uno de mis ídolos de la vida, el señor Jeordie "Twiggy Ramírez" White en el bajo.


Ah, y Every Day Is Exactly The Same...

BEHEMOTH - "Messe Noir"

Los polacos Behemoth atacan de nuevo tus ojos y oídos con Messe Noir, otra interesante pieza audiovisual dirigida por Zev Deans y dedicada a la vida y memoria de HR. Giger. Aunque prefiero el toque orgánico del video para Blow Your Trumpets Gabriel que vimos el año pasado, en esta oportunidad se destaca nuevamente el trabajo visual.

Heavy As A Really Heavy Thing - Vigésimo Aniversario

Después del terreno abonado por artistas como Ministry con su Psalm 69 (1992) y Nine Inch Nails con su The Downward Spiral, en 1995 el metal industrial entró en boga. En ése año se estrenaron el NIHIL de KMFDM, el Astro Creep: 2000 de White Zombie, el Demanufacture de Fear Factory, así como el Further Down the Spiral y el Smells Like Children de Marilyn Manson, que son dos de los álbumes de remixes más populares de todos los tiempos. (Por cierto, los remixes son una jugada clásica del industrial.)

Pues a todos los anteriores vale la pena sumar el Heavy As a Really Heavy Thing de Strapping Young Lad, otra propuesta dentro del metal industrial que profundiza el fenómeno de la alternativización, y finalmente, presenta a un discreto pero importante jugador del underground noventero: Devin Townsend, un multi-instrumentalista y productor canadiense quien ha estado tras algunas cosas interesantes desde entonces. 

Strapping Young Lad inició como un proyecto unipersonal del joven Devin Townsend quien hasta el momento solo había trabajado para otros músicos, entre ésos Steve Vai. En una búsqueda de nuevos talentos, Townsend fue contactado por la disquera de música pesada Century Media Records y le ofreció un contrato de cinco álbumes extremos, siendo Heavy... el primero.  Creo que nadie se esperaba algo así, pero Townsend se encaminó por el metal extremo con fuertes toques de industrial y, el humor. Con ésa combinación es claro que se trataba de una clara alternativa pues con excepción de Brujería el metal extremo es muy serio, y el hecho de ser canadiense le dio un toque especial a Strapping Young Lad.

Entonces, si quieren explorar una muestra particular de música pesada noventera, concebida por un talentoso y extraño canadiense, les recomiendo tener el Heavy As A Really Heavy Thing en cuenta. Posteriormente les contaré sobre el City, el segundo álbum de Strapping en el que ya se involucra una banda y no solo al líder.

Feliz aniversario!

INTER ARMA - "Destroyer"

Inter Arma es un joven banda de Richmond, Virginia. Como escucharán, tienen un estilo experimental (blackened sludge, southern post-metal encontré por ahí...). Este tema Destroyer, de su Ep The Cavern (2014) me recuerda mucho a los clásicos Neurosis y a los recientes Locrian.

Astro-Creep: 2000 - Vigésimo Aniversario

Era el año 1995 y yo estaba en mi primer año de bachillerato. Era un alumno más o menos aplicado, había completado mi primaria con relativa facilidad y ahora me enfrentaba a una nueva etapa de mi vida donde pasaba a estudiar con “los grandes” del colegio. Nirvana, The Smashing Pumpkins y The Offspring ya habían echo de mi un precoz niño rockero, pero ahora estaba “en bachillerato”, ahora mi actitud ante la vida podía (e iba a) empezar a reflejar mi gusto musical. 

Claramente, esta etapa de cambio por la cual estábamos atravesando no era tan emocionante para el colegio cómo lo estaba siendo para nosotros. Y mientras estuviera dentro de su poder, se iban a asegurar de que nadie se saliera de la línea. 

Un buen día entonces llegó a mi casa una carta del colegio dirigida a mis papás, donde se informaba que el consejo disciplinario había decidido convocar a una reunión “extraordinaria” para hablarles a nuestros padres acerca de “eventos recientes” que podrían afectar la seguridad de sus hijos (es decir nosotros). Mis papás, claramente preocupados, asistieron a a la reunión mientras en mi cabeza se armaban los peores escenarios posibles, pues era la primera vez que algo así ocurría.

Mis papás llegaron a la casa sin mencionar palabra alguna mientras la curiosidad me carcomía. ¿Me iban a echar del colegio? ¿Había habido algún tipo de amenaza? ¿Había pasado algo grave con alguno de mis compañeros? No mencionaron nada hasta la hora de comer, cuando mi papá finalmente tomó valor y decidió preguntarme (no porque hubiera que tenerme miedo, pero después de todo estaba empezando mi adolescencia):

-¿Tú conoces a unos tipos que se llaman White Zombie?

Yo levanté la cabeza del plato y miré a mi papá algo confundido:

-¿Y a un loco que le dicen Marilyn Manson? ¿Has oído su música?

Mi mirada pasó de estar confundida a estar completamente perpleja ¿Realmente estaba ocurriendo esto? ¿Iba a tener una conversación de música con mi papá? Yo claramente había oído tanto de White Zombie como de Marilyn Manson, pero como mencioné anteriormente, mi gusto musical de esa época estaba enfocada en el grunge y el punk. La verdad no me había interesado en el metal hasta ese momento y ahora me pregunto si algún día lo hubiera hecho si no hubiera tenido esa conversación. Iba a responderle a mi papá que aunque claramente sabía quienes eran, lo mío era más el punk; que de Marilyn Manson había oído un par de canciones chéveres, pero que White Zombie definitivamente no era lo mío. Sin embargo, justo antes de responder entendí realmente el contexto de la pregunta: mi papá no estaba preguntando porque quisiera saber mis gustos musicales, estaba preguntando porque de eso se había tratado la reunión en mi colegio.

Me detuve y respondí lo más inteligente que se me ocurrió para así lograr que mi papá me dijera que era lo que había ocurrido: “No, ni idea”.

Fue entonces cuando mi papá empezó a contarme un montón de increíbles leyendas urbanas y mitos acerca de estas dos agrupaciones, cada una más loca que la otra. Que Marilyn Manson tenía un ojo de vaca, que White Zombie incitaba a la brujería, que ambos eran el principio de fin, y que el colegio había dicho que si los oía, quería decir que iba por mal camino. Esa noche negué tener algún conocimiento de todo lo que mis papás me decían, pero sólo estaba llenando de material para discutir con mis amigos al otro día en el recreo.

Me enteré que todas las historias habían sido más o menos similares, que ninguno en el curso realmente era fan de White Zombie o Marilyn Manson, pero que ahora todos queríamos aprender qué era lo que tenían esas dos bandas para llevar al colegio a convocar semejante reunión y generar ese tipo de preocupación en nuestra familias.

Ese viernes tenía en mis manos el Astro-Creep: 2000 – Songs of Love, Destruction and Other Synthetic Delusions of the Electric Head. El cuarto y último álbum de White Zombie, su trabajo más popular y el que me convertiría en fan de por vida en fan de esta banda y de todo lo que haría Rob Zombie de allí en adelante. Los poderosos riffs de guitarras de Electric Head pt1 y 2, los samples electrónicos y de películas de horror en Real Solution #9, y More Human Than Human fueron mis primeros pasos en el territorio del metal y del industrial. Además la velocidad de la batería en I, Zombie y El Phantasmo and The Chicken-Run Blast-O-Rama me recordaban mucho al punk, lo cual hizo que mi aceptación fuera mucho más fácil.

Sé que esta puede no ser la reseña más especializada que van a encontrar, pero no se me ocurrió una mejor aproximación que contarles que a mis 11 años, este álbum me convirtió en metalero.

Y el colegio nunca volvió a convocar reuniones extraordinarias…

Disfruten.

}:)

NIHIL - Vigésimo Aniversario

KMFDM es uno de los proyectos de industrial que mejores logros alcanzó en los años noventa. Después de una década de trabajo y de siete discos lanzados independientemente, es con su octavo álbum NIHIL que finalmente terminan de darle forma a su propuesta, pasando de ser un show alternativo que mezclaba dance con riffs y punteos metaleros, a una respetada banda del underground por su original propuesta y estilo comprometido con la causa.

Aunque radicados por años en Chicago con el apoyo del sello disquero independiente Wax Trax!, KMFDM son alemanes, al menos la mayoría de los músicos que allí participaron y en especial el líder, fundador y único integrante original actual Sasha Konietzko, lo tiene un efecto determinante en su sonido, que muestra una tendencia de club electrónico europeo, por lo cual se diferencian fácilmente de colegas como Ministry, White Zombie, Nine Inch Nails, entre otros.

Si bien ya se habían abierto paso y llamado la atención con algunos temas como Godlike (con el sample del riff principal de Angel Of Death de Slayer) y A Drug Against War, considero que el NIHIL es su primer gran álbum en donde se les escucha en un nivel alto, de principio a fin, con detalles exclusivos de producción y una amplia vocación comercial. Además, está lleno de sorpresas, como voces femeninas, trompetas, la monstruosa guitarra eléctrica de Günter Schulz, y por primera vez en sus discos, batería en vivo a cargo del maestro William "Bill" Rieflin (baterista de Ministry entre 1986 y 1996), lo que lo hace muy real, superior a los usuales beats electrónicos con los que usualmente se defiende KMFDM.

Así las cosas, el disco es una maravilla del género pero individualmente se pueden encontrar también maravillas particulares como las demoledoras Ultra, Flesh (tal vez mi favorita), Brute, las contagiosas Beast y Revolution (sensacional), Search and Destroy, Trust, el discurso de Terror y finalmente, su tema más famoso y favorito de las masas Juke Joint Jezebel. Gran álbum.

Feliz aniversario!

Prefiero mil veces los álbumes sobre los shows en vivo de KMFDM, pero de todas formas esto da una idea clara de como era la dinámica detrás de los discos.