Tough Age - "Nicolas Bragg"

Nicolas Bragg es un reciente video que compartieron las canadienses Tough Age, el cual debería estar en su nuevo álbum I Get the Feeling Central, pero no. No se a qué álbum pertenece. En todo caso llama la atención su estilo "The Breeders revival", rock alternativo que siempre te hará bien escuchar.

Palma Violets - "Girl, You Couldn't Do Much Better on the Beach"

Este es el último video de los ingleses Palma Violets para su álbum Danger In The Club.

The Presidents Of The United States Of America - Vigésimo Aniversario

Por años creí que nunca escucharía este álbum. No me simpatizaban sus caras y no me gustaba que no se tomaran en serio. A medida que el sueño de los noventa terminaba ridiculizado, The Presidents of the United States of America sonaban evidentemente culpables. ¿Por dios, cómo no? Pero, ¿cómo podría este seguidor de la música anglo criticar a estos tres músicos por el nombre de su banda, su básico humor, o por el curso de la música popular en la mitad de los años noventa? No way. El caso es que Miguel Andrés, un amigo mío desde la primaria quien no tenía prejuicios ni sofisticaciones para escuchar sus sencillas opciones musicales, tenía este CD, aquel que se abrió paso en muchos hogares a través de la pegajosa e insoportable Lump (video dirigido por Roman Coppola).

Como siempre tuve admiración por los discos, en una de las visitas a su casa a jugar Super Nintendo no pude evitar ponerlo (en un discman conectado a dos parlantes de computador) y de inmediato descubrí que bueno o malo, ridículo o no, el álbum tenía un sonido propio, sólido y original en su particular manera. Y bueno, desde el inicio con Kitty (video) y sus tranquilos versos, el disco tiene su encanto. Varios riffs y ritmos me hicieron regresar más pronto que tarde y resulté concluyendo que se trataba de buena música amigable, así que escribo esto para hacerle justicia al álbum y reconocer que detrás de esas básicas canciones tocadas con una guitarra de tres cuerdas, un bajo de dos y una batería sin toms de aire, se encontraba un curioso ejemplo de composición musical y de interpretación rock.

El disco es una pequeña roquita, fácil de entender y contagiosa. A partir de Stranger se revelan sensibilidad musical y legítimas ganas de cantar y jamear. Sigue Boll Weevil, tal vez mi favorita entre todas. Uff! Allí empieza un gran momento del álbum pues sigue el hit Peaches y el alcance de tan pocas cuerdas disponibles. Dune Buggy, la divertida versión de We´re Not Gonna Make It y la de la legendaria Kick Out The Jams (original de MC5), la contagiosa y más larga de todas Body, la folk-rockera Back Porch, la cómica Candy con su sollado intermedio, y el remate con la sincera Naked and Famous, en la que aparece como invitado Kim Thayil de Soundgarden haciendo sus leads (acreditados como "guitar noodles") quien es cercano a la banda, en parte por que los Presidents son de Seattle. En cualquier caso...

Feliz aniversario!



(Ojo a Letterman cuando presenta el disco en vinilo...)

Sublime with Rome - "Wherever You Go"

Años después de la muerte de Bradley Nowell, los dos integrantes sobrevivientes de Sublime, Eric Wilson y Bud Gaugh se unieron con el guitarrista y cantante californiano Roman René "Rome" Ramírez, y lanzaron el album debut de Sublime with Rome, Yours Truly (2011). Ahora, acaban de estrenar su segundo álbum Sirens con el experimentado Josh Freese en la batería.

Del video no había mucho que esperar, de la música, no sabemos todavía. No obstante, aquí está Wherever You Go.

Unknown Mortal Orchestra - "Multi-Love"

Esto es Multi-Love, lo último de Unknown Mortal Orchestra (la banda de pop experimental de Ruban Nielson de The Mint Chicks) el primer track de su reciente álbum del mismo nombre.

Vaadat Charigim - "Ein Nehama Ladoachim"

Vaadat Charigim es una banda de noise pop y shoegaze israelí. No han estrenado videos para su nuevo álbum Sinking As a Stone, entonces les compartimos este viejito.

Rey Azúcar - Vigésimo Aniversario

En 1995, cuando Los Fabulosos Cadillacs cumplían su primera década de existencia y acontecía la gloriosa (o decadente) explosión alternativa de los años noventa, la legendaria orquesta argentina concibió Rey Azúcar, una obra única e irrepetible, impulsada por su clásico estilo e influencias, pero con miles de detalles y sorpresas que le dan el estatus de obra maestra, o álbum de culto.

Siguiendo el camino de otras bandas y artistas como Todos Tus Muertos y Mano Negra, que poco antes habían consagrado comercialmente álbumes de fórmulas propias que fusionaban ritmos latinos con las tendencias pesadas y alternativas del momento, además de un considerable contenido socio-político, un vasto instante de luz y oscuridad golpea a los Cadillacs, logrando poner en marcha una brillante producción musical con un alcance posiblemente subvalorado. Ahora, aunque para ése momento ya eran súper estrellas (al menos en Latinoamérica), era perfectamente natural escuchar lo nuevo de los Cadillacs en la radio, pero a medida que pasó el tiempo, Rey Azúcar continuó creciendo fuerte, interesante y sorprendente, muchísimo más allá de un álbum con algunos temas populares.

Al principio me parecía muy ecléctico y no me gustaba que después de una joya hardcorera como Las Venas Abiertas de América Latina (video) (inspirada en el libro del uruguayo Eduardo Galeano de donde sale el nombre del álbum) continuara una canción como Reparito. De hecho, fue el estilo hardcore que se hizo evidente en los Cadillacs a partir de Quinto Centenario (estrenado en la recopilación Vasos Vacíos de 1993), aportado en principio por el bajista Flavio Cianciarulo, lo que me hizo simpatizar con los Cadillacs, más allá de los éxitos que canté en la adolescencia con mi generación. Así, temas como Paquito fueron mis consentidos por años. Pero poco a poco fui desarrollando un vínculo especial con cada uno de sus temas, por ejemplo Miami (donde fue grabado el disco), una hermosa crítica ska-pop a Babylon, con una línea de bajo exquisita, las esforzadas notas altas de Vicentico en la voz y unos segundos de punk que elevan la dinámica de la canción.

(Los Cadillacs en la época)

Estrella de Mar me costó mucho trabajo entenderla, con su infantil riff de teclado inicial siempre tuve problemas, pero hoy en día la sencilla melodía de vientos y el poderoso coro están rayados en lo más profundo de mi cabeza, y ahora la reconozco como magnífica. Por cierto, en ésos coros se escuchan las voces de Deborah "Debbie" Harry (la hermosa cantante de Blondie) que los acompañó en la acertadísima versión de Strawberry Fields Forever de los Beatles (video), y de Tina Weymouth, quien fuera bajista de (nada más ni nada menos que) los Talking Heads, y quien junto a su esposo Chris Frantz (baterista de Talking Heads), produjeron Rey Azúcar, lo cual explica muchas cosas sobre todas las maravillas del álbum (al menos a mi), teniendo en cuenta la experiencia que estos dos adquirieron en su primera banda, que son una leyenda del new wave, por su propuesta de música del mundo, de ritmos y atmósferas extrañas, con la consabida genialidad que los caracteriza.

Por otro lado, muchas si fueron favoritas desde entonces, Mal Bicho por ejemplo... ¿Qué decir de tremenda canción? (no encontré el video, aparentemente bloqueado por infracciones a derechos de autor...) Aunque escucharla desprevenidamente puede resultar aburrido por tanto que ha sonado, una revisión precisa a sus detalles es otra cosa. Por mencionar alguno, el pequeño aporte de Mick Jones (guitarrista de The Clash) en voz. La influencia de The Clash en los Cadillacs ha sido revelada explícitamente muchas veces, como en las versiones de Revolution Rock y Guns Of Brixton, pero creo que este detalle en Mal Bicho fue una manera muy sutil y fina de celebrar esa influencia.

La poderosa Carmela, la alegre Raggapunkypartyrebelde, Padre Nuestro, Saco Azul, favoritas por siempre. Pero la sorpresa más reciente del Rey Azúcar fue el dub de Ciego de Amor, cuya música sirvió de pista para que el otro gran invitado, el vocal jamaiquino del Dancehall Big Youth, hiciera un hermoso aporte vocal en Queen Of The Ghetto (la que llama mi atención desde hace un tiempo y hasta la actualidad), así como al inicio de Raggapunky, y al inicio del espectacular cierre con No Pienses Que Fui Yo.

Por tantas razones Rey Azúcar es uno de los mejores ejemplos del rock latino y uno de mis consentidos de siempre.

Feliz aniversario!

Post - Vigésimo Aniversario

Otra que la saca del estadio en 1995 es la islandesa favorita de las masas, Björk. Si bien había hecho su extraordinario Debut un par de años antes, en su segundo álbum logra un nivel inesperado en términos artísticos. Ya con absoluta confianza en el poder de su voz y aliada de nuevo con el experimentado Dj inglés Nellee Hooper (ex-Wild Bunch), regresan para crear la obra maestra de su ya amplia discografía.

Aunque en principio se funda en el mismo principio del antecesor, Post tiene tantos detalles en música y producción que por meses hizo que olvidáramos todo que había hecho antes. Claro que tiene el entonces en boga estilo trip-hopero, pero esta vez llevaron la electrónica a diferentes estadios, que van desde el industrial hasta el ambient, lo cual lo hace exquisitamente variado si además le sumamos los otros episodios acústicos y folk propios de Björk.

Ahora, la avanzada audiovisual continuó con fuerza. Venciendo inclusive al prolífico en clips The Bends ése año, Post está escoltado de seis excelentes videoclips que a través de tus ojos y oídos te revelan la vasta riqueza de este álbum. Todo empieza con la poderosa Army Of Me (video por Michel Gondry); sigue con la gloriosa y adorada por la crítica Hyper-Ballad (video por Gondry), la ecléctica It´s Oh So Quiet (video por Spike Jonze), la preciosa Isobel (video por Gondry), la trip-hopera Possibly Maybe (video por Stephane Sednaoui), y finalmente, la excelente I Miss You (video por John Kricfalusi).

Creo que estas seis piezas audiovisuales ya hacen un aporte digno de reconocimiento. No obstante, no puede quedarse sin mención Enjoy, una de mis favoritas que fue producida entre ella y Tricky, otro gran jugador de la época.

Muy fácil de digerir, Post entra con mucha facilidad logrando conectar contigo inmediatamente a través de todos sus temas, los cuales muestran talento tanto en música y producción, como en composición de temas con vocación masiva. Creo que no volveremos a encontrar una pieza tan singular y hermosa como esta en décadas. Por siempre, uno de mis favoritos de todos los tiempos y de los noventa, mis respetos al Post de Björk.

Feliz aniversario!

Crocodiles - "Echando Desmadre"

Este es el dúo de noise pop de San Diego Crocodiles, quienes promocionan su nuevo álbum Boys con Echando Desmadre, una versión en castellano (mejicano) del tema Foolin´Around.

Muse - "Mercy"

El video para Mercy, el segundo sencillo del recién estrenado álbum de Muse, Drones.

Michael Rault - "Nothing Means Nothing"

Escuchando esto noto una positiva influencia de The Beatles. Esto es Nothing Means Nothing, lo nuevo del canadiense Michael Rault y su reciente álbum (uno de tantos estrenados el pasado 5 de mayo) Living Daylight.

Christina Rosenvinge - "Alguien tendrá la culpa"

¿Recuerdan a Christina y los Subterráneos? Pues Cristina (Rosenvinge), la cantautora española de ascendencia noruega nunca paró de hacer música y esto es de su reciente álbum Lo Nuestro. En los coros se nota una influencia fuerte de PJ Harvey y su último disco Let England Shake.

The Helio Sequence - "Upward Mobility"

The Helio Sequence es otra de las bandas de Sub Pop, activa desde 1999 y próxima a estrenar su sexto álbum. Este es el video de Upward Mobility.

Muse - "Dead Inside"

Aunque ya no son la banda de la que muchos se enamoraron hace una década, melódicamente Muse sigue siendo muy poderoso. Ahora, el clip es un revuelto raro de cosas. Qué les recuerda?

Doldrums - "Loops"

Esto es Loops, un tema del álbum The Air Conditioned Nightmare (2015) del compositor y productor canadiense Doldrums (Arick Woodhead), otro interesante artista de Sub Pop. 

Clarence Clarity - "Those Who Can't, Cheat"

Clarence Clarity es un músico inglés que ha sorprendido bastante a la audiencia con su sofisticado pop electrónico de tendencia funk y psicodélica. Aquí esta Those Who Can´t, Cheat, excelente tema y videoclip de su reciente álbum No Now.

NIHIL - Vigésimo Aniversario

KMFDM es uno de los proyectos de industrial que mejores logros alcanzó en los años noventa. Después de una década de trabajo y de siete discos lanzados independientemente, es con su octavo álbum NIHIL que finalmente terminan de darle forma a su propuesta, pasando de ser un show alternativo que mezclaba dance con riffs y punteos metaleros, a una respetada banda del underground por su original propuesta y estilo comprometido con la causa.

Aunque radicados por años en Chicago con el apoyo del sello disquero independiente Wax Trax!, KMFDM son alemanes, al menos la mayoría de los músicos que allí participaron y en especial el líder, fundador y único integrante original actual Sasha Konietzko, lo tiene un efecto determinante en su sonido, que muestra una tendencia de club electrónico europeo, por lo cual se diferencian fácilmente de colegas como Ministry, White Zombie, Nine Inch Nails, entre otros.

Si bien ya se habían abierto paso y llamado la atención con algunos temas como Godlike (con el sample del riff principal de Angel Of Death de Slayer) y A Drug Against War, considero que el NIHIL es su primer gran álbum en donde se les escucha en un nivel alto, de principio a fin, con detalles exclusivos de producción y una amplia vocación comercial. Además, está lleno de sorpresas, como voces femeninas, trompetas, la monstruosa guitarra eléctrica de Günter Schulz, y por primera vez en sus discos, batería en vivo a cargo del maestro William "Bill" Rieflin (baterista de Ministry entre 1986 y 1996), lo que lo hace muy real, superior a los usuales beats electrónicos con los que usualmente se defiende KMFDM.

Así las cosas, el disco es una maravilla del género pero individualmente se pueden encontrar también maravillas particulares como las demoledoras Ultra, Flesh (tal vez mi favorita), Brute, las contagiosas Beast y Revolution (sensacional), Search and Destroy, Trust, el discurso de Terror y finalmente, su tema más famoso y favorito de las masas Juke Joint Jezebel. Gran álbum.

Feliz aniversario!

Prefiero mil veces los álbumes sobre los shows en vivo de KMFDM, pero de todas formas esto da una idea clara de como era la dinámica detrás de los discos.

Daniel Johns - "Aerial Love"

Novedades desde Australia: Esto es Aerial Love, del reciente Ep del mismo nombre, donde vemos a Daniel Johns (vocalista y guitarrista de Silverchair) explorando otros estilos.

The Bends - Vigésimo Aniversario

Por Santiago Rivas.

Es difícil creer que fue hace 20 años cuando me encontré por primera vez con Fake Plastic Trees o con High And Dry. Dudo que hubiera sido capaz a mis trece años, de trazar una línea entre esos momentos de asombro, viendo MTV Latino y el fenómeno en que luego se convirtió Radiohead. Era predecible, pues de lejos es la banda más importante de los años noventa y parte de los dosmiles, pero jamás hubiera podido predecir hacia dónde iba su sonido, que es lo que finalmente siempre me ha intrigado. 

1995 fue un año definitivo para el llamado Britpop, por cuenta de la aparición de varios álbumes cruciales, que dividieron esta denominación de origen en al menos cuatro líneas de sonido, muy distintas entre sí. Por un lado están Blur y Oasis, que ese año lanzaron The Great Escape y (What’s The Story) Morning Glory respectivamente. No muy lejos se encuentra una serie de grupos menos comerciales, pero igualmente respetados, como Supergrass y The Verve, que en 1995 lanzaron sus álbumes I Should Coco y A Northern Soul. Por el otro está Pulp, que ese año sacó A Different Class, liderando la corriente “alternativa”, que siguieron otros grupos como Elastica, que ese año lanzó un “one hit wonder” y su álbum autotitulado.

Y en otro lado completamente distinto, estaba Radiohead, a quien muchos periodistas quisieron inscribir como miembros del archifamoso Britpop y algunos incluso quisieron meter en la movida del Trip hop de Bristol, por su sonido sombrío y pesimista. Con el tiempo, todos nos daríamos cuenta de que Radiohead es un género en sí mismo, que no requiere de ningún tipo de validación al interior de una u otra escena, porque ellos supieron con el tiempo ponerse muy por encima del mercado.

Ninguna de estas nociones, sin embargo, subsistían en mi cabeza adolescente, cuando oí cada una de las canciones de The Bends. Solo existía la sensación de estar presenciando algo muy grande. Seguramente tuvieron que pasar un par de años para que pudiera oírlo completo, porque mis recuerdos de ese 1995 están todos reunidos en los videoclips que veía en MTV: High And Dry (en esa época todavía sacaban hit singles), Fake Plastic Trees, Street Spirit, Just y My Iron Lung, si mal no recuerdo. Son bastantes canciones, igual, muchas más de las que ahora ofrece cualquier artista al mercado. Radiohead era irrefutable. Así de simple. No era solo que mis amigos y yo fuéramos adolescentes de semblante pálido y vestimenta rigurosamente negra, ni se trataba de un boom, como si lo fueron tantos otros; no era un compromiso político ni visual el que nos unía a esta banda. Radiohead tenía línea directa con nuestro cerebro, era una forma de educación afectiva (luego sabremos si perjudicial o benéfica, pero yo me inclino por la segunda) y, tratándose de uno de los primeros grupos que quisimos con el alma, la puerta de entrada a muchas cosas que tal vez aún estemos terminando de digerir.

Desde el sonido inicial de “Planet Telex”, que parece venir del fondo de algo, que no se sabe si está ahí, hasta la frase “immerse your soul in love”, que cierra el álbum, se trata de una obra maestra. Si les parece que estoy exagerando, háganse el favor de oírlo en orden. Cada canción importa y cada una suena diferente. Cada una de ellas tiene al menos una frase que hace erizar los pelos y se conecta con algo que está en el fondo de nosotros.

No se trata de ninguna forma convencional de rock, porque todo el peso de Radiohead está puesto en el contenido, no en el fondo. Es decir, la música es una herramienta a través de la cual Thom Yorke, Jonny Greenwood, Colin Greenwood, Ed O'Brien y Phil Selway hablan de lo que tienen adentro. De lo que tenemos adentro. Con los años, este punto se probaría cierto, porque son muchos los cánones que han utilizado. Han hecho música muy cercana al jazz, han programado beats, han explorado sonidos electroacústicos y han sabido extraer de sus instrumentos cada sonido, cada tono, timbre y color que alguna vez hayan necesitado para hacer lo que hacen. El asunto con Radiohead jamás será si nos gusta o no, que puede pasar perfectamente; el asunto con ellos es que de verdad están suscritos a algo que es muy grande y muy relevante. Demasiado como para dejarlo pasar y por eso este artículo, que es un sincero homenaje a un álbum que todavía no produce nostalgia, sino el mismo asombro de siempre. Larga vida a Radiohead.

 

Por Ricardo Guerrero.

 

Con Radiohead es particularmente difícil referirse a uno de sus álbumes sin inmiscuir su relevancia general (construida ya por un cuarto de siglo), pero haré un esfuerzo. Entonces, en ése primer semestre de 1995 se notó un evidente paso adelante después del discreto Pablo Honey (no solo en términos sónicos sino también visuales), pero nunca pensé que además de la excelente recepción crítica y comercial que merecidamente recibió The Bends, año tras año fuera ampliando su sentido a medida que la banda continuaba la avanzada artística que han estado impulsando desde entonces.

 

El caso es que lo bonito de su segundo álbum, además de la exquisita experiencia sonora que provee, es recordar la época en que Radiohead era solo una gran banda de rock conquistando el mundo con los trucos del momento, que básicamente eran temas con magnífico sentido melódico y amplia vocación popular, además de la vasta tanda de cinco videoclips para un álbum solo igualada por Björk para el Post (Bueno, al final gana The Bends porque High and Dry tiene dos versiones, una para Estados Unidos y otra para Inglaterra).

 

Sobre su sonido puedo decir que me resultaba básico. En 1995 no tenía suficiente entrenamiento para ser consciente de la calidad de sus temas ni la solidez de sus discos, de los acercamientos a los breves experimentos sonoros con algunos efectos que predecían próximo paso de la banda, ni la atmósferas generadas con tantos detalles sonando al tiempo. De hecho, me parecía que tres guitarristas al tiempo era una exageración. Sin embargo, la atracción generada por sus cinco sencillos hicieron de The Bends un disco muy fácil de escuchar, lo cual efectivamente pasó una y otra vez, mostrando nuevos viajes en cada oportunidad, hasta elevarse hasta la leyenda de música popular que es hoy. Al respecto señala Stephen Thomas Erlewine de Allmusic:

"[...] But what makes The Bends so remarkable is that it marries such ambitious, and often challenging, instrumental soundscapes to songs that are at their cores hauntingly melodic and accessible. It makes the record compelling upon first listen, but it reveals new details with each listen, and soon it becomes apparent that with The Bends, Radiohead have reinvented anthemic rock."

Al respecto del sonido vale la pena anotar que The Bends fue producido por John Leckie, un aprendiz de ingeniero de los Abbey Road Studios (posteriormente, estudios EMI) que creció inmiscuido en lo más grande de la historia de la música popular de su país en mi adorada segunda mitad del siglo 20. Ahora, aunque Radiohead se casaría en adelante con el ingeniero de The Bends, ("el sexto integrante" Nigel Godrich), para expandirse hacia lo que conocemos hoy en día, este álbum muestra un balance interesante entre el potencial de una joven banda inglesa que no podía contenerse, y la clásicamente-entrenada mano de Leckie.

Sobre el trabajo visual todo parecía indicar que se trataba tan solo de un buen aprovechamiento del material sonoro para inspirar unos videos. Claro, a partir de OK Computer en adelante, quedó claro que Radiohead también tenía una propuesta en este sentido. El caso es que en una época dorada para el videoclip como lo fueron los años 90, tener clips memorables merece reconocimiento porque había demasiados. Y bueno, siendo todos sus clips excelentes, muero por lo que logró Jamie Thraves con Just y Jonathan Glazer con Street Spirit (Fade Out), que son hoy en día favoritos personales del género.

Entonces no me queda mucho por agregar, además toda esta apreciación esta muy marcada por una fuerte conexión que logré con Radiohead a quienes recuerdo haberme traído al nuevo siglo en la alfombra mágica que fueron Kid A y Amnesiac. Pero el punto es que amo a The Bends como a la banda misma y de vez en cuando, cualquier sonido del día armoniza con el latente recuerdo de alguno de sus temas y me encuentro cantando solo alguna fracción de la pieza sólida de 48 minutos y 33 minutos. Generalmente es el coro de la misma The Bends "Baby´s got The Bends, we don´t have any real friends..." o el de Sulk, una de mis predilectas de la banda.

Entonces, aún habiendo sido desplazado del trono con la contundencia con que lo hizo poco después su hermano menor OK Computer, mis respetos y admiración a esta maravilla.
Feliz aniversario!
 

Muse - "Dead Inside" [Official Lyric Video]

Que ahora si Dead Inside, el primer sencillo del Drones de Muse.