Demanufacture - Vigésimo Aniversario

Después de haber sentado las bases de un nuevo metal con el poderoso debut Soul Of A New Machine (1992), donde mezclaron elementos trash, death, grindcore, varios coros cantados sin voz gutural que exponían un lado melódico, y curiosidades como samples de diálogos de películas o el tema Natividad que dieron lugar al inesperado y genial disco de remixes Fear Is The Mind Killer (1993), construido por los experimentados exponentes del industrial canadiense Front Line Assembly (que en la época también estaban contratados por la gigante de la música pesada Roadrunner Records), los californianos Fear Factory apostaron de nuevo a los frutos cosechados hasta entonces, inspirados por una época cargada de metal e industrial.

Para continuar profundizando este oscuro sendero que habían descubierto poco antes les fue asignado nuevamente el productor inglés Colin Richardson, (consentido de Earache Records y responsable entre otros, por muchos discos de Carcass y el Burn My Eyes de Machine Head) y junto a el construyeron uno de los "pesos pesados" de la década, el Demanufacture, con el que ratificaron ser influencia importante en el género, alcanzaron numerosas ventas, ganaron el respeto de muchos colegas y con el que se consagraron con todas las de la ley en el glorioso panorama noventero.

Pues este álbum perfecciona la fórmula de manera impecable. Además de la irresistible mezcla de diferentes estilos del metal, los instrumentos se convirtieron en personajes principales de la narración. En primer lugar siempre estará el inigualable Raymond Herrera en la batería, quien ha sido tema de discusión desde entonces por su destreza en con los bombos. Aunque recién estrenado el Demanufacture corrió el rumor de que lo que estaba detrás de los ritmos era una máquina y no un humano, solo pudo probarse que el tipo usaba triggers (sensores ubicados en los parches para emitir los beats con la misma intensidad independientemente de la fuerza con las que se golpeen).

(Fear Factory en la época, Bell, Herrera, Cazares y el belga Christian Olde Wolbers)

La rápida guitarra de Dino Cazares también tiene su aporte clave al sonido del álbum y la banda, que junto a los golpes de Herrera forman la base sonora de Fear Factory, la cual se completa con la particular voz de Burton C. Bell que funciona muy bien limpia y gutural. Todo esto se ponía a prueba en vivo, donde podía apreciarse como esta fórmula se soportaba de manera definitiva en estos tres elementos, que sin llegar a sonar tan pulidos como en las grabaciones, siempre fueron reales y en todo caso, los trucos que usaban estaban justificados bajo el concepto industrial.

Demanufacture tiene detalles muy elegantes, por ejemplo apoyarse sabiamente en el lado amigable, es decir, aprovechando sus coros melódicos y los grooves rockeros para que sean un ancla de dinámica a lo largo del álbum, en vez de ser un bloque metálico difícil de digerir. Esto puede escucharse al menos en pequeñas dosis en todos los temas, hasta en temas completos como en los hit singles Replica (video) y el cover Dog Day Sunrise (original de Head Of David). Por otra parte, están las secuencias y adornos electrónicos de muy buen gusto, y hasta piano, los que pueden escucharse en el temazo Zero Signal, uno de los más sólidos del álbum.

En fin, se trata de una obra única que fluye a la perfección de principio a fin y que crece más fuerte con el tiempo. Recomendada la introducción con Demanufacture y Self Bias Resistor, la agresiva New Breed y la rockera H-K (Hunter-Killer). El cierre con A Therapy For Pain es épico y funciona muy bien. Por cierto, del Demanufacture se derivó el Remanufacture, todo un álbum de remezclas de los temas originales recomendado en principio para entusiastas del industrial y fans de ese oficio.

Feliz aniversario!

La pinta es el ejemplo perfecto del metal alternativo noventero.

Only Heaven - Vigésimo Aniversario

Algo interesante del industrial en los años noventa es que mientras la mayoría de artistas estaban encantados mezclándolo con poderosos riffs y punteos de guitarra eléctrica (metal industrial), en muchos lugares de Europa estaban creándolo a partir de otras tradiciones musicales (además del ampliamente reconocido new wave), como es el caso del krautrock, el jazz, y los siempre respetados elementos de la música erudita o clásica. 

Alrededor de 1985 se forma en Suiza el trío The Young Gods, quienes añadieron a la baraja del industrial unas cartas peculiares y elegantes como ecléctico debut homónimo (donde solo sonaba familiar Envoye), el hermoso L´eau Rouge donde continúa fuerte la influencia francesa (ojo y oído a La Rue des Tempétes), el acercamiento al blues del T.V. Sky (ojo y oído a Gasoline Man), y en 1995, inesperadamente, siguen evolucionando con su as, el único e irrepetible Only Heaven. 

En el Only Heaven resaltan exquisitos sonidos electrónicos desde el primer segundo. No obstante, todo está construido a partir de samples de pistas tanto electrónicas como acústicas, tal es el caso de la batería, que es uno de los personajes principales de este álbum y banda. En los videos se puede apreciar que en los Gods siempre hay batería en vivo, pero en sus grabaciones se reconoce es el sonido de esos golpes reales convertidos en beats en la medida que son repetidos en patrones e intensidades exactos con herramientas electrónicas. Allí, entra el otro jugador clave de los Gods y el Only Heaven, el sintetizador, que en esta oportunidad se destaca por su incesante gama de ambientes, atmósferas y ruidos. Una verdadera belleza. Sobre esta base rítmica híbrida se sobrepone la característica voz grave de Franz Treichler con su encanto especial, su toque hipnótico y delicado muy efectivo.

Con ésa fórmula y en un evidente momento de inspiración los Gods logran un viaje de poco más de una hora a una profunda dimensión donde provoca desdoblarse. Ahora, esto lo lograron sin sacrificar su groove post punk ni el poderoso bloque sonoro que los hace industrial. La guitarra eléctrica tiene un rol moderado pero fino, particularmente en Strangel y Kissing the Sun (video), dos de sus temas más fuertes. Sin embargo, ésa fuerza solo añade dinámica al viaje completo donde reside el verdadero poder del álbum. El épico Moon Revolutions resume en 17 minutos todo este punto, ubicándose al nivel de monstruos europeos como CAN y Pink Floyd. Otras maravillas son Speed Of Night, Donnez Les Esprits, Lointaine y la acústica Child In The Tree. Claro, como álbum de industrial que se se respete, incluye un remix, en este caso, uno del tema Kissing The Sun bastante atmosférico al final del disco.

En todo caso, una joya invaluable de los noventa.

Feliz aniversario!

Post - Vigésimo Aniversario

Otra que la saca del estadio en 1995 es la islandesa favorita de las masas, Björk. Si bien había hecho su extraordinario Debut un par de años antes, en su segundo álbum logra un nivel inesperado en términos artísticos. Ya con absoluta confianza en el poder de su voz y aliada de nuevo con el experimentado Dj inglés Nellee Hooper (ex-Wild Bunch), regresan para crear la obra maestra de su ya amplia discografía.

Aunque en principio se funda en el mismo principio del antecesor, Post tiene tantos detalles en música y producción que por meses hizo que olvidáramos todo que había hecho antes. Claro que tiene el entonces en boga estilo trip-hopero, pero esta vez llevaron la electrónica a diferentes estadios, que van desde el industrial hasta el ambient, lo cual lo hace exquisitamente variado si además le sumamos los otros episodios acústicos y folk propios de Björk.

Ahora, la avanzada audiovisual continuó con fuerza. Venciendo inclusive al prolífico en clips The Bends ése año, Post está escoltado de seis excelentes videoclips que a través de tus ojos y oídos te revelan la vasta riqueza de este álbum. Todo empieza con la poderosa Army Of Me (video por Michel Gondry); sigue con la gloriosa y adorada por la crítica Hyper-Ballad (video por Gondry), la ecléctica It´s Oh So Quiet (video por Spike Jonze), la preciosa Isobel (video por Gondry), la trip-hopera Possibly Maybe (video por Stephane Sednaoui), y finalmente, la excelente I Miss You (video por John Kricfalusi).

Creo que estas seis piezas audiovisuales ya hacen un aporte digno de reconocimiento. No obstante, no puede quedarse sin mención Enjoy, una de mis favoritas que fue producida entre ella y Tricky, otro gran jugador de la época.

Muy fácil de digerir, Post entra con mucha facilidad logrando conectar contigo inmediatamente a través de todos sus temas, los cuales muestran talento tanto en música y producción, como en composición de temas con vocación masiva. Creo que no volveremos a encontrar una pieza tan singular y hermosa como esta en décadas. Por siempre, uno de mis favoritos de todos los tiempos y de los noventa, mis respetos al Post de Björk.

Feliz aniversario!

Further Down The Spiral - Vigésimo Aniversario

Uno de los elementos claves del rock industrial son los remixes. Así, muchos álbumes del género fueron precedidos o sucedidos por sencillos o recopilaciones de nuevas formas creadas con el material de temas principales, generalmente a cargo del equipo de compositores y productores, y también por otros músicos invitados. En la mayoría de los casos estos trabajos no tuvieron mayor relevancia comercial, y apenas mostraban algunas versiones o momentos únicos que lograron tener algún impacto. No obstante, aunque contados con los dedos de la mano, algunos de estos álbumes de remixes lograron un gran nivel y el Further Down the Spiral de Nine Inch Nails es el ejemplo más claro de ello.

Este álbum es una nueva aproximación al grandioso The Downward Spiral que llevaba un año dejando a miles con la boca abierta. Y por "nueva aproximación" me refiero a que con los mismos trucos y sonidos Reznor (y amigos) lograron otro planeta, que si bien nunca será independiente, tiene suficiente autonomía y magia para vivir por su cuenta. Moviéndose entre los mismos picos estridentes y los valles atmosféricos de las grabaciones madre, y empleando sus acordes, efectos y beats más primordiales, (principalmente, a través de Mr. Self Destruct y Eraser), el Further - como su nombre lo indica - te lleva por un desvío a la esencia del Downward, despertando la única e irrepetible serie de emociones que ése álbum hizo emerger de ti.

Pero aparte de ésa columna vertebral y de la consagrada versión en vivo del exitazo Hurt, el Further está lleno de sorpresas. Por mencionar algunas, la apertura con Piggy (Nothing Can Stop Me Now) a cargo de Rick Rubin como remezclador, en compañía de Dave Navarro que añade un riff demoledor en guitarra. (Seguro estos dos se encontraban juntos con ocasión de la producción del One Hot Minute de los Red Hot Chili Peppers)

Por otro lado tenemos un tema original del maestro Aphex Twin, bautizado At The Heart Of It All, que coincide sónicamente con su recién estrenado ...I Care Because You Do, pero comparte también el espíritu del Downward Spiral. Además, Aphex participa en la exploración The Beauty Of Being Numb junto a otros integrantes de NIN que solo se incluyó en la versión americana del Further (Halo 10). Menciono esto pues la versión inglesa (japonesa y australiana) del álbum (Halo 10 V2) incluye entre otras cosas exclusivas, las versiones que Charlie Clouser (ex-NIN) hiciera de Heresy y Ruiner.

Otros que aportaron y quienes habían colaborado para los remixes en el Ep Fixed, fueron el australiano J.G. Thirlwell, un jugador importante del industrial quien tiene una amplia discografía bajo el nombre Foetus (con Self Destruction, Part. 2 y la épica Self Destruction, Final); y también Coil, un proyecto británico clave en el género, integrado entre otros por el inglés Peter Christopherson (ex-Hipgnosis y director del video de March Of The Pigs) quienes son responsables por la original The Downward Spiral (The Bottom), Eraser (Polite) y "Erased, Over, Out" para el Halo 10, y Eraser (Denial; Realization) para el (Halo 10 V2).

En conclusión, el Further Down The Spiral es magnífico en su integridad y será referencia obligatoria en materia de remezclas.

Feliz aniversario !

Versión americana (Halo 10).

[WITH_TEETH] - Décimo Aniversario

Cumpliendo con la hasta entonces media década reglamentaria entre álbumes de Nine Inch Nails, una vez culminada la era The Fragile y un receso que incluyó rehabilitación de adicciones, regresó Trent Reznor ya en pleno nuevo milenio con su décimo noveno Halo y cuarto Lp [WITH_TEETH], para continuar construyendo su genial legado artístico. Ahora, fiel al estándar de impecabilidad y detalle de todas las unidades en la obra NIN, [WITH_TEETH] es un disco con una identidad preciosa que se compone tanto de un sonido de banda del siglo 20, como de vanguardia electrónica.

Uno de los elementos claves del [WITH_TEETH] son sus inteligentes riffs de percusión y batería, con los que se crean ciclos rítmicos ligeramente complejos alrededor de los cuales se funda gran parte del trabajo. En este sentido, este es el mejor disco de NIN. Esto es perceptible desde el inicio con All the Love in The World, que hace una excelente introducción a esta dinámica. Otras que tienen ritmos geniales, aparentemente básicos, son mis favoritas Love Is Not Enough y The Collector. Por su parte, la que le da nombre al álbum, With Teeth tiene su encanto rítmico, aunque con un enfoque eminentemente industrial. En fin, cuando los ritmos no son sobrados, simplemente son irresistibles, como sucede con la sensacional Only. (Video dirigido por David Fincher).

Aunque las copias del disco salieron con créditos mínimos, poco después se supo de la participación de Dave Grohl en varios temas, lo cual no solo explica los detalles rítmicos, sino el sonido orgánico de la batería. Creo que esto fue un gran acierto. (Créditos del álbum, aquí.)

Habiendo despachado este detalle que me llama la atención, menciono rápidamente que en su casi hora de duración, [WITH_TEETH] tiene también un poco del metal industrial crudo "a lo Broken" con la poderosa You Know What You Are y en Getting Smaller. Por otro lado, antes del cierre muestra un bloque industrial-electrónico de nueve minutos con The Line Begins To Blur y la hermosa Beside You In Time, que me conmovió infinitamente presenciarla en vivo (aquí en Bogotá) el año pasado.

Ahora, nada de esto sucede sin el importante rol del piano que aparece tanto en los fondos como en los primeros planos, ayudando a mantener el balance sónico del álbum. Por supuesto, tampoco faltan las exquisitas guitarras eléctricas fortaleciendo el sonido general ni la fuerza melódica de las líricas de Reznor, que tema tras tema te ponen a cantar de verdad. Por ejemplo, en el inmortal hit single The Hand That Feeds (Video dirigido por Rob Sheridan).

Así pues, solo me faltó mencionar mi otra favorita Sunspots y la conclusión con la emotiva Right Where It Belongs.

Feliz aniversario (mi disco favorito de NIN) !



Aquí, otro puntazo del [WITH_TEETH]: Los ensayos en vivo incluidos en el video de la gira Beside You In Time, con uno de mis ídolos de la vida, el señor Jeordie "Twiggy Ramírez" White en el bajo.


Ah, y Every Day Is Exactly The Same...

Heavy As A Really Heavy Thing - Vigésimo Aniversario

Después del terreno abonado por artistas como Ministry con su Psalm 69 (1992) y Nine Inch Nails con su The Downward Spiral, en 1995 el metal industrial entró en boga. En ése año se estrenaron el NIHIL de KMFDM, el Astro Creep: 2000 de White Zombie, el Demanufacture de Fear Factory, así como el Further Down the Spiral y el Smells Like Children de Marilyn Manson, que son dos de los álbumes de remixes más populares de todos los tiempos. (Por cierto, los remixes son una jugada clásica del industrial.)

Pues a todos los anteriores vale la pena sumar el Heavy As a Really Heavy Thing de Strapping Young Lad, otra propuesta dentro del metal industrial que profundiza el fenómeno de la alternativización, y finalmente, presenta a un discreto pero importante jugador del underground noventero: Devin Townsend, un multi-instrumentalista y productor canadiense quien ha estado tras algunas cosas interesantes desde entonces. 

Strapping Young Lad inició como un proyecto unipersonal del joven Devin Townsend quien hasta el momento solo había trabajado para otros músicos, entre ésos Steve Vai. En una búsqueda de nuevos talentos, Townsend fue contactado por la disquera de música pesada Century Media Records y le ofreció un contrato de cinco álbumes extremos, siendo Heavy... el primero.  Creo que nadie se esperaba algo así, pero Townsend se encaminó por el metal extremo con fuertes toques de industrial y, el humor. Con ésa combinación es claro que se trataba de una clara alternativa pues con excepción de Brujería el metal extremo es muy serio, y el hecho de ser canadiense le dio un toque especial a Strapping Young Lad.

Entonces, si quieren explorar una muestra particular de música pesada noventera, concebida por un talentoso y extraño canadiense, les recomiendo tener el Heavy As A Really Heavy Thing en cuenta. Posteriormente les contaré sobre el City, el segundo álbum de Strapping en el que ya se involucra una banda y no solo al líder.

Feliz aniversario!

Astro-Creep: 2000 - Vigésimo Aniversario

Era el año 1995 y yo estaba en mi primer año de bachillerato. Era un alumno más o menos aplicado, había completado mi primaria con relativa facilidad y ahora me enfrentaba a una nueva etapa de mi vida donde pasaba a estudiar con “los grandes” del colegio. Nirvana, The Smashing Pumpkins y The Offspring ya habían echo de mi un precoz niño rockero, pero ahora estaba “en bachillerato”, ahora mi actitud ante la vida podía (e iba a) empezar a reflejar mi gusto musical. 

Claramente, esta etapa de cambio por la cual estábamos atravesando no era tan emocionante para el colegio cómo lo estaba siendo para nosotros. Y mientras estuviera dentro de su poder, se iban a asegurar de que nadie se saliera de la línea. 

Un buen día entonces llegó a mi casa una carta del colegio dirigida a mis papás, donde se informaba que el consejo disciplinario había decidido convocar a una reunión “extraordinaria” para hablarles a nuestros padres acerca de “eventos recientes” que podrían afectar la seguridad de sus hijos (es decir nosotros). Mis papás, claramente preocupados, asistieron a a la reunión mientras en mi cabeza se armaban los peores escenarios posibles, pues era la primera vez que algo así ocurría.

Mis papás llegaron a la casa sin mencionar palabra alguna mientras la curiosidad me carcomía. ¿Me iban a echar del colegio? ¿Había habido algún tipo de amenaza? ¿Había pasado algo grave con alguno de mis compañeros? No mencionaron nada hasta la hora de comer, cuando mi papá finalmente tomó valor y decidió preguntarme (no porque hubiera que tenerme miedo, pero después de todo estaba empezando mi adolescencia):

-¿Tú conoces a unos tipos que se llaman White Zombie?

Yo levanté la cabeza del plato y miré a mi papá algo confundido:

-¿Y a un loco que le dicen Marilyn Manson? ¿Has oído su música?

Mi mirada pasó de estar confundida a estar completamente perpleja ¿Realmente estaba ocurriendo esto? ¿Iba a tener una conversación de música con mi papá? Yo claramente había oído tanto de White Zombie como de Marilyn Manson, pero como mencioné anteriormente, mi gusto musical de esa época estaba enfocada en el grunge y el punk. La verdad no me había interesado en el metal hasta ese momento y ahora me pregunto si algún día lo hubiera hecho si no hubiera tenido esa conversación. Iba a responderle a mi papá que aunque claramente sabía quienes eran, lo mío era más el punk; que de Marilyn Manson había oído un par de canciones chéveres, pero que White Zombie definitivamente no era lo mío. Sin embargo, justo antes de responder entendí realmente el contexto de la pregunta: mi papá no estaba preguntando porque quisiera saber mis gustos musicales, estaba preguntando porque de eso se había tratado la reunión en mi colegio.

Me detuve y respondí lo más inteligente que se me ocurrió para así lograr que mi papá me dijera que era lo que había ocurrido: “No, ni idea”.

Fue entonces cuando mi papá empezó a contarme un montón de increíbles leyendas urbanas y mitos acerca de estas dos agrupaciones, cada una más loca que la otra. Que Marilyn Manson tenía un ojo de vaca, que White Zombie incitaba a la brujería, que ambos eran el principio de fin, y que el colegio había dicho que si los oía, quería decir que iba por mal camino. Esa noche negué tener algún conocimiento de todo lo que mis papás me decían, pero sólo estaba llenando de material para discutir con mis amigos al otro día en el recreo.

Me enteré que todas las historias habían sido más o menos similares, que ninguno en el curso realmente era fan de White Zombie o Marilyn Manson, pero que ahora todos queríamos aprender qué era lo que tenían esas dos bandas para llevar al colegio a convocar semejante reunión y generar ese tipo de preocupación en nuestra familias.

Ese viernes tenía en mis manos el Astro-Creep: 2000 – Songs of Love, Destruction and Other Synthetic Delusions of the Electric Head. El cuarto y último álbum de White Zombie, su trabajo más popular y el que me convertiría en fan de por vida en fan de esta banda y de todo lo que haría Rob Zombie de allí en adelante. Los poderosos riffs de guitarras de Electric Head pt1 y 2, los samples electrónicos y de películas de horror en Real Solution #9, y More Human Than Human fueron mis primeros pasos en el territorio del metal y del industrial. Además la velocidad de la batería en I, Zombie y El Phantasmo and The Chicken-Run Blast-O-Rama me recordaban mucho al punk, lo cual hizo que mi aceptación fuera mucho más fácil.

Sé que esta puede no ser la reseña más especializada que van a encontrar, pero no se me ocurrió una mejor aproximación que contarles que a mis 11 años, este álbum me convirtió en metalero.

Y el colegio nunca volvió a convocar reuniones extraordinarias…

Disfruten.

}:)

PIG Vs. Primitive Race - "Long In The Tooth"

Primitive Race es un proyecto de industrial integrado por músicos de KMFDM, Skinny Puppy, Gary Numan, Pop Will Eat Itself y Combichrist, entre otros. Long in the Tooth es su primer Ep, lleno de versiones y remixes del mismo tema, como suele acontecer en el género. Por cierto, PIG es Raymond Watts, otro viejo zorro de esta escena.

NIHIL - Vigésimo Aniversario

KMFDM es uno de los proyectos de industrial que mejores logros alcanzó en los años noventa. Después de una década de trabajo y de siete discos lanzados independientemente, es con su octavo álbum NIHIL que finalmente terminan de darle forma a su propuesta, pasando de ser un show alternativo que mezclaba dance con riffs y punteos metaleros, a una respetada banda del underground por su original propuesta y estilo comprometido con la causa.

Aunque radicados por años en Chicago con el apoyo del sello disquero independiente Wax Trax!, KMFDM son alemanes, al menos la mayoría de los músicos que allí participaron y en especial el líder, fundador y único integrante original actual Sasha Konietzko, lo tiene un efecto determinante en su sonido, que muestra una tendencia de club electrónico europeo, por lo cual se diferencian fácilmente de colegas como Ministry, White Zombie, Nine Inch Nails, entre otros.

Si bien ya se habían abierto paso y llamado la atención con algunos temas como Godlike (con el sample del riff principal de Angel Of Death de Slayer) y A Drug Against War, considero que el NIHIL es su primer gran álbum en donde se les escucha en un nivel alto, de principio a fin, con detalles exclusivos de producción y una amplia vocación comercial. Además, está lleno de sorpresas, como voces femeninas, trompetas, la monstruosa guitarra eléctrica de Günter Schulz, y por primera vez en sus discos, batería en vivo a cargo del maestro William "Bill" Rieflin (baterista de Ministry entre 1986 y 1996), lo que lo hace muy real, superior a los usuales beats electrónicos con los que usualmente se defiende KMFDM.

Así las cosas, el disco es una maravilla del género pero individualmente se pueden encontrar también maravillas particulares como las demoledoras Ultra, Flesh (tal vez mi favorita), Brute, las contagiosas Beast y Revolution (sensacional), Search and Destroy, Trust, el discurso de Terror y finalmente, su tema más famoso y favorito de las masas Juke Joint Jezebel. Gran álbum.

Feliz aniversario!

Prefiero mil veces los álbumes sobre los shows en vivo de KMFDM, pero de todas formas esto da una idea clara de como era la dinámica detrás de los discos.

Borghesia - "Shoot At The Clock !"

Me estoy enterando que Borghesia es el aporte de Eslovenia al EBM (Electronic Body Music), así como de que hay un género (del underground ochentero) denominado EBM. Shoot At the Clock es de su reciente álbum And Man Created God, con el que regresan a ampliar la oferta musical actual.

Disfruten.

Marilyn Manson - "Deep Six"

Es apresurado emitir jucios en este momento, pero 2015 iniciará fuerte con el lanzamiento de The Pale Emperor. Éso si, me alegra bastante que Marilyn Manson (la banda) continúe activa.

Remission - Trigésimo Aniversario

Durante los años ochenta, el underground se movió intensamente a medida que miles de artistas y músicos exploraban nuevas fronteras, evolucionando o degenerando las escuelas clásicas de música popular, así como aconteció con los favoritos de este blog, punk, hardcore y metal. Ahora, otra de las tendencias fuertes de la época (más por su propuesta que por cantidad de seguidores) fue el industrial, aquel revuelto experimental de música electrónica con otros géneros, que generalmente relacionamos con ritmos creados a partir de golpes metálicos.

Pues los canadienses Skinny Puppy fueron pioneros en la materia. Ellos ofrecieron una interesante visión del mundo y un sonido muy particular que incluía lo trangresivo del punk, los sintetizadores del new wave, así como elementos del rock en general. En 1984 lanzan su EP Remission (posteriormente álbum), con en el revelan el futuro próspero de un género que sería grande años después, con la escena de la discográfica independiente Wax Trax en Chicago (que incluyó tantos artistas europeos como americanos de quienes fueron amigos), y finalmente, con el boom del rock (o metal) industrial, impulsado por Ministry, White Zombie, Nine Inch Nails, Marilyn Manson, entre otros, de quienes fueron influencia directa.

En Remission encontrarán una pieza única, inclusive dentro de la discografía de la banda. Un balance exquisito del beat electrónico, con los mencionados golpes metálicos. Además de los teclados y otros dispositivos que generan el sonido en Skinny Puppy (a cargo de cEvin Key), hay un uso de samples muy interesante, que a diferencia de como acontece en el hiphop, aquí cumplen una función más atmosférica y narrativa que rítmica. (Particularmente, me encantan dos de la genial The Tenant de Roman Polanski. También usa varios de Shadow of A Doubt de Hitchcock) Como podrán imaginarse, la música electrónica en la época tenía el sabor especial derivado de la tecnología disponible en momento, así como el encanto de que no todos la hacían.

Ahora, al bloque electrónico se sumaba la amenazante voz principal de Nivek Ogre, que tiene un espíritu más de performance que melódico. (De hecho, esto derivó en sus memorables shows horroríficos, donde denunciaban principalmente la guerra nuclear y las pruebas en animales en un estilo poco común.) Pero aunque no pareciera por las descripciones, Remission es un trabajo que si bien oscuro y raro, tiene una acertado flow musical fácil de captar. El álbum es sólido de principio a fin, pero pueden empezar por las brillantes Smothered Hope (ojo al video), Incision, Ice Breaker y Sleeping Beast. Obra maestra ochentera.

Feliz aniversario!

Portrait of an American Familiy - Vigésimo Aniversario

Como uno de los actos de rock más importantes de los años noventa, resulta bien interesante revisar el debut de Marilyn Manson pues fue la semilla de este gran monstruo audiovisual que creció fuertísimo y ayudó a rematar lo quedaba de siglo XX de manera espectacular, aprovechando que en la época, todo el terreno estaba abonado para el propósito.

Como muchos de ustedes saben, el concepto Marilyn Manson se crea alrededor de la idea de individuo que los Estados Unidos de América tenía preparada para las masas de infantes y jóvenes que día a día asistían al colegio y con la frecuencia indicada, al respectivo culto religioso. Como siempre ha sucedido en la historia de la humanidad, el plan no daría los resultados esperados con todos y, en el caso del joven Brian Warner (a quién esta idea "le entró en reversa") resultó particularmente contraproducente. Pero en todo caso, lo que se consideró contraproducente desde ésa perspectiva, es para mi y otros tantos en el mundo, motivo de admiración y como de costumbre, de celebración.

Por cosas de la vida, el joven Warner se encontraba en la Florida estudiando y trabajando como periodista musical y en ése oficio conoció entre otros, a sus compañeros de banda y al productor del álbum y amigo, Trent Reznor. Así las cosas, Portrait of an American Family fue creado por una banda joven, cuya alineación estaba todavía por definirse, pero que pudo concentrarse en lo creativo, mientras el ya experto equipo de Reznor se encargaba de las tareas técnicas (entre otros, Alan Moulder, Sean Beavan y Chris Vrenna, quienes hicieron parte del trabajo en la mansión Le Pig, donde se creó The Downward Spiral, siendo además el segundo disco lanzado bajo el sello Nothing Records de Reznor).

Portrait of an American Family es un álbum de rock (o metal) industrial, con el que la banda se hizo espacio en ése género de amplia tradición en Norteamérica, donde Ministry, White Zombie y los mismos Nine Inch Nails ya eran grandes. Ahora, aunque los tiene, en este disco ningún sintetizador, sample, programación o similar es protagonista. Esta música esta creada por una banda de garaje y los principales destacados son el bajo, la guitarra, la batería, el teclado y sobre todo, la prodigiosa voz de Manson que ya muestra todo su potencial. De aquella alineación, solo perduró como integrante fundador el tecladista Madonna Wayne Gacy (el calvo de chivera). Si bien el gran Twiggy Ramírez aparece como bajista de la banda en todas las imágenes (tras el carrito de mercado), en realidad se unió a la banda para la promoción del Portrait, pues en el álbum los bajos son acreditados a Gidget Gein, quien con el guitarrista Daisy Berkowitz (de gafas oscuras y tirantes) son los compositores de la mayoría de la música en el disco. Las letras son de Manson, por supuesto.

Este álbum es agresivo y enérgico, lleno de percusión fuerte y gritos con estilo. Entre los riffs de guitarra, bajo y teclado se escuchan momentos brillantes de ritmo o melodía que lo hacen muy atractivo. Berkowitz, Gein y Sara Lee Lucas (de candado y chamarra negra de cuero) le dieron un sabor muy particular al proyecto que nunca volvería a repetirse en Marilyn Manson, con tendencias del metal alternativo de la época y rock n´ roll clásico, que perfectamente se perciben en el excelente hit single e himno de aquella época, Lunchbox (video). El tema industrial por excelencia es Dope Hat, cuya música y video abren la puerta al increíble Smells Like Children (1995), álbum de remixes del Portrait con el que Manson alcanzó el estatus de estrella y sobre el que les hablaré maravillas el año entrante. Otra belleza es Get Your Gunn, sencillo que muestra el vasto poder de la banda. Entre mis favoritas también están Cake and Sodomy, Wrapped in Plastic, Dogma, Sweet Tooth, Snake Eyes and Sissies y, el cierre con la rockera Misery Machine. Mejor dicho, todo el disco.

Por su género y su propia particularidad dentro de la discografía de Marilyn Manson, Portrait of an American Family es un clásico que podrá interesar a los seguidores de muchas tendencias rock.

Feliz Aniversario! 

Cabaret Voltaire - #7885 Electropunk To Technopop

Reciente compilación musical sobre la música de esta banda entre 1978 y 1985.

Rob Zombie - "American Witch"

The Crow (Soundtrack) - Vigésimo Aniversario

Entre tantas cosas maravillosas que se estrenaron en 1994 tenemos la gloriosa adaptación y realización cinematográfica de The Crow, cómic original del artista gráfico americano James O´Barr. Para ese trabajo se unieron los escritores David J. Schow y John Shirley (expertos en el tema) y el director Alex Proyas, quien demostró con mucho estilo su predilección por la imagen oscura. The Crow fue un éxito indiscutido que se convirtió en obra de culto, aún con las dificultades que sobrevinieron con la muerte de Brandon Lee durante el rodaje, amenazando su culminación.

Pero aparte de todos los halagos que merece esta película, me referiré a su inolvidable banda sonora, la cual aprovecha de la mejor manera el nivel musical del momento, enfatizando en el espíritu, tono y color del cómic, explícitamente influenciado por la escuela de Joy Division y The Cure. Además de responder a su estética de subcultura gótica, el disco fluye exquisitamente, sorprendiendo permanentemente con tantos temas originales (para la película), tanto industrial (cuando hoy habría sido electrónica), tanto noise y tanto metal alternativo.

El disco abre con el tema ganador Burn, de The Cure, el cual fue grabado exclusivamente para la banda sonora. Sigue Golgotha Tenement Blues, una excelente muestra de rock industrial por la banda americana Machines of Loving Grace. A continuación, el hit de los Stone Temple Pilots, Big Empty, que estaba por salir en su segundo álbum Purple y que reemplazó otra canción que fue omitida después de la muerte de Lee. Luego, Trent Reznor, con su Nine Inch Nails en pleno apogeo, descresta a todos con el cover de los Joy Division, Dead Souls, saldando el tributo obligatorio a la referencia antes citada. Rage Against the Machine aparece en su cuarto de hora, aunque un poco fuera de lugar ya que su tema Darkness (Of Greed) es obviamente político. Sin embargo, es brillante y Tom Morello se faja el mejor solo de guitarra de toda su historia con la banda. Le sigue Color Me Once de los Violent Femmes, mi favorita del álbum de un tiempo para acá (¡buenísima!). Los Rollins Band aportan Ghostrider, cover del legendario dúo neoyorquino Suicide en una particular e intensa interpretación; Helmet participa con Milquetoast, que haría parte de su siguiente álbum Betty. Pantera aparece en completa forma interpretando de manera idéntica The Badge, original de la banda punk americana Poison Idea, demostrando de nuevo porqué eran unos gigantes. For Love Not Lisa aporta Slip Slide Melting, que sin ser industrial muestra algo de ésa influencia en el sonido y empata perfecto con After the Flesh de My Life with the Thrill Kill Kult, exponente fuerte del género que le valió una merecida aparición en la película. A continuación viene la leyenda escocesa del noise, The Jesus and Mary Chain, con Snakedriver (video). Luego, tenemos a Medicine, banda americana de dream pop y noise con Time Baby III, favorita personal, cantada por Elizabeth Fraser de Cocteau Twins y que también aparece durante la película. Al final,tenemos a la canadiense Jane Siberry con su tema It Can´t Rain All the Time, que desentona un poco pero que de alguna forma sirve para calmar los 60 minutos de poder que le anteceden.

Aunque no encuentro al directo responsable de seleccionar estos temas para la banda sonora, funciona de maravilla y será joya indiscutida de los noventa por siempre. ¡Excelente!

¡Feliz aniversario!

The Downward Spiral - Vigésimo Aniversario

Producido por Trent Reznor a los 29 años, The Downward Spiral recoge el estilo dance techno del debut Pretty Hate Machine y el metal guitarrero del Ep Broken para crear una pieza genial que se expande en todas las direcciones hasta lograr lo único e irrepetible. Para empezar, el montaje y adaptación de su propio estudio en la famosa mansión Le Pig (10050 Cielo Drive, Los Angeles) fue un gran acto creativo que le aporta un toque especial al resultado. Allí vivió durante 18 meses y fue el laboratorio donde vieron la luz los temas que componen el ábum (además del Broken, y el Portrait of an American Family de Marilyn Manson). En ése momento Reznor continuaba el camino hacia la independencia, pasando de TVT Records a Interscope Records y fundando en el proceso su propio sello, Nothing.

Durante ésos meses, Reznor se consagró como genio ya que sacó el mejor provecho del hardware y sofware disponible en la época, así como de los instrumentos musicales. Todos los sonidos tienen tratamientos especiales y es difícil distinguir entre lo análogo y lo digital así como entre acústico y lo electrónico. A su vez, los temas se componen de múltiples pistas y capas que los hacen robustos y complejos, razón por la cual fueron tan buen insumo para el memorable álbum de remezclas Further Down The Spiral. Aunque los créditos son para el, lo ayudaron en producción importantes figuras como el productor inglés Mark “Flood” Ellis con quien ya había trabajado, Adrian Belew guitarrista experimental de King Crimson, Stephen Perkins baterista de Jane´s Addiction entre otros.

Musicalmente, tiene picos de ruido y valles de tranquilidad y muchas paradas en seco. Tiene los golpes metálicos (tipo Mr. Self Destruct) y los ritmos milimétricos (como en Heresy) del industrial y por otro lado, las distorsiones más poderosas posibles para las guitarras eléctricas, que presentes todo el tiempo, pareciera se transformaran en otro instrumento.  De vez en cuando, se asoma la banda de rock (como en Ruiner) que nos recuerda a los músicos que acompañaron a Reznor en el disco y en la inolvidable Self-Destruct Tour, Danny Lohner, Chris Vrenna y Robin Fink, a quienes los fans recordamos con cariño por hacer Nine Inch Nails más chévere de lo que ya era.

Por si fuera poco, es un álbum conceptual con una historia y personaje a través de sus temas y, tiene un arte divino que inspiró más cosas interesantes, como por ejemplo, el sofisticado video para Closer de Mark Romanek y el de March Of The Pigs, dirigido por Peter Christopherson (ex Hipgnosis y ex Throbbing Gristle), quien desde un acercamiento minimalista a la banda, retrata también el espíritu del álbum.

Tanta calidad musical y al mismo tiempo, tantos detalles finos como iniciar el disco con un sample de la increíble THX1138 de George Lucas o terminarlo con los tres acordes fuertísimos de guitarra eléctrica al final de la desgarradora Hurt, la instrumental A Warm Place o,  la batería grabada por el propio Reznor hacia el final de Piggy, hicieron del Downward Spiral el mejor álbum de Nine Inch Nails, lo que quiere decir que es uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.

Feliz aniversario!

ANGST - Vigésimo Aniversario

"black man, white man, yellow man,

black man, white man R.I.P. the system" 

KMFDM es un proyecto de rock industrial dirigido por el alemán Sasha Konietzko en el que han participado muchos músicos. Activos desde 1984, la banda inició su carrera en Europa y poco después se radicó en los Estados Unidos. Conforme pulían su particular estilo en América descubrieron que WaxTrax! Records les tenía reservado un cupo. Era un pequeño sello disquero independiente fundado en 1978 y establecido en la ciudad de Chicago, bajo el que se reunió lo más selecto del rock industrial y sus derivaciones hasta principios de los años noventa. La mayoría de artistas de este sello estaban influenciados por el new wave y utilizaban instrumentos electrónicos como herramienta principal.

Lo que se sabía del industrial en la época es que gracias a pioneros como Ministry dejó de ser un género erudito y poco amigable para aliarse exitosamente con otros estilos, particularmente, las guitarras del metal. Ahora, cada artista trajo su aporte diversificando la oferta, por lo cual esta escena empató perfectamente con el fenómeno de la música alternativa. Así, detrás de otros hitos del género como White Zombie o Nine Inch Nails, los KMFDM encontraron su nicho de mercado entre una amplia gama de espectadores, construyendo culto y dejando en alto el nombre de este género.

Aparte de estructurar sus temas en riffs metal de guitarra, KMFDM empezó a añadir otros elementos interesantes a la receta, como orquestaciones, voces femeninas y hasta rimas, todo sobre beats electrónicos generalmente dance. ANGST es el primer álbum en que KMFDM prueba con plena efectividad que esta propuesta estaba funcionando y marca el inicio de una racha de excelentes álbumes por venir. 

La difusión de esta banda inicia fuertemente con el clip de la agresiva A Drug Against War y múltiples remixes hechos por amigos cercanos de la escena industrial que quedaron grabados en varios de los singles que salieron antes y después del álbum. Finalmente, es importante recordar que al igual que cualquier banda industrial que se respete, KMFDM aboga por el nihilismo, el arte y por una consciencia social.

Mis favoritas: Blood by Blood, a Hole in the Wall y Light.

Feliz aniversario!

Encontrar videos de esta banda en vivo en la época es complicado.

Creo que encontré el mejor álbum de rock del año...

¿Recuerdan esta canción?



Pues para aquellos que como a mí se les eriza la piel cada vez que la oyen, que no pueden adelantar ni un segundo de los 7:58 minutos que dura y que entienden que es precisamente la simplicidad, la repetición, y los melancólicos crescendos electrónicos los que hacen de ésta una de las mejores canciones de rock que se han hecho en los últimos años, para esas personas, les traigo lo que puede ser el mejor disco de este año. Se llama Church With No Magic y el genial grupo detrás de él se llama PVT, uno de los nuevos artistas del legendario sello disquero WARP:

Artista colombiano que no es una trampa: María Domestica (La Sukita)

Señoras y señores con uds el impresionante portafolio de Carolina Ramirez. San Andrés is in da house!!. Sin palabras.

Para ver más lindi dibujos diríjasen a su flickr.