PRAYERS - "West End Girls"

West End Girls (original de los Pet Shop Boys) en esta genial versión a lo cholo goth por el dúo Prayers (capturados por Noisey).

Prinzhorn Dance School - "Reign"

Esto es Reign, lo nuevo del dúo de new-wave minimalista de Brighton Prinzhorn Dance School, que pertenece a su nuevo álbum Home Economics lanzado a través de DFA Records.

Only Heaven - Vigésimo Aniversario

Algo interesante del industrial en los años noventa es que mientras la mayoría de artistas estaban encantados mezclándolo con poderosos riffs y punteos de guitarra eléctrica (metal industrial), en muchos lugares de Europa estaban creándolo a partir de otras tradiciones musicales (además del ampliamente reconocido new wave), como es el caso del krautrock, el jazz, y los siempre respetados elementos de la música erudita o clásica. 

Alrededor de 1985 se forma en Suiza el trío The Young Gods, quienes añadieron a la baraja del industrial unas cartas peculiares y elegantes como ecléctico debut homónimo (donde solo sonaba familiar Envoye), el hermoso L´eau Rouge donde continúa fuerte la influencia francesa (ojo y oído a La Rue des Tempétes), el acercamiento al blues del T.V. Sky (ojo y oído a Gasoline Man), y en 1995, inesperadamente, siguen evolucionando con su as, el único e irrepetible Only Heaven. 

En el Only Heaven resaltan exquisitos sonidos electrónicos desde el primer segundo. No obstante, todo está construido a partir de samples de pistas tanto electrónicas como acústicas, tal es el caso de la batería, que es uno de los personajes principales de este álbum y banda. En los videos se puede apreciar que en los Gods siempre hay batería en vivo, pero en sus grabaciones se reconoce es el sonido de esos golpes reales convertidos en beats en la medida que son repetidos en patrones e intensidades exactos con herramientas electrónicas. Allí, entra el otro jugador clave de los Gods y el Only Heaven, el sintetizador, que en esta oportunidad se destaca por su incesante gama de ambientes, atmósferas y ruidos. Una verdadera belleza. Sobre esta base rítmica híbrida se sobrepone la característica voz grave de Franz Treichler con su encanto especial, su toque hipnótico y delicado muy efectivo.

Con ésa fórmula y en un evidente momento de inspiración los Gods logran un viaje de poco más de una hora a una profunda dimensión donde provoca desdoblarse. Ahora, esto lo lograron sin sacrificar su groove post punk ni el poderoso bloque sonoro que los hace industrial. La guitarra eléctrica tiene un rol moderado pero fino, particularmente en Strangel y Kissing the Sun (video), dos de sus temas más fuertes. Sin embargo, ésa fuerza solo añade dinámica al viaje completo donde reside el verdadero poder del álbum. El épico Moon Revolutions resume en 17 minutos todo este punto, ubicándose al nivel de monstruos europeos como CAN y Pink Floyd. Otras maravillas son Speed Of Night, Donnez Les Esprits, Lointaine y la acústica Child In The Tree. Claro, como álbum de industrial que se se respete, incluye un remix, en este caso, uno del tema Kissing The Sun bastante atmosférico al final del disco.

En todo caso, una joya invaluable de los noventa.

Feliz aniversario!

Con ustedes: Prayers y su Cholo Goth.

Descubrir una banda nueva que te sorprenda resulta extremadamente satisfactorio, sobretodo cuando uno la encuentra por  razones insospechadas. Así escuché por primera vez a Prayers. Estaba leyendo una entrevista de Travis Barker sobre la salida de Tom DeLongue de la banda de pop-punk blink 182 donde mencionó que estaba grabando baterías para el siguiente EP de Prayers. Inmediatamente busqué en YouTube y me encontré con esta gran sorpresa. Prayers son un dúo de cholos (Rafael Reyes y Dave Parley) tocando algo que ellos mismos denominaron cholo goth. Más allá de lo antiético que resulte ver a un vato tocando algo diferente a Hip Hop, lo que me enganchó fue su sonido. Hace mucho no escuchaba algo que me gustara tanto.  Hasta el momento tienen un álbum llamado SD KillWave, y saber que ya están trabajando en más música me emociona mucho.

Con ustedes: Prayers.

Borghesia - "Shoot At The Clock !"

Me estoy enterando que Borghesia es el aporte de Eslovenia al EBM (Electronic Body Music), así como de que hay un género (del underground ochentero) denominado EBM. Shoot At the Clock es de su reciente álbum And Man Created God, con el que regresan a ampliar la oferta musical actual.

Disfruten.

Too Tough To Die - Trigésimo Aniversario

Generalmente, la idea de Ramones me lleva inmediatamente a la segunda mitad de los años setenta, aquella época cuando aparece por primera vez en la escena neoyorquina el pionero cuarteto del punk americano. Sin embargo, produjeron una de sus mejores obras en 1984, su octavo álbum Too Tough To Die, el cual permanentemente le disputa la corona a los mismísimos Ramones (1976) y Rocket To Russia (1977), así que de entrada, nos referimos a una obra de amplia relevancia para la historia del rock.

Vale la pena recordar que para ése momento, la banda ya sumaba poco menos de una década de experiencia, y había consagrado su infalible fórmula de composición en grupo, que aparte de agotarse, logró alimentarse de nuevo por el espíritu de la época. Y esta vez, por experiencia me refiero a las guitarras de don Johnny Ramone, quien nunca se caracterizó por la dinámica, y aquí, en una dosis muy delicada, irrumpe de vez en cuando su mecánico estilo para añadir unos elegantes leads y otros adornos reglamentarios de una producción profesional. Por nombrar algunos, la rockera, medio surf, y magnífica No Go, para un clásico punteo o, el arpegio constante de I´m Not Afraid Of Life. Por otro lado, el disco lo produjo el primer baterista de la banda (y recién fallecido) Tommy Ramone (Erdélyi Tamás) (R.I.P.), cuyo toque influyó positivamente en el resultado, en parte por habilidad, y en parte por la cercanía y la confianza que tenía con sus ex-compañeros de banda.

Este fue el segundo álbum que tuve de Ramones (después del Adiós Amigos (1995) y porque era el disponible cuando fui a comprar...) así que por mucho tiempo fue uno de mis pocos discos ochenteros. Ahora que ando reconciliado con ésa década y reconozco que fue la época dorada del underground, me encantó re-descubrir este álbum años después porque pude entender cómo se destaca dentro de la propia discografía de la banda, gracias a las dos tendencias o géneros dominantes de los ochenta (al menos los derivados del punk) que alimentan el espíritu de este álbum y lo hacen mágico: el hardcore y el new wave. 

La influencia hardcore (o escuela, más bien), se nota de manera general en el sonido fuerte y agresivo del álbum, pero el elemento primordial fue el legendario bajista y maestro punk Dee Dee Ramone, a quien le abrieron bastante espacio en los micrófonos y se dio gusto yendo hacia el hardcore, el original, aquel cantado con voz pobre, pero con infinita actitud. Esto se escucha desde el demoledor "one, two, three, four..." inicial de Mama´s Boy, y de principio a fin en Wart Hog y Endless Vacation (demo). Una maravilla.

Por el lado del new wave aparecen los teclados, que si bien me sonaron extraños la primera vez, hoy hacen parte de lo mejor del catálogo de Ramones, fundando las brillantes melodías de Chasing the Night y Howling At the Moon (Sha-La-La), donde Joey te da tanta satisfacción en las voces como Freddie Mercury en su mejor momento. En ambos casos llama la atención el bajo tempo y la duración de los temas, que exceden considerablemente el rápido promedio de la banda. Pero entre ambas, gana Howling, ya que fue producida por (nada más ni nada menos que el inglés) Dave Stewart de Eurytmics, lo que se nota una y otra vez, cuando las escuchas de nuevo y más la admiras.

Pero ésos son solo elementos en la "grabada en piedra" receta de los Ramones, porque el núcleo de estos 13 temas es su básico y adorado punk rock con letras variadas sobre socio política, que hablan de la eterna paranoia de la banda con la guerra fría, las drogas y el amor. 

Este álbum es el absoluto bloque sólido que funciona como una sola pieza, pero si lo vas a dividir, no dejes de revisar Too Tough To Die, Danger Zone, Daytime Dilemma (Dangers Of Love), y la inolvidable instrumental Durango 95. Una demencia este álbum.

Feliz aniversario !!!

Boingo - Vigésimo Aniversario

Oingo Boingo era una orquesta californiana poco conocida por fuera de ciertas zonas de influencia (donde claramente nosotros no estamos), pero con una música muy peculiar y de altos estándares de calidad que les ha valido devotos en vez de seguidores. Ahora, en gran parte esto se debe al perfil del líder Danny Elfman, responsable por la música en la mayoría de películas de Tim Burton y el tema principal de los Simpsons, entre muchas otras obras reconocidas.

En 1981, durante el auge de new wave, Oingo Boingo empieza su actividad discográfica de una forma alternativa y casi progresiva, es decir, con las dosis estándar de sintetizador y peinados raros, pero con elementos adicionales que los destacaban de otros exponentes del género, que van desde su alineación con instrumentos de viento y mucho ritmo ska, hasta tendencias de orquestaciones para cine. Curiosamente, esta fórmula que usaron durante diez años y siete álbumes no perduró por siempre. Una vez se encontraban avanzados los años noventa, de alguna forma se sintieron obligados a revaluar su propuesta. Justo ahí, le llega el turno a Boingo, su octavo álbum de estudio (y nuevo nombre de banda) que los muestra usando todas sus capacidades musicales y artísticas en función del espíritu del momento: el rock alternativo. Esto vio la luz en 1994 y resultó ser una obra maestra. Qué coincidencia.

Por si no lo sospechan de los antecedentes que he mencionado, debo advertirles que a diferencia de su primer tema y sencillo Insanity, que es de efecto inmediato en la audiencia (aún siendo el bicho raro del disco), el álbum requiere, o al menos requirió de mi bastante tiempo para poderlo asimilar. Pero una vez sintonizado con su frecuencia, comprendí su categoría de obra erudita disfrazada de música popular. En principio, todos los temas son extensos y están basados en melodías que suenan inofensivas al principio, pero que con el tiempo se revela su fuerza. A veces me provoca la imagen de una especie de Beatles poseídos por un espíritu maligno. Y bueno, esta influencia fue citada explícitamente por Elfman en entrevistas y con la inclusión del cover de I Am the Walrus entre los temas.

(Evidente la influencia visual de Adam Jones de Tool en este video. Por cierto, aunque claramente más corta que la original, esta versión ni siquiera es editada, es una versión distinta)  

Una vez comprendí el álbum en su integridad, caí bajo el encanto especial de su último tema, el épico Change, que con 16 minutos de duración siempre me demuestra una forma clásica de lo que es el rock. Si algún día quieren escuchar algo diferente o profundizar en los fenómenos noventeros, sírvanse a bien tener este álbum en cuenta como una recomendación de su amigo @rickiwarrior.

(Qué extraño todo acerca de esta presentación. Raros pero buenos.)

The Crow (Soundtrack) - Vigésimo Aniversario

Entre tantas cosas maravillosas que se estrenaron en 1994 tenemos la gloriosa adaptación y realización cinematográfica de The Crow, cómic original del artista gráfico americano James O´Barr. Para ese trabajo se unieron los escritores David J. Schow y John Shirley (expertos en el tema) y el director Alex Proyas, quien demostró con mucho estilo su predilección por la imagen oscura. The Crow fue un éxito indiscutido que se convirtió en obra de culto, aún con las dificultades que sobrevinieron con la muerte de Brandon Lee durante el rodaje, amenazando su culminación.

Pero aparte de todos los halagos que merece esta película, me referiré a su inolvidable banda sonora, la cual aprovecha de la mejor manera el nivel musical del momento, enfatizando en el espíritu, tono y color del cómic, explícitamente influenciado por la escuela de Joy Division y The Cure. Además de responder a su estética de subcultura gótica, el disco fluye exquisitamente, sorprendiendo permanentemente con tantos temas originales (para la película), tanto industrial (cuando hoy habría sido electrónica), tanto noise y tanto metal alternativo.

El disco abre con el tema ganador Burn, de The Cure, el cual fue grabado exclusivamente para la banda sonora. Sigue Golgotha Tenement Blues, una excelente muestra de rock industrial por la banda americana Machines of Loving Grace. A continuación, el hit de los Stone Temple Pilots, Big Empty, que estaba por salir en su segundo álbum Purple y que reemplazó otra canción que fue omitida después de la muerte de Lee. Luego, Trent Reznor, con su Nine Inch Nails en pleno apogeo, descresta a todos con el cover de los Joy Division, Dead Souls, saldando el tributo obligatorio a la referencia antes citada. Rage Against the Machine aparece en su cuarto de hora, aunque un poco fuera de lugar ya que su tema Darkness (Of Greed) es obviamente político. Sin embargo, es brillante y Tom Morello se faja el mejor solo de guitarra de toda su historia con la banda. Le sigue Color Me Once de los Violent Femmes, mi favorita del álbum de un tiempo para acá (¡buenísima!). Los Rollins Band aportan Ghostrider, cover del legendario dúo neoyorquino Suicide en una particular e intensa interpretación; Helmet participa con Milquetoast, que haría parte de su siguiente álbum Betty. Pantera aparece en completa forma interpretando de manera idéntica The Badge, original de la banda punk americana Poison Idea, demostrando de nuevo porqué eran unos gigantes. For Love Not Lisa aporta Slip Slide Melting, que sin ser industrial muestra algo de ésa influencia en el sonido y empata perfecto con After the Flesh de My Life with the Thrill Kill Kult, exponente fuerte del género que le valió una merecida aparición en la película. A continuación viene la leyenda escocesa del noise, The Jesus and Mary Chain, con Snakedriver (video). Luego, tenemos a Medicine, banda americana de dream pop y noise con Time Baby III, favorita personal, cantada por Elizabeth Fraser de Cocteau Twins y que también aparece durante la película. Al final,tenemos a la canadiense Jane Siberry con su tema It Can´t Rain All the Time, que desentona un poco pero que de alguna forma sirve para calmar los 60 minutos de poder que le anteceden.

Aunque no encuentro al directo responsable de seleccionar estos temas para la banda sonora, funciona de maravilla y será joya indiscutida de los noventa por siempre. ¡Excelente!

¡Feliz aniversario!

The Smiths - Trigésimo Aniversario

Y aquí comienza la revisión de 1984....

Como muchas veces pasa, la discografía de The Smiths también parte de un debut homónimo.

Basta investigar un poco para captar el inmenso alcance de esta banda de Manchester en la cultura popular, particularmente en la Inglesa.

Tienen la energía apagada del New Wave pero prescindiendo por completo de los sintetizadores.

La guitarra de Johnny Marr es primordialmente rítmica.

Aunque declarado anti-pretencioso, las melodías, la voz y las líricas de Morrissey tienen personalidad de sobra.

Haciendo a un lado cuatro o cinco bandas gigantes que adoro, The Smiths influenció otras decenas de bandas indie-alternativas (tan comunes hoy en día) que no me mueven la aguja, así que la razón por la que escribo sobre esta banda es porque alguien me insistió en iniciarme en ella y la razón por la que escribo sobre el primero de sus cinco discos, es por es que fue el que me prestaron. El caso es que después de hacer la tarea juicioso, puedo certificar que efectivamente se trata de un álbum excelente que recompensa cada segundo que se le dedica. No puedo decirlo en comparación con sus hermanos porque solo he escuchado dos, pero todo el mundo sabe que este es imprescindible.

Feliz aniversario!

Power, Corruption & Lies - Trigésimo Aniversario

Revisando los acontecimientos musicales de 1983 descubrí Power, Corruption & and Lies, el segundo álbum de New Order que salió al mercado aquel 2 de mayo. Escuchándolo por segunda vez quedé encantado con el balance que lograron al profundizar en lo electrónico sin dejar de ser una banda. De hecho, es un disco que me tiene contento porque está ayudado bastante a revaluar mi percepción sobre los ochenta.

A la primera versión del álbum le fue añadida nada más ni nada menos que el gran Blue Monday y una especie de versión instrumental del mismo tema llamda The Beach, concebidos  unas semanas antes, las cuales conforman la versión actual que he estado escuchando.

Allí encontrarán esa emoción triste que caracterizaba a Joy Division matizada con con un ánimo bailable muy original. Recomendadísimo.

Feliz aniversario !

Checking 83´s musical happenings I found Power, Corruption & and Lies, New Order´s second album released that 2nd of may. Listening to it for the second time I was enchanted by the balance achived deepen into electronica without sacrificing being a band. In fact, I´m very pleased with this album because it´s helping me revalue my perception of the eighties. The amazing Blue Monday and an instrunental version of it called The Beach conceibed earlier that year were added to the album, defining it´s actual version, the one I have been listening to. There, you will find the sad mood signature of Joy Division matched with a danceable feeling. A very original piece of work. Highly recommended.

Happy anniversary !

Duran Duran - Vigésimo Aniversario

No lo recuerdo con detalle pero en algún momento de mis apreciados años noventa, estaba muy feliz disfrutando del rock y todas sus degeneraciones cuando de repente una canción muy pop se había hecho espacio en mi corazón con mucha facilidad. Se trataba de Ordinary World, uno de los dos sencillos con los que Duran Duran regresaba a conquistar el mundo por segunda vez, después de haberlo hecho diez años atrás con sus álbumes Rio y Seven and the Ragged Tiger.

Hoy cumple veinte años su octavo trabajo discográfico "The Wedding Album" que tiene muchas cualidades. Mi favorita es que muestra a esta banda adaptándose divinamente a una nueva década donde el rock marcaba la pauta. Al escucharlo uno encuentra el dance, el synth-pop, el new wave y los estilos con los que se han identificado siempre, pero con toques roqueros que uno no se sabe bien donde, pero ahí están. 

Este es un discazo que los muestra como artistas únicos y originales. Me parece que llegan al nivel del pop que manejaron Bowie y Roxy Music (claras influencias de la banda), música para toda la familia pero con una firma única e irrepetible.

Feliz aniversario !

Sweet Dreams (Are Made of This) - Trigésimo Aniversario

Hoy el turno es para Eurythmics y su segundo trabajo, aquel con el que alcanzaron a las masas de varias generaciones. Para nosotros los contemporáneos de este álbum o para quienes nacieron después, este famoso dúo ya era historia cuando los conocimos por primera vez, pues Annie Lennox (escocesa, por cierto) y David A. Stewart trabajaron juntos hasta 1990, para después continuar su exitosa carrera como solistas.

Supongo que para muchas personas al igual que yo hasta hace unos días, este álbum permanece inexplorado y supeditado a la fama del tema homónimo que tanto ha sonado y que permanece como un ícono de la música popular, pero al compartir estas palabras estoy haciendo una invitación a que sea revisado porque es una obra exquisita. Aunque se escuchan varios instrumentos y voces, el disco se fundamenta en el manejo de sintetizadores análogos y cajas de ritmo (drum machines) a manos de David Stewart coincidiendo con el nacimiento del subgénero Synth Pop, más el aporte vocal y lírico de Lennox que es sobresaliente.

Aparte de que fue grabado con muy bajo presupuesto vale la pena resaltar además el esfuerzo en materia visual del dúo tanto en los videoclips como en los shows en vivo, en donde combinan la imaginería New Wave o Post-Punk de la época, con aportes claros a la evolución de esta herramienta. Al revisar algunos de sus clips, como por ejemplo Love Is a Stranger, The Walk (video inconcluso que no vio la luz sino hasta 2007 de manera no oficial) y por supuesto, Sweet Dreams..., me parece más evidente la influencia de Eurythmics en artistas posteriores que la de sus predecesores en ellos.

Feliz Aniversario !

The Stranglers - "Mercury Rising"

Aunque salidos de la escena punk inglesa de los años 70, los Stranglers se diferenciaron de muchas bandas de su generación por los diferentes estilos musicales que probaron con el paso del tiempo. Gran ejemplo de esto es la exelentísima Golden Brown (1982) uno de sus grandes hits que hizo parte de la banda sonora de Snatch. Otro motivo de diferenciación es el aguante porque Mercury Rising es de su decimoséptimo álbum Giants que estrenaron el año pasado.

A-Ha - Nothing is keeping you here

Último video de esta banda de Oslo de vieja data (inició carrera en 1982) para su más reciente producción musical Foot of the Mountain, lanzado en noviembre del año pasado. Por supuesto que todos cantamos a todo pulmón "Take on meeeeeeeee, take me ooooooooooon" cada vez que tenemos oportunidad de hacerlo. Ahora los noruegos pisan fuerte con una balada más pop que new wave, aunque sin olvidar sus raíces. Eso en cuanto a sonido; visualmente el sencillo también impacta positivamente.

A-ha - Nothing is keeping you here (Official video clip) from ahabrasil on Vimeo.

Y se puede descargar ACÁ