Soup - Vigésimo Aniversario

Por Santiago Rivas. 

"Soup, 20 años después"

Cuando salí de Discos La Rumbita, aún no sabía pensar de ese disco que había comprado. Soy un comprador compulsivo. Siempre lo he sido, incluso en esos días en que tenía la poca plata que puede tener un niño de clase media a sus 13 años. Simplemente tenía ganas de gastarme esos veinte mil, que no recuerdo de dónde llegaron, en algo de música. Había en la Bogotá de los 90 tiendas de música especializadas en todo, en donde los vendedores podían sentarse a contarte de qué iba cada uno de los discos, cada uno más exquisito que el otro. Pero mi afán no me daba para esperar un día más, o dos. Yo simplemente caminé las tres cuadras que separaban la tienda de discos más cercana de la casa de mi abuela, buscando un nuevo CD para poner esa noche en el equipo de la casa.

Afortunadamente, esa compulsión casi siempre ha estado amparada por una buena dosis de intuición. Cuando vi la portada (un hombre con barba tomando sopa de letras, foto en picado con paleta de colores clásica del rock alternativo) entre tantas cosas que no me gustaban y tantas otras que no me convencían, fue el único disco que no solté. Ya había visto por MTV los videos de sus dos singles, “Galaxie” y “Toes Across The Floor”; di un repaso por cada una de las canciones, sin detenerme demasiado. Volví a hacerlo y tomé la decisión, sin pensarlo más. Esa noche oí el Soup, segundo álbum de Blind Melon, dos o tres veces. Había dado en el blanco —menos mal, porque no tenía plata casi nunca—. Con el tiempo se perdió el disco, no sé si lo regalé o lo vendí para poder comprar uno de industrial. Pero recuerdo todavía esa primera noche, cada vez que lo oigo completo.

Es un disco bastante más oscuro que el primer álbum de la banda. Habían pasado de ser unos hippies que tocaban en un campo de flores amarillas, a tener una imagen más acorde con el espíritu oscuro del alternativo noventero, empezando por Shanon Hoon, su vocalista, que del pelo largo liso y los jeans bota campana pasó a maquillarse los ojos y hacerse el pelo a lo rockabilly. Ni siquiera tendría que estar mencionando este cambio: dos meses y seis días después de la publicación de su segundo álbum de estudio Hoon fue encontrado muerto por una sobredosis de cocaína. Pero eso no importaba cuando grababa sus videos en mi VHS, mucho menos cuando daba la cuarta o quinta vuelta al Soup, que me acompañó por algunos años.

El sonido, en términos generales, no es muy distinto del que lograron en el primero, autotitulado. Sincronía y juego entre las dos guitarras, una batería bastante sencilla, casi tirada hacia la elocuencia, y juegos con el bajo que cada tanto sorprenden. A veces más rockeros, a veces más alternativos, a veces más hippies; Shanon Hoon cantando a veces habla y pregona, a veces alcanza notas bastante altas. Van de un compás al otro, sin pelear. Entre “Galaxie” la primera canción y “Car Seat (God’s Presents)”, hay una distancia de varias bandas. Y sin embargo se mueven. Van del bluegrass al funk, al postpunk, al sonido indefinible de su década (nuestra década). Se les reconoce porque son versátiles y talentosos, lo que hace aun más triste que hayan desaparecido con la muerte de su cantante. O bueno, regresaron en 2008, pero esto casi cuenta como un dato curioso. Vamos a las canciones.

(Blind Melon en la época)

Galaxie empieza con una declaración, que en resumidas cuentas es una despedida. Al menos así lo parece, por la muerte de Hoon. Pero tiene sentido esto que les digo. Luego viene una canción que de ninguna manera recuerda al Blind Melon que todos conocíamos. Más fuerte, más oscuro, más sensible, incluso. Más honesto, pero eso es común en un segundo álbum (recordemos: Siamese Dream, Surferosa, Nevermind, etc. ).

El riff que abre “2x4” es precioso. La canción, de hecho, es preciosa. Tiene picos y valles, y solos de guitarra con sus armónicos completos. Dialogan la voz y las guitarras, el bajo acompaña. Pasa de la calma a cierto tipo de euforia, usan el trémolo, puntean y rasgan. Es una canción muy completa, de verdad. Mi favorita del álbum, si eso les importa. Para oírla varias veces hasta que es completamente distinta de esa canción que oyeron la primera vez.

“Vernie” es una canción más tranquila (con ritmo en 3/4). Robusta, en la medida en que todo suena al tiempo, como en el rock de los setenta. Es una colaboración. No sé cómo habrá sido hecha, pero parece compuesta en conjunto. El ritmo es lento, pero todos los instrumentos funcionando al tiempo la hacen una canción poderosa. “Skinned” tiene el espíritu folk de Blind Melon completamente vivo. Suena un banjo, las guitarras acústicas y el espíritu de carretera de la música del sur y el medio oeste de los Estados Unidos. La letra, por supuesto, habla de alguien que hace objetos de pedazos de humanos (Ed Gein). Ay, los noventa…

“Toes Across The Floor” es perfecta. La canción arranca con un arreglo, se suelta luego, en una descarga. La letra habla sobre se mismo proceso, de cómo alguien va perdiendo la calma. El video, incluso a pesar de la actuación desastrosa del baterista, es excelente. Luego viene “Walk”, que recuerda el primer álbum, sin mucho optimismo pero con mucha armónica. “Dumptruck” pasa de sonar como una canción de bar de motociclistas, a tomar el ritmo alternativo. Se nota que lo disfrutan; tiene momentos como de Red Hot Chilli Peppers, tiene momentos como de Jane’s Addiction, pero es Blind Melon siempre. No podría explicarlo mejor. “Car Seat (God’s Presents)” es una canción con una cadencia inusual. Parece un tango a ratos, pero usa grabaciones de voz distorsionadas, y un violín que va con el ritmo sureño. Hermosa canción.

“Wilt” tiene esas notas del campo americano que luego serían perfeccionadas por Jack White. Es una canción folk, con todas las variaciones y arreglos correspondientes a una banda como Blind Melon, pero teñida por un pesimismo tan de su época, que es irrefutable. “The Duke” es otro gran tema alternativo, un poco sicodélico, un poco folk, un poco rock. En seguida llega “St. Andrews Fall”, que es una canción simple al comienzo, que va volviendo cada vez más esquizoide. Ciclotímica, podemos decir. Muy bonita, claro está, pero de un altísimo nivel de tribulación.

“New Life” va progresando hacia un sonido más denso, más rápido, más desesperado. Y así, progresa hacia dos canciones en las que la voz de Shanon Hoon va derivando hacia la de Janis Joplin, cada vez más agudo y más carrasposo. “Mouthful Of Cavities” y “Lemonade” cierran este álbum. Llegan las trompetas, como al comienzo, y el aplauso. Es un trabajo redondo, lleno de sonidos. Es un disco como todos los de su generación, inquieto y disperso y caótico y sufrido. Lastimosamente tan sufrido, que después de eso solo vinieron álbumes póstumos y un trabajo sin mayor bombo. Puede que Def Con Dos tenga razón y haya que odiar a los mártires del rock, pero debemos reconocer que siempre dejan algo maravilloso a su paso.

Feliz aniversario!


El concierto en el Metro de Chicago es magnífico y se puede observar todo aquí

Strange Wilds - "Pronoia"

Recientemente Sub Pop lanzó Subjective Concepts, el álbum debut de los Strange Wilds, una nueva banda de Seattle con el sonido grunge clásico.

Aguanta.

Bully - "Trying"

Desde Nashville salió Bully, una banda con nostalgia noventera. Esto es Trying, de su reciente álbum Feels Like.

Soundgarden - "Night Surf"

Para su reciente colección de rarezas Echo of Miles, Soundgarden rescata Night Surf, audiovisual que hiciera las veces de introducción en los shows de la gira Superunknown de 1994.

Semana Trampa Film Fest - "Hype!" (1996)

Hype! relata la explosión y la explotación de la escena grunge en Seattle. Basado en un excelente trabajo de investigación, este documental narra el génesis, el desarrollo y por supuesto la decadencia de este legendario género que quedó en la historia para bien y para mal, como el vehículo con el cual lo underground se popularizó.

Este trabajo fue el debut del realizador Doug Pray quien acertó estrenándolo en 1996 (festival de cine de Sundance), justo en el momento en que la llama del grunge estaba a punto de extinguirse para siempre, pero además, cuando la memoria de los involucrados estaba fresca y el tema continuaba vigente. Por esta razón, Hype! es uno de los documentales más pertinentes sobre el género.

Frogstomp - Vigésimo Aniversario

Por Dick Johnson. 

 

Para el año 1997, es muy probable que nosotros, los hijos malditos de la década alternativa, no tuviéramos idea que más allá de nombres como AC/DC, Midnight Oil o INXS, existiera dentro del Oz rock un fenómeno llamado Silverchair. Poco a poco por los canales de MTV y MTV2, estaba abriéndose paso el Freak Show (segundo disco de la banda) y junto a los power riffs de canciones como Slave o Freak, muchos jóvenes ansiosos de sangre nueva encontramos en Daniel Johns el verdadero símbolo post-grunge que sin saberlo, estábamos buscando. Solo sería hasta el poder creativo de su tercer disco Neon Ballroom, que las comparaciones perezosas y tontas entre Johns y Kurt Cobain se detendrían y la banda obtendría la libertad para desprenderse de los noventas y contribuir a alimentar el legado del Oz Rock (Véase: Diorama y Young Modern, cuarto y quinto álbum)

Pero volvamos a 1995, cuando probablemente ni usted ni yo conocíamos estaba banda. Daniel Johns era un guitarrista tímido, sin mucho interés por figurar y mucho menos por cantar, pero cuyo talento para componer un rock alternativo emotivo y vigoroso le permitió junto a su banda ganar una convocatoria nacional australiana para grabar su gran éxito Tomorrow. Gracias a este reconocimiento nacional, Silverchair (antes "Innocent Criminals") obtuvo el apoyo y el tiempo para construir y diseñar ese poderoso renacuajo que reconocemos globalmente como Frogstomp. 

Sin alternativa vocal, Johns empezaría a desarrollar la que puede ser una de las voces más prolíficas y versátiles que tiene el rock and roll hasta el día de hoy (Ver: Aerial Love, su último single). Disco tras disco es notorio el enriquecimiento musical de la banda y de la voz de Johns. Sin embargo, el esfuerzo de grabar un disco a los 16 años con la actitud y la capacidad de Silverchair, es probablemente una de las mejores anécdotas/misterios de los años noventa. ¿Cómo pueden tres peladitos de 16 años componer uno de los mejores álbumes alternativos de una década?
 

(Qué tal esta juventud-casi infancia? De izquierda a derecha Gillies, Joannou y Johns)

 

Israel´s Son es la apertura a este viaje llamado Frogstomp. Una canción que define el power trío que daría estructura a la banda (hasta la llegada de Paul Mac hacia el tercer álbum y en adelante), y que no demuestra ningún temor para generar ruido e inclusive para escuchar los primeros pseudo-guturales del pequeño Johns. Tomorrow como buen single, viene en segundo lugar y antecede a la que es probablemente una de las mejores canciones de Silverchair hasta el día de hoy Faultline. Nunca fue particularmente relevante, pero dentro de la cosmogonía de la "silla de plata", no hay un solo fanático que no adore esta canción. Balada, soft rock, power rock hasta el final.

Lo curioso es que el disco apenas empieza y tantos otros temazos vienen en camino que pareciera que Frogstomp fuera un disco de grandes éxitos de una banda de dos décadas, en vez del debut de unos adolescentes. Pure Massacre, Shade, Leave Me Out, Suicidal Dream, Madman, Undecided, Cicada Findaway.....  baladas, soft rock, punk rock, power rock... que convierten a Frogstomp en un disco bandera de nuestra generación. Silverchair y la escasa edad de Johns, nos permitió a muchos contemporáneos sentir además enorme orgullo por la gran calidad musical que se puede producir en cortas edades.

 

No me pidan definir a esta banda pero en su primer disco ya era posible preveer que tarde o temprano serían mucho más que una banda de punk rock (o grunge) de los noventas. Y lo hicieron... desde Frogstomp hasta Young Modern, Silverchair la sacó del estadio, una y otra vez.

Frogstomp, feliz cumpleaños disco de puta madre!!!!

 

Above - Vigésimo Aniversario

Como la escena de Seattle se formó entre amigos y varios años antes que llegara la fama y lo devastara todo, en la época del grunge las colaboraciones entre bandas fueron muy comunes. Hubo dos particularmente famosas, primero, Temple Of The Dog, en donde integrantes de Soundgarden y Pearl Jam construyeron un álbum homenaje al temprano ídolo del género Andy Wood, vocalista y tecladista de Malfunkshun y Mother Love Bone quien muriera después de muchos problemas con la heroína.

El segundo gran álbum de colaboración del grunge fue Above de Mad Season (segundo en tiempo porque me gusta más que el Temple...).  Este proyecto de un solo álbum tuvo que ver con el proceso de rehabilitación por el que pasaron Mike McCready de Pearl Jam y Laney Staley de Alice In Chains. Según se lee en las entrevistas del momento, McCready, quien tuvo una exitosa recuperación de las drogas y el alcohol, aprovechó nuevamente su impulso creativo formando una excusa adicional para que algunos de sus amigos cercanos se mantuvieran sobrios, lo cual funcionó durante muy poco tiempo, ya que aún después del continuado éxito de sus propias bandas y de las excelentes ventas de Above, en 1999 muere el bajista John Baker Saunders y en 2002 Laney Staley, ambos con serios problemas de drogas. (Falta mencionar a Barret Martin, el baterista de Screaming Trees, otra de las bandas insignia del grunge, y cuarto integrante de Mad Season, que bueno, sigue vivo)

Entonces quedan dos cosas claras, primero, que Pearl Jam, principalmente Mike McCready y Jeff Ament, son de los pocos músicos activos actualmente que fueron parte del corazón del grunge. Segundo, que este género estuvo ampliamente influenciado por las drogas, que para tanto para bien y para mal, es una motivación importante, dirigida por oscuros procesos interiores mas que por toda la fama derivada de su éxito comercial. (Por cierto, Mad Season significa temporada demente, expresión inglesa para la época en que "florecen" los hongos de psilosibina, y que ha servido además para referirse a cualquier momento de la vida guiado por sustancias).

Ahora, lo importante de Above es que es uno de los perfectos álbumes de grunge. Si tuviera que escoger entre algunos pocos para definir en qué consistía el género, este sería uno de ellos. Rock emocionante y emotivo a punta de bajo, batería, guitarra y voz. Vale la pena revisarlo en su integridad, desde el el epectacular inicio con la triste y creciente Wake Up (mi favorita) hasta el elevado cierre Pearl Jamero de All Alone. Por allí está la perfecto-grunge X-Ray Mind, la desoladora River Of Deceit (video), I´m Above cantada a dos voces con Mark Lanegan de Screaming Trees, la cuota de blues con Artificial Red, el coro más exigido para la voz en la heavy Lifeless Dead, la básica y groovy I Don´t Know Anything (video), la delicada y con detalles de percusión Long Gone Day con Lanegan en la voz principal, así como el jam de grunge por excelencia November Hotel.

Feliz aniversario!

L7: "Pretend We’re Dead" - Documentary Trailer

Y el regreso de L7 viene con documental en proceso. Emocionante detalle de este trailer es que de fondo suena Fuel My Fire, temazo que fuera interpretado e incluido por The Prodigy en el cierre de su obra maestra, The Fat Of The Land.

Más información, aquí.

Pablo Naranjo - "Deserts"

Esto es Deserts, del album Here in the Distance del músico colombiano Pablo Naranjo. Este es uno de los temas del disco que recuerda algo de su trabajo años atrás con la banda Séptimo Aposento. El video fue dirigido por Sebastián Ávila.

Vitalogy - Vigésimo Aniversario

1994 se estaba acabando, pero el lanzamiento de maravillas continuaba. El 22 de noviembre, estando en pleno pico de popularidad, Pearl Jam estrena Vitalogy, su tercer trabajo discográfico que se mantiene como uno de los definitivos de ése año y de la banda. Vale la pena anotar que en una época donde el disco compacto era la ley, este álbum salió al mercado en vinilo. Esto es solo un pequeño detalle entre todos los cambios por los que atravezó la banda en el momento, que es un claro antecedente de este furor actual alrededor de clásico formato de los larga duración. Y bueno, además del vinilo, el punkerillo primer sencillo, Spin the Black Circle.

Como Vs. es mi favorito de Pearl Jam desde entonces y con Vitalogy hubo un cambio de enfoque importante, me costó mucho tiempo encariñarme con este álbum. El primer aspecto perceptible de este cambio fue la disminución en el protagonismo de los guitarristas Gossard y McCready, cuyo aporte melódico (generalmente en forma de leads (punteos) y solos frecuentes) sobre el espíritu animado de sus primeros dos trabajos, fue reemplazado (ni siquiera balanceado) por un sentido rítmico básico, que hacía la presencia de una de las dos guitarras prácticamente innecesaria. A su vez, el destacado estilo del baterista Dave Abbruzzese también se vio afectado, ya que el tipo debió concentrarse en su punch (golpe), pues el margen de acción que había tenido hasta el momento para brillar con su destreza adicional, se vio reducido considerablemente. Estos cambios en el sonido de la banda los sentí como un paso atrás.

También me llamó la atención que no se hubiesen hecho videos para ninguno de sus temas, pues esto limitó el impacto de sus sencillos en una época donde MTV era la principal fuente de información en materia musical. Aunque lo siguiente no me afectó personalmente (pues con mucha determinación logré verlos en vivo 19 años después...) la "roobin-hoodezca" queja contra Ticketmaster por conductas monopólicas en el mercado de las entradas a conciertos, presentada en el primer semestre de 1994, durante la gira del Vs. (donde Vitalogy fue concebido), les costó varios meses de reducida exposición en vivo, por no poder presentarse en los grandes escenarios que necesitaban para su multitudinaria audiencia, ya que eran aliados de la acusada. Más información sobre esta etapa, aquí.

 (Pearl Jam con Dave Abbruzzese (en la mitad) quien fuera el baterista desde 1992, hasta su despido poco antes de terminar la grabación de Vitalogy)

Conforme pasaban los años, descubrí que el Vitalogy guardaba una poderosa emoción que lo destacaba del grunge de antaño, y que compensaba todo lo que a primera escuchada me había faltado. Como una especie de soul que te conmueve, y que demuestra un ánimo de trascendencia además de la mera habilidad para componer canciones. Ahora, aunque hubo un cambio de dirección musical, el rock puro seguía siendo la fórmula de Pearl Jam, así que finalmente sucumbí ante el poder del Vitalogy, como otros tantos miles de fans alrededor del mundo.

Mucho después, cuando vi el documental PJ20 (2011) de Cameron Crowe, entendí como, justo en el tiempo que precede al lanzamiento del Vitalogy, Eddie Vedder deja de ser el cantante californiano con el que los pioneros de Seattle intentaban una nueva banda post-Andrew Wood (y Mother Love Bone), para tomar el control como líder de la banda. Con el sentido de responsabilidad que lo caracteriza, (y también con la guitarra al hombro) Vedder propició cambios a nivel musical y de comunicación, determinados por una serie de situaciones incómodas en las que se vieron inmersos, que incluyen haber sido el foco del atención de ridículo mediático que la industria americana propició alrededor del grunge con fines comerciales, hasta la entonces reciente muerte de Kurt Cobain.

Así las cosas, en Vitalogy se encuentran las primeras muestras claras de influencias punk en la banda, y a partir de allí uno asocia a Pearl Jam con una idea de rock stars con sabiduría. Para bien o para mal, esta actitud los ha mantenido sanos y vigentes hasta la actualidad como estandartes de la gloria del siglo 20, lo cual no es nada despreciable. Vitalogy fue un sacudón de la demencia de la época, a partir del cual asumen la fama con más estrategia, retomando los principios underground, y disfrutando de la idea de hacer música.

Feliz aniversario, oh gran álbum de rock !

Stoner Witch - Vigésimo Aniversario

Después del magnífico Houdini de 1993, regresan los Melvins con su séptimo álbum (y segundo de tres en Atlantic Records) para seguirla sacando del estadio.

Parte del encanto de Melvins es su sonido y actitud independiente que los ha mantenido vinculados por treinta años al underground. Esto se evidencia en todos sus trabajos, que generalmente enfrentan, en momentos específicos, tu noción de disco de rock, ya sea recargándose en el ruido, en el volumen, en ritmos complejos, o en extensas duraciones. Ahora bien, Stoner Witch es el álbum más (o al menos uno de los más) accesibles de la banda, por una marcada aproximación melódica en todos los temas, tanto rockeros como experimentales, muy acorde con la tendencia del momento. Así las cosas, para bien o para mal (pues siempre hay quien condene estos picos de tendencia comercial en bandas de esta categoría), Stoner Witch es una de las piezas claves y definitivas de esta leyenda del metal alternativo americano, donde emplean todos los trucos musicales que los caracterizan, pero con un atractivo sin precedentes y sin contendor en su amplia discografía.

Describe Patrick Kennedy en la reseña para Allmusic:

"The early to mid-'90s proved the Melvins' golden age, and the three principal albums from that period -- Stoner Witch provides the centerpiece -- are virtually unassailable in their range, depth, power, and experimental courage. [...]"

Durante los primeros diez minutos Skweetis, Queen (video), Sweet Willy Rollbar y Revolve (video), el disco es sencillamente irresistible. Del quinto track en adelante, fluye más clásicamente, con excelentes sorpresas como por ejemplo la sollada, heavy, sludgy y épica At the Stake, la harcorerita June Bug, y el exquisito cierre con Lividity. En la tarea de construir esta belleza ayudaron bastante el productor GGGarth, y Mark Deutrom, el bajista que los acompañó durante "the Atlantic years" reconocible de inmediato por su sombrero vaquero.

Feliz aniversario!

 
Excelente show en televisión, donde se ve a la banda dejándose llevar por el boom comercial del grunge y de la música alternativa.

Queens of the Stone Age - En Vivo - Bogotá D.C. 7-X-2014

Finalmente, llegó el día del esperado concierto de Queens of the Stone Age en Bogotá, así como el de compartir algunas apreciaciones sobre el evento, que en términos generales fue muy bueno.

En primer lugar, en el creciente mercado del entretenimiento en el país, y la correspondiente oferta de artistas internacionales que se amplia día a día, es importante anotar de entrada, que la banda (o proyecto) conocida como QOTSA tiene una relevancia especial entre tantas propuestas del momento. El primer aspecto por la cual es relevante es por trayectoria. Teniendo en cuenta que QOTSA fue formada antes del año 2000, y que su líder Josh Homme tenía para ése entonces una respetable reputación construida como guitarrista de Kyuss (una de las bandas definitivas del stoner metal), Queens of the Stone Age es calidad de la vieja escuela. Haber sido un proyecto criado en el siglo 20, se nota en su propuesta artistica de manera muy positiva.

El segundo aspecto por la cual es relevante QOTSA es por vigencia, ya que a más de un año de haber sido lanzado, hay un consenso generalizado entre crítica especializada y el público en general, sobre el ...Like Clockwork como uno de los álbumes de rock más importantes de la historia reciente (si no el más...). Entonces, la gira que estábamos viendo, no era de viejos éxitos de radio, era del mejor rock actual. (Casi lo tocan completo, faltaron Eyes.., Vampire.. y Kalopsia.)

Finalmente, según mi romántico criterio sobre el tema, QOTSA es una de las pocas bandas responsables de evitar que el rock muriera pasado el año 2000. Esto lo lograron con excelente música, ruda y calidosa, creada con guitarra, bajo, batería y voz, estándar que habiendo perdido tanta fuerza en la década pasada, los ubicó al nivel de mis adoradas y clásicas Soundgarden y Alice In Chains.

Ahora, sobre el (relevante) show que presenciamos los bogotanos, puedo dar 5 estrellas a la banda, que si bien con el paso de los años ha abandonado la actitud fuerte por una más madura, no ha dejado de ser una competente y elegante propuesta de metal alternativo. (Recordemos que iniciaron con Millionaire y cerraron con A Song for the Dead). A esto sumémosle la presentación inicial del multi instrumentalista Alain Johannes, fundador de la banda de grunge, Eleven, junto a Natasha Schneider (R.I.P.) y Jack Irons (baterista ex chili pepper y Pearl Jam) quien fue miembro oficial de QOTSA durante la grabación y gira del Lullabies to Paralize y guitarrista y tecladista de soporte para las giras de Them Crooked Vultures.

Ahora, aunque me gusta el Royal Center por su ubicación, por sus buenas condiciones de visibilidad y acústica general, por que se puede comprar trago durante los conciertos y porque es un espacio cómodo, el concierto excedió ligeramente el límite de asistencia (lleno) para mi gusto, así como los límites de sonido, que estaban algo "estallados". Ahora, estos son detalles que corregidos harían el show perfecto, pero no impidieron que fuera magnífico y memorable.

Vale la pena resaltar también la emotiva respuesta del público y de Josh Homme durante el concierto. Grandes momentos: Burn The Witch, Feel Good Hit of the Summer / The Lost Art of Keeping a Secret y Smooth Sailing.

Larga vida a Queens!

(En los segundos 17-18 se me escucha gritar "¡bravo!" con mucha sinceridad : )

Purple - Vigésimo Aniversario

Aproximadamente año y medio después del debut Core que tanto dio para hablar y escuchar, llega al mercado Purple, el segundo álbum de los Stone Temple Pilots que hace parte indiscutida del bloque de maravillas del 94. En este trabajo alivianan un poco la carga de la distorsión y la fuerza para enfocarse en realzar detalles y arreglos finos con delicadeza, sin sacrificar su groove ni su nivel musical. Aunque prefiero Core como su álbum definitivo, con Purple completan su gran aporte al rock, desde el punto de vista crítico, como también comercialmente hablando, ya que lograron mantenerse de nuevo en el tope de las listas de popularidad con temas grandiosos como sus hits Interstate Love Song (video) y Big Empty. Recuerdo ver este álbum entre los discos de muchísimas personas por sus éxitos, pero, ahora que vuelvo a escucharlo con calma y detalle....

No son de extrañar los logros de los STP pues la destreza de los integrantes en sus instrumentos es notoria en vivo y en estudio. Detallar el trabajo individual por instrumento revela el gran trabajo de guitarra y bajo por parte de los hermanos Dean y Robert DeLeo quienes son el alma de la banda (aunque Scott Weiland haya sido la voz). De hecho, actualmente son ellos quienes deciden sobre el futuro de STP. En ése momento, volvieron a trabajar con el productor Brendan O´Brien, que a la fecha tenía entre su hoja de vida Get A Grip de Aerosmith y el Vs. de Pearl Jam.

Además del rock, en este álbum se encuentran acercamientos al folk como en Pretty Penny y a lo psicodélico como en la exquisita Lounge Fly. Me encanta el cierre con Kitchenware & Candybars y el tema escondido My Second Album. Muy recomendado.

Feliz aniversario!

Catedral - Vigésimo Aniversario

(Portada concebida al mejor estilo de los años mozos del grunge)

Aunque sin la fecha exacta (los créditos indican "Grabado durante el mes de diciembre de 1993 en F.Q. (Estudio). Santafé de Bogotá. Colombia" y "Prensado por MTM" en 1994), asumo que estamos justo a tiempo para celebrar los veinte años de este álbum. Siendo una de las piezas claves del rock bogotano y nacional, en 2011 aproveché que @pordefecto puso el tema sobre la mesa para revisarlo pues nunca lo había escuchado. Por supuesto que lamento haber llegado tan tarde a Catedral, pero, más vale tarde que nunca. Por cierto, esta gestión de descubrirlo inició comprando el CD en La Musiteca (donde me podría encontrar algunas copias) lo cual le dio su toque clásico al asunto.

Como fanático del grunge, y vecino nostálgico de este Distrito Capital donde no se encuentra una propuesta musical como ésta desde hace tiempo, no me sorprendió en absoluto que fuera amor a primera escuchada. No se cómo funcione este disco en audiencias de nuevas generaciones o en las de otros países, pero en mi opinión este es un trabajo destacado, principalmente, por su emoción y energía. 

Aparte de su inherente sabor bogotano, este disco se caracteriza por tener el groove "saltarín" de algunos exponentes del grunge, popularizado justo en ese momento de la historia por álbumes legendarios como el Vs. de Pearl Jam o el Siamese Dream de Smashing Pumpkins, que acababan de salir al mercado. En el caso de Catedral, este elemento rítmico es identificable de inmediato y prácticamente en todos sus temas gracias a los marcados golpes de bombo y caja (snare drum). Bueno, en cuanto a instrumentos se refiere, ¿cómo no mencionar la inclusión de violín en el disco?

Además de esas características, Catedral muestra un trabajo de composición bastante competente, que con riffs sencillos, tocados y producidos (por José Gandour) de la manera adecuada, logran excelentes niveles (por ejemplo, en Tártaro). Como todos sabemos, parte de la hermosura del rock es que en él prima tanto las ganas como la destreza, y lo menciono porque, si bien no son los más virtuosos y seguramente la producción tuvo cualquier tipo de restricciones, aquí la banda demuestra espíritu y estilo de sobra. Claro, para hablar de composición la lírica es determinante y en este caso es destacada también. Amós Piñeros está lejos de tener una voz Vedder o Corgan, pero sus ganas de cantar sobresalen. No sólo se notan en la grabación y la manera en que se alteran los acentos de las palabras para que empaten con el ritmo, sino también en las letras, que tienen todo el encanto, sentimiento y contenido necesarios para el efecto. Entre fragmentos que me llaman la atención, me encanta uno de El Paletero:

"No te comprendo señor / Es el espíritu de un niño paciente / que cura con hielo su soledad"

También, la cantada de la clásica ley universal en Sin Pisar a Nadie:

"Yo solo quiero ser libre al final / Sin pisar a nadie para poderlo lograr" 

Todo el disco es brillante, especialmente durante la tripleta No Hay Realidad Todo Está Ido - El Poeta - Bajo la Oscuridad, cuando realmente me conecto con la banda. Aprovecho esta celebración para hacer el reconocimiento a los integrantes de Catedral (Tomás Rueda, Miguel Navas, Andrés Crump y Amós Piñeros) por éste trabajo, y también para invitar a quienes siguieron o estuvieron involucrados con Catedral a que me corrijan y complementen, pero sobre todo, a que compartan sus recuerdos.

¡Feliz aniversario!

No he hecho una búsqueda exhaustiva, pero aparentemente esto es lo único que se consigue en vivo de la banda en la época. Si alguien tiene algo más a la mano, bienvenido. Por cierto, en la canción escondida (tributo al rock nacional) del Código Fuente de Ultrágeno escucharán una porción de este riff de La Hiedra. 

Ojo a los comentarios de este video en Youtube. Eso es a lo me refiero con compartir recuerdos.

Meat Puppets II - Trigésimo Aniversario

Aquí vamos con otro detallazo de los años 80. Se trata de los Meat Puppets, banda de Arizona que permaneció como una de las sensaciones del underground estadounidense desde su formación en 1980 hasta 1994, cuando coincidieron el éxito de su primer hit de radio Backwater (de su noveno trabajo Too High To Die) y el del Unplugged de Nirvana, concierto en el que los integrantes principales de los Puppets, los hermanos Curt y Cris Kirkwood, fueron invitados al escenario a acompañar las excelentes versiones que allí hicieron de sus temas Plateau, Oh Me y Lake Of Fire. Lo curioso es que estos tres temas pertenecen a este álbum, al que ahora me refiero, que en su momento cumplía diez años y ahora cumple treinta. 

Curioso por tanta reverencia que le hacen a este disco como joya de los ochenta y con Lake Of Fire como favorita personal, no hace muchos años compré el II y poco a poco he corroborado estos halagos. Los Meat Puppets se gestaron en la escena hardcore ochentera y han permanecido fieles a estos principios desde siempre, por esto ese componente en su sonido y actitud está presente en toda su carrera. De hecho, figuraron entre las principales bandas de SST Records, el sello independiente fundado por Greg Ginn (guitarrista de Black Flag) en 1978. Pero esto es sólo una base. A partir de este disco la música de la banda se volvió un rock muy particular. Con canciones cortas, muchas veces instrumentales, con guitarra eléctrica tanto como acústica, con elementos entre folk y country (como en Climbing), con una energía entre lo enérgico del punk (a lo New Gods) pero a veces apagada como en el new wave. La producción básica de garaje, pero sobre todo emocional, hacen de los Puppets una banda genuina, precursora de lo alternativo y del grunge. Intenten comprobar este revuelto con el primer tema del disco Split Myself In Two.

Casi lo olvido, hay un componente stoner y psicodélico interesante en el sonido de los Puppets, pues puede decirse que eran aliados de las sustancias.

Puedo decirles con certeza que bajo ese sonido sencillo el álbum esconde una gracia infinita. Pieza sólida garantizada.

¡Feliz aniversario!

No hay muchas opciones en video en vivo de la banda en la época. Aquí aparecen tocando un tema de Hendrix en su estilo sollado.

Live Through This - Vigésimo Aniversario

Para empezar, recordemos que lo que quiera que haya hecho Courtney Love en su vida que sea reprochable o que nos haya disgustado, no es argumento para negarle el reconocimiento que merece por haber escrito este álbum, uno de mis favoritos personales (por no decir de culto) desde hace 16 años.

Hole es acerca de la sociedad entre Love y el guitarrista Eric Erlandson, quienes componen la mayoría de la música en la discografía y son los integrantes indispensables de la banda. Además, aparte de Erlandson, el resto de integrantes siempre son mujeres. Esta combinación en la alineación y en el liderazgo de la banda les permite un nivel de delicadeza y agresividad exquisito, que encuentra su mejor momento en este álbum. Seguramente, tantas maravillas que venían aconteciendo en el rock para la época fueron la mejor inspiración para lograrlo. Es en esta incursión de lo más femenino compitiendo en los escenarios más machos del rock con la que Hole inyecta su veneno y se vuelve irresistible. Millones de copias vendidas, alabanza unánime por la crítica especializada y el amor que le tengo a este disco lo demuestran.

En Live Through This se emplea una fórmula similar a Nirvana con el toque único que ya les describí. Entonces, su encanto tiene que ver con la dinámica oscilante entre suave y fuerte, y particularmente, en la sola voz de Love, quien a altos volúmenes y frecuencias puede rasgarla o limpiarla como ella sabe hacerlo, lo que la vuelve invencible con un micrófono. Muy grunge en el mejor sentido del concepto.

En este álbum, la batería está a cargo de Patty Schemel quien tiene buena destreza y mantiene el fuerte punch necesario. Por su parte, del bajo estuvo encargada la hermosísima Kristen Pfaff (q.e.p.d.), quien murió por complicaciones con la heroína meses después del lanzamiento del disco. Con su estilo, su voz y su belleza, ella fue un ícono entre las mujeres bajistas en el rock.  

Hay muchos datos curiosos alrededor del álbum que hablan de aquellas buenas épocas. Recibió tanta atención que en la red hay montones de información al respecto. Si quieren recordar los videos, aquí está el de Violet y el de Doll Parts. No se que pasa con el de Miss World (dirigido por Sophie Müller) que no aparece. Para terminar solo quiero decir que fue una bandota. Que la música hable por si misma.

Feliz aniversario!

Este es un show en 1993 cuando el disco ya estaba escrito y en proceso de grabación.

Aquí hacen este buen show para televisión en 1995 ya con Melissa Auf der Maur como la bajista oficial.

Superunknown - Vigésimo Aniversario

¿Es Superunknown es el punto más alto al que llegó el rock en la historia?

Dicen los que saben que Soundgarden fueron pioneros del grunge aplicando la vieja escuela Zeppelin / Sabbath en la música alternativa. Poco después combinaron ambos conceptos en una misma escena para luego liderarla hasta el pico de popularidad. Si los comparamos con los otros 3 grandes del grunge, Soundgarden fue primero, y tienen la propuesta más balanceada y mejor elaborada. Me explico: no se inclinan tanto hacia estilos particulares como Alice In Chains hacia el metal, Nirvana hacia el punk y Pearl Jam hacia el "arena rock". Por otra parte, son los más progresivos y psicodélicos de los cuatro. Además, esta conclusión se sigue comprobando hoy en día, pues recordemos que aparte de Nirvana, los tres restantes tienen álbumes recientes y están activos. El baterista Matt Cameron es un genio del instrumento que también trabaja en Pearl Jam, el bajista Ben Shepperd sacó un disco el año pasado así que también entiende de composición, y Kim Thayil es referente de guitarristas por su estilo único. Y bueno, Chris Cornell. Entonces, nos referimos a una banda importantísima.

Ahora, ¿cuál es el punto más alto de Soundgarden? Sin lugar a dudas, Superunknown. La riqueza musical del álbum es infinita y es el resultado de un trabajo largo que venían desarrollando con sus tres trabajos anteriores, que juntos revelan la evolución de la banda perfectamente. (El anterior, Badmotorfinger de 1991 ya era un disco de grandes ligas). Al fin lograron mezclar todos sus ingredientes en una fórmula perfecta que tiende el puente entre lo heavy y lo pop y para esto Chris Cornell es determinante. Si lo escuchas nuevamente con oído crítico, podrás percibir ritmos y métricas tan complicadas como las de Tool, pero más pop. Grooves metaleros que tienden a ralentizarse a lo Black Sabbath. Manejo perfecto de dos guitarras con riffs, arpegios y leads ganadores en dosis iguales. Atmósferas ácidas y profundas. Nivel adecuado de efectos. Y finalmente, la voz. Con un registro altísimo más bien cercano a Robert Plant, la voz de Cornell encanta porque tiene el espíritu del blues/gospel pero con el toque agudo y estridente del heavy. En fin, es un viaje de 70 minutos hacia el corazón del rock.

Poco después de haber salido al mercado en 1994, el rock empezó a decaer, entonces, Superunknown marca el punto donde el género no podía llegar más lejos sin alejarse de su propia escencia. Una obra maestra.

Feliz aniversario!

Limo Wreck, mi favorita del disco.

Jar Of Flies - Vigésimo Aniversario

Jar of Flies es una pieza clave en la corta discografía de Alice In Chains que aguanta conocer. Con 7 temas y 30 minutos de duración, este Ep muestra a esta súper banda (que venía de sacarla del estadio un año y medio atrás con el agresivo Dirt) trabajando de una forma más tranquila, que se manifiesta muchas veces acústicamente. Sin perder un ápice de la identidad que construyeron, Jar Of Flies es otro paso para apreciar el talento que tenían los 4 en composición e interpretación, siendo el de Jerry Cantrell y el de Laney Staley los más destacados. Basta con escuchar la apertura con Rotten Apple para caer rápidamente en su dimensión.

I Stay Away y No Excuses fueron los hits, pero para mi es Nutshell la que me mueve fibras profundas a través de un riff lento y una tristeza en la letra y en la voz que es realmente conmovedora. Con ésa me basta para morir de admiración por Alice.

Buen trabajo chicos. Feliz aniversario!

Unplugged In New York (Nirvana) - Vigésimo Aniversario

Esta noche se cumplen veinte años de uno de los conciertos más emblemáticos de los años noventa. De entrada, esta serie de conciertos desconectados de MTV ya eran una sensación, pero el de Nirvana fue muy especial. Hay varias razones y puntos por destacar de ésa presentación razón por la cual le abrí este espacio de celebración a un evento en vez de un álbum como es costumbre. Además, esta será la última vez en mucho tiempo (hasta julio del 2019, para el trigésimo aniversario del Bleach) en que Nirvana sea el protagonista de mis series de aniversarios pues no pienso dedicarle tiempo a ningún producto de esta banda Cobain-postmortem.

Justo después del magnífico In Utero, ése 18 de noviembre de 1993 Nirvana corrobora la grandeza que le achacaban en su concierto más famoso y recordado. Haberse despojado de los gritos, la distorsión y el caos de sus shows regulares permitió probar que detrás de Nirvana y especialmente Kurt Cobain había talento y un sentimiento genuino. Lo digo porque los principales aspectos a resaltar son el trabajo de composición (temas sencillos pero perfectos) y la voz (escúchenlo de nuevo y díganme que no era un tenorazo!).

Ahora, este concierto fue una exposición de rock brillantemente curada. Como recordarán, los covers jugaron un papel importante en el show, ofreciendo sorpresa, buenas referencias y tributo a otros músicos al mismo tiempo que se presentaron temas propios. Por los propios tenemos los inolvidables Dumb, On A Plain, Something In The Way, en fin.... por los covers tenemos los siguientes:

• Jesus don´t Want Me for a Sunbeam (The Vaselines)
• The Man Who Sold The World (David Bowie)
• Plateau (Meat Puppets)
• Oh, Me (Meat Puppets)
• Lake Of Fire (Meat Puppets)
• Were Did You Sleep Last Night (Tradicional)

Estas versiones son absolutamente acertadas, sonaron increíble y nadie las esperaba. Sobre ellas les cuento que The Man Who Sold The World es mi álbum favorito de David Bowie porque es el más rockero de su discografía y aquí fue la primera vez que escuché su referencia. Las 3 de Meat Puppets hacen referencia directa a su segundo álbum Meat Puppets II, el mejor calificado y joya underground que Kurt quería reverenciar. (Lake Of Fire es la que más me gusta del concierto sino la que más me gusta de todas las canciones jamás escritas. Bueno Plateau no se queda atrás...). Años después compré ése álbum por esta referencia y me hizo muy feliz. Finalmente, Where Did You Sleep Last Night es un cierre espectacular. Aunque todo había salido bien hasta allí, el dramatismo con el que tocaron la canción evitó el final feliz en el concierto lo cual no deja de ser interesante considerando que el final de Nirvana fue algo por el estilo. En realidad, algo bien fuerte.

Que esta celebración sea una invitación para disfrutar de nuevo uno de los mejores conciertos a manos de una de las mejores bandas.

Feliz aniversario!

Vs. - Vigésimo Aniversario

Uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos cumple hoy 20 años y es un verdadero placer escucharlo de nuevo de principio a fin mientras comparto algunas apreciaciones que se han venido decantando por tanto tiempo ya.

Vs. se concibe y sale al mercado cuando las fuerzas creativas dentro de Pearl Jam continuaban balanceadas y con esto me refiero a que Eddie Vedder no había terminado de imponerse musicalmente ante la fuerza del grunge ochentero que manejaban Ament y Gossard (los ex-Mother Love Bone) que todavía predominaba. Si recordamos lo que plantea Cameron Crowe en su documental PJ20, efectivamente desde Vitalogy en adelante el estilo de Vedder cambió a Pearl Jam para siempre. 

Pero sumado a lo anterior, en 1993 tenían el ímpetu de juventud que les facilitaba imprimirle voltaje a la música. Así, Vs. es el álbum más pesado y agresivo de la banda, lo cual matiza bastante bien la bondad y buena intención que son el carisma de Pearl Jam. Desde mi punto de vista, supera al Ten en ése sentido sin sacrificar su esencia original de cambio de década.

Este disco tiene además un sabor tribal y de jam que seguramente consiguió Brendan O´Brien como productor y que le da un toque único e irrepetible. También influye en este sonido el baterista Dave Abbruzzese, quien tiene un punch de baqueta liviana pero fuerte y seco que sumado a la velocidad precisa les sirvió a los demás en bandeja de plata una base rítmica entre rápida y lenta para que exploraran los estilos del rock que están presentes en el grunge y por consiguiente, en el sonido Pearl Jam clásico.

Si se escucha con atención este álbum se encontrarán muchos elementos y detalles valiosos, todos dentro del verdadero concepto del rock. Recomendado!

Mis favoritas: Dissident, W.M.A., Blood, Leash e Indifference.

Feliz aniversario!

Aquí se les une Neil Young en el show. Bacano.