MG - "Europa Hymn"

Semana Trampa Film Fest - Primera función: One nine nine four (2009)

No para todos la Semana Mayor  significa cocteles tropicales al lado de una piscina o largas horas tendidos al sol.  Por eso, en Es una trampa, hemos pensado en aquellos que dedican la semana a ver sin parar películas y hemos creado el Semana Trampa Film Fest (#semanatrampaff) estaremos publicando durante la semana documentales sobre música para ver On-line. Así, querido lector, no tendrá que moverse de su cama y disfrutará de una cuidada selección escogida por el staff del blog. Comparta y disfrute.

One nine nine four (2009)

King For A Day, Fool For A Lifetime - Vigésimo Aniversario

Aunque hay un consenso general sobre Angel Dust como el mejor álbum de Faith No More, muchos de los que crecimos escuchando rock en los años noventa mantenemos al King For A Day, Fool For A Lifetime como el preferido. Personalmente creo que esto se debe a que si bien el Angel contiene el perfecto funk-metal épico que los caracteriza, el álbum completo suena muy homogéneo comparado con el King, que está lleno de trucos y sorpresas, con exploraciones en la mayoría de temas, alcanzando el mayor nivel de versartilidad y dinámica en su discografía. Claro, esto enfatizando en su estatus de "sickest band of the 90´s" con su poderosa fórmula más agresiva que el hardcore mismo.

La mayoría de reseñas que se leen sobre este disco señalan de inmediato la notable salida del primer guitarrista de la banda Jim Martin, lo cual tiene muchísimo que ver con ése cambio que aquí se presenta en relación con el mencionado predecesor. Claro, como muchos saben, mientras Martin es fundador de Faith No More, Mike Patton llegó un poco después a la banda en reemplazo del moreno Chuck Mosley, habiéndose hecho notar por su trabajo como integrante de la ecléctica Mr. Bungle, (un bicho rarísimo). Así, Patton deja la experimentación en Mr. Bungle y se acopla al sonido de su nueva banda, siendo el Angel Dust el mejor resultado. Sin embargo, con la salida de Martin, se evidencia a un joven Patton tomando el control y a Faith No More empezando a girar sobre sus necesidades vocales. Por esta razón, en el King lo escuchamos por primera vez en la misma grabación (de Faith No More, claro) convertirse en el multifacético tenor, maestro gutural, corista de R&B y gospel, entre otros, aquel prodigioso vocalista mundialmente reconocido y sobre el cual ha continuado montando proyectos paralelos para darle rienda suelta a su talento.

Bueno, el otro comentario obligatorio del King For A Day es que en reemplazo de Jim Martin entró el guitarrista de Mr. Bungle, Trey Spruance, lo que fortalece la situación antes expuesta puesto que Spruance y Patton compartieron banda antes que Faith No More llegara a sus vidas.

(Faith No More en 1995 con Dean Menta en el fondo, guitarrista para la gira del álbum)

Ahora que lo intenté me resultó algo complejo describir la grandeza del King For A Day, Fool For A Lifetime, pero de manera general vale la pena anotar que aquí la banda continuó sonando única e irrepetible dentro de la gran masa alternativa. De la misma forma, el nivel musical de los integrantes se mantuvo incólume, notándose tanto en detalles virtuosos individuales, y a nivel de cohesión como grupo creativo, pues sin importar cuan extraños o familiares sean sus temas, todos revelan elegancia y nivel, como si se fuera una orquesta quien estuviera detrás del sonido. Eso si, en relación con los trabajos anteriores, el King es como el adolescente fuera de control en la familia. Aunque tiene comparte el encanto y la visión con sus hermanos, es el más atrevido, ruidoso, rápido y divertido de todos.

Revisando los sencillos tenemos una ilustrativa muestra de la entonces genialidad de Faith No More. Todo inició con Digging The Grave (video), estrenado el 28 de febrero del 95, con el que hacen el primer asalto sonoro a la escena alternativa del momento. En principio, Digging sonó perfectamente acoplado a su época, sin embargo, denota una evolución, una propuesta, una fórmula propia para hacer las cosas. Haciendo a un lado que vocalmente es un tema precioso, se nota particularmente el poder rítmico del bajista Billy Gould (quien la compuso) y de la limpieza del punch del baterista Mike Bordin quienes siempre le dan el toque funky a Faith No More, y en este caso particular, un sonido grunge y metalero genial.


Poco después salió Ricochet, un tema que muestra un tono algo triste pero grandioso, en un ritmo extraño donde la banda acompaña discretamente a la voz para entrar en plena forma por pocos segundos en el legendario coro "It´s always funny until someone gets hurt, and then it´s just hilarious". Es una dinámica interesante porque si quitas la voz notas como mantienen el suspenso y cómo resuelven al final. Magnífica.


El tercer y último sencillo fue Evidence. ¿Cómo empezar a alabar este tema? Es el ejemplo perfecto de la elegancia y el virtuosismo que comenté anteriormente. Con su sofisticado jazz-funk y una melodía inmortal, se trata de una canción universal. Nunca faltaría en un "grandes éxitos" ni de simpatizantes ocasionales ni de fanáticos de la vieja escuela Faith No More. De hecho Evidence sería el tema de quienes nada tienen que ver con esta banda ni les importa, así como de los extraterrestres cuando finalmente hagamos contacto.


Ahora, el King es bien conocido por alternar entre temas fuertes y suaves. Después de Evidence continúa la grotesca y maravillosa The Gentle Art Of Making Enemies, tan sarcástica lírica como musicalmente. En seguida pareciera que una vieja orquesta tomara el control en Star A.D., una pieza realmente creativa que a medida que avanza la letra ocupa su lugar en el álbum y reafirma que la sorpresa será un factor clave en el viaje. Luego, continúa la demente Cuckoo For Caca, pesada hasta en los teclados. Luego va hasta el otro extremo con Caralho Voador (aunque en el mismo tono irónico), para alternar nuevamente con Ugly In The Morning, la otra donde pierden el control. Luego de Digging The Grave, pareciera que el álbum baja su tono irreverente y entra en una fase más sincera con mi favorita Take This Bottle (una belleza), la épica King For A Day, What A Day que resume bien el sonido general del álbum, la hermosa rockera Last To Know donde no hay gritos ni voz gutural, y finalmente el extraño pero sublime cierre con Just A Man y sus particulares coros.

En fin, uno de los cinco álbumes definitivos del metal alternativo noventero.

Feliz aniversario!

The Smashing Pumpkins - "Drum + Fife"

"'Cause I will bang this drum to my dying day..."

Frogstomp - Vigésimo Aniversario

Por Dick Johnson. 

 

Para el año 1997, es muy probable que nosotros, los hijos malditos de la década alternativa, no tuviéramos idea que más allá de nombres como AC/DC, Midnight Oil o INXS, existiera dentro del Oz rock un fenómeno llamado Silverchair. Poco a poco por los canales de MTV y MTV2, estaba abriéndose paso el Freak Show (segundo disco de la banda) y junto a los power riffs de canciones como Slave o Freak, muchos jóvenes ansiosos de sangre nueva encontramos en Daniel Johns el verdadero símbolo post-grunge que sin saberlo, estábamos buscando. Solo sería hasta el poder creativo de su tercer disco Neon Ballroom, que las comparaciones perezosas y tontas entre Johns y Kurt Cobain se detendrían y la banda obtendría la libertad para desprenderse de los noventas y contribuir a alimentar el legado del Oz Rock (Véase: Diorama y Young Modern, cuarto y quinto álbum)

Pero volvamos a 1995, cuando probablemente ni usted ni yo conocíamos estaba banda. Daniel Johns era un guitarrista tímido, sin mucho interés por figurar y mucho menos por cantar, pero cuyo talento para componer un rock alternativo emotivo y vigoroso le permitió junto a su banda ganar una convocatoria nacional australiana para grabar su gran éxito Tomorrow. Gracias a este reconocimiento nacional, Silverchair (antes "Innocent Criminals") obtuvo el apoyo y el tiempo para construir y diseñar ese poderoso renacuajo que reconocemos globalmente como Frogstomp. 

Sin alternativa vocal, Johns empezaría a desarrollar la que puede ser una de las voces más prolíficas y versátiles que tiene el rock and roll hasta el día de hoy (Ver: Aerial Love, su último single). Disco tras disco es notorio el enriquecimiento musical de la banda y de la voz de Johns. Sin embargo, el esfuerzo de grabar un disco a los 16 años con la actitud y la capacidad de Silverchair, es probablemente una de las mejores anécdotas/misterios de los años noventa. ¿Cómo pueden tres peladitos de 16 años componer uno de los mejores álbumes alternativos de una década?
 

(Qué tal esta juventud-casi infancia? De izquierda a derecha Gillies, Joannou y Johns)

 

Israel´s Son es la apertura a este viaje llamado Frogstomp. Una canción que define el power trío que daría estructura a la banda (hasta la llegada de Paul Mac hacia el tercer álbum y en adelante), y que no demuestra ningún temor para generar ruido e inclusive para escuchar los primeros pseudo-guturales del pequeño Johns. Tomorrow como buen single, viene en segundo lugar y antecede a la que es probablemente una de las mejores canciones de Silverchair hasta el día de hoy Faultline. Nunca fue particularmente relevante, pero dentro de la cosmogonía de la "silla de plata", no hay un solo fanático que no adore esta canción. Balada, soft rock, power rock hasta el final.

Lo curioso es que el disco apenas empieza y tantos otros temazos vienen en camino que pareciera que Frogstomp fuera un disco de grandes éxitos de una banda de dos décadas, en vez del debut de unos adolescentes. Pure Massacre, Shade, Leave Me Out, Suicidal Dream, Madman, Undecided, Cicada Findaway.....  baladas, soft rock, punk rock, power rock... que convierten a Frogstomp en un disco bandera de nuestra generación. Silverchair y la escasa edad de Johns, nos permitió a muchos contemporáneos sentir además enorme orgullo por la gran calidad musical que se puede producir en cortas edades.

 

No me pidan definir a esta banda pero en su primer disco ya era posible preveer que tarde o temprano serían mucho más que una banda de punk rock (o grunge) de los noventas. Y lo hicieron... desde Frogstomp hasta Young Modern, Silverchair la sacó del estadio, una y otra vez.

Frogstomp, feliz cumpleaños disco de puta madre!!!!

 

Daniel Johns - "Aerial Love"

Novedades desde Australia: Esto es Aerial Love, del reciente Ep del mismo nombre, donde vemos a Daniel Johns (vocalista y guitarrista de Silverchair) explorando otros estilos.

The Bends - Vigésimo Aniversario

Por Santiago Rivas.

Es difícil creer que fue hace 20 años cuando me encontré por primera vez con Fake Plastic Trees o con High And Dry. Dudo que hubiera sido capaz a mis trece años, de trazar una línea entre esos momentos de asombro, viendo MTV Latino y el fenómeno en que luego se convirtió Radiohead. Era predecible, pues de lejos es la banda más importante de los años noventa y parte de los dosmiles, pero jamás hubiera podido predecir hacia dónde iba su sonido, que es lo que finalmente siempre me ha intrigado. 

1995 fue un año definitivo para el llamado Britpop, por cuenta de la aparición de varios álbumes cruciales, que dividieron esta denominación de origen en al menos cuatro líneas de sonido, muy distintas entre sí. Por un lado están Blur y Oasis, que ese año lanzaron The Great Escape y (What’s The Story) Morning Glory respectivamente. No muy lejos se encuentra una serie de grupos menos comerciales, pero igualmente respetados, como Supergrass y The Verve, que en 1995 lanzaron sus álbumes I Should Coco y A Northern Soul. Por el otro está Pulp, que ese año sacó A Different Class, liderando la corriente “alternativa”, que siguieron otros grupos como Elastica, que ese año lanzó un “one hit wonder” y su álbum autotitulado.

Y en otro lado completamente distinto, estaba Radiohead, a quien muchos periodistas quisieron inscribir como miembros del archifamoso Britpop y algunos incluso quisieron meter en la movida del Trip hop de Bristol, por su sonido sombrío y pesimista. Con el tiempo, todos nos daríamos cuenta de que Radiohead es un género en sí mismo, que no requiere de ningún tipo de validación al interior de una u otra escena, porque ellos supieron con el tiempo ponerse muy por encima del mercado.

Ninguna de estas nociones, sin embargo, subsistían en mi cabeza adolescente, cuando oí cada una de las canciones de The Bends. Solo existía la sensación de estar presenciando algo muy grande. Seguramente tuvieron que pasar un par de años para que pudiera oírlo completo, porque mis recuerdos de ese 1995 están todos reunidos en los videoclips que veía en MTV: High And Dry (en esa época todavía sacaban hit singles), Fake Plastic Trees, Street Spirit, Just y My Iron Lung, si mal no recuerdo. Son bastantes canciones, igual, muchas más de las que ahora ofrece cualquier artista al mercado. Radiohead era irrefutable. Así de simple. No era solo que mis amigos y yo fuéramos adolescentes de semblante pálido y vestimenta rigurosamente negra, ni se trataba de un boom, como si lo fueron tantos otros; no era un compromiso político ni visual el que nos unía a esta banda. Radiohead tenía línea directa con nuestro cerebro, era una forma de educación afectiva (luego sabremos si perjudicial o benéfica, pero yo me inclino por la segunda) y, tratándose de uno de los primeros grupos que quisimos con el alma, la puerta de entrada a muchas cosas que tal vez aún estemos terminando de digerir.

Desde el sonido inicial de “Planet Telex”, que parece venir del fondo de algo, que no se sabe si está ahí, hasta la frase “immerse your soul in love”, que cierra el álbum, se trata de una obra maestra. Si les parece que estoy exagerando, háganse el favor de oírlo en orden. Cada canción importa y cada una suena diferente. Cada una de ellas tiene al menos una frase que hace erizar los pelos y se conecta con algo que está en el fondo de nosotros.

No se trata de ninguna forma convencional de rock, porque todo el peso de Radiohead está puesto en el contenido, no en el fondo. Es decir, la música es una herramienta a través de la cual Thom Yorke, Jonny Greenwood, Colin Greenwood, Ed O'Brien y Phil Selway hablan de lo que tienen adentro. De lo que tenemos adentro. Con los años, este punto se probaría cierto, porque son muchos los cánones que han utilizado. Han hecho música muy cercana al jazz, han programado beats, han explorado sonidos electroacústicos y han sabido extraer de sus instrumentos cada sonido, cada tono, timbre y color que alguna vez hayan necesitado para hacer lo que hacen. El asunto con Radiohead jamás será si nos gusta o no, que puede pasar perfectamente; el asunto con ellos es que de verdad están suscritos a algo que es muy grande y muy relevante. Demasiado como para dejarlo pasar y por eso este artículo, que es un sincero homenaje a un álbum que todavía no produce nostalgia, sino el mismo asombro de siempre. Larga vida a Radiohead.

 

Por Ricardo Guerrero.

 

Con Radiohead es particularmente difícil referirse a uno de sus álbumes sin inmiscuir su relevancia general (construida ya por un cuarto de siglo), pero haré un esfuerzo. Entonces, en ése primer semestre de 1995 se notó un evidente paso adelante después del discreto Pablo Honey (no solo en términos sónicos sino también visuales), pero nunca pensé que además de la excelente recepción crítica y comercial que merecidamente recibió The Bends, año tras año fuera ampliando su sentido a medida que la banda continuaba la avanzada artística que han estado impulsando desde entonces.

 

El caso es que lo bonito de su segundo álbum, además de la exquisita experiencia sonora que provee, es recordar la época en que Radiohead era solo una gran banda de rock conquistando el mundo con los trucos del momento, que básicamente eran temas con magnífico sentido melódico y amplia vocación popular, además de la vasta tanda de cinco videoclips para un álbum solo igualada por Björk para el Post (Bueno, al final gana The Bends porque High and Dry tiene dos versiones, una para Estados Unidos y otra para Inglaterra).

 

Sobre su sonido puedo decir que me resultaba básico. En 1995 no tenía suficiente entrenamiento para ser consciente de la calidad de sus temas ni la solidez de sus discos, de los acercamientos a los breves experimentos sonoros con algunos efectos que predecían próximo paso de la banda, ni la atmósferas generadas con tantos detalles sonando al tiempo. De hecho, me parecía que tres guitarristas al tiempo era una exageración. Sin embargo, la atracción generada por sus cinco sencillos hicieron de The Bends un disco muy fácil de escuchar, lo cual efectivamente pasó una y otra vez, mostrando nuevos viajes en cada oportunidad, hasta elevarse hasta la leyenda de música popular que es hoy. Al respecto señala Stephen Thomas Erlewine de Allmusic:

"[...] But what makes The Bends so remarkable is that it marries such ambitious, and often challenging, instrumental soundscapes to songs that are at their cores hauntingly melodic and accessible. It makes the record compelling upon first listen, but it reveals new details with each listen, and soon it becomes apparent that with The Bends, Radiohead have reinvented anthemic rock."

Al respecto del sonido vale la pena anotar que The Bends fue producido por John Leckie, un aprendiz de ingeniero de los Abbey Road Studios (posteriormente, estudios EMI) que creció inmiscuido en lo más grande de la historia de la música popular de su país en mi adorada segunda mitad del siglo 20. Ahora, aunque Radiohead se casaría en adelante con el ingeniero de The Bends, ("el sexto integrante" Nigel Godrich), para expandirse hacia lo que conocemos hoy en día, este álbum muestra un balance interesante entre el potencial de una joven banda inglesa que no podía contenerse, y la clásicamente-entrenada mano de Leckie.

Sobre el trabajo visual todo parecía indicar que se trataba tan solo de un buen aprovechamiento del material sonoro para inspirar unos videos. Claro, a partir de OK Computer en adelante, quedó claro que Radiohead también tenía una propuesta en este sentido. El caso es que en una época dorada para el videoclip como lo fueron los años 90, tener clips memorables merece reconocimiento porque había demasiados. Y bueno, siendo todos sus clips excelentes, muero por lo que logró Jamie Thraves con Just y Jonathan Glazer con Street Spirit (Fade Out), que son hoy en día favoritos personales del género.

Entonces no me queda mucho por agregar, además toda esta apreciación esta muy marcada por una fuerte conexión que logré con Radiohead a quienes recuerdo haberme traído al nuevo siglo en la alfombra mágica que fueron Kid A y Amnesiac. Pero el punto es que amo a The Bends como a la banda misma y de vez en cuando, cualquier sonido del día armoniza con el latente recuerdo de alguno de sus temas y me encuentro cantando solo alguna fracción de la pieza sólida de 48 minutos y 33 minutos. Generalmente es el coro de la misma The Bends "Baby´s got The Bends, we don´t have any real friends..." o el de Sulk, una de mis predilectas de la banda.

Entonces, aún habiendo sido desplazado del trono con la contundencia con que lo hizo poco después su hermano menor OK Computer, mis respetos y admiración a esta maravilla.
Feliz aniversario!
 

Sidestepper - Come see us play

EVENTO: BOOM FULL MEKE LIVE! Ft. Bleepolar - Vacile & Verbena en La Ventana

Estos grandes representantes de la nueva ola de música tropical colombiana vienen a ponerle candela a la noche y ritmo a esta verbena! ¿Listos para una noche de poder a cargo de Boom Full Meke? - el perro con el ladrido más bravo.

En las consolas: Ritmo -Tropical Avanzado a cargo de Bleepolar

Pronto más información - ¡Sóbalo Bogotá!

Invita: Heineken
--------------------------------------------------------------------------------------------------------
→ Mood: Nu Tropical & Bailable.
→ Rsv de mesa: 319 388 9190 (Whattsapp).
→ Entrada: (4pm a 9pm). $15 (9:01pm +)
→ Happy hour: 2x1 en Cocktails & 3x2 en Cerveza.
→ Recomendamos acompañarlo con: Shots de Tequila.

 

Tenemos cinco entradas dobles de para este evento el viernes 27 de marzo de 2015 en La Ventana. Si quieres una, solo debes dejar un comentario a esta entrada con tu nombre y apellido, número de cédula y número de móvil, antes de las 4 p.m. del viernes 27 de marzo. Los primeros cinco comentarios ganan entrada.

Muse - "Dead Inside" [Official Lyric Video]

Que ahora si Dead Inside, el primer sencillo del Drones de Muse.

Will Butler - "Anna"

Después de trabajos permanentes como Arcade Fire y temporales como la banda sonora de Her, el texano Will Butler lanza Policy, su primer trabajo como solista.

Dopes To Infinity - Vigésimo Aniversario

Otra bandota que impulsó la dinámica noventera fue Monster Magnet. Formados a finales de los años 80 en New Jersey, los Magnet salieron a los circuitos del rock con una propuesta deliciosa de música fuerte y psicodélica, inspirada en lo clásico del género pero con la energía de su época. Después de algunos Eps lanzaron su legendario debut Spine Of God (1992), que fue catalogado poco después como uno de los trabajos definitivos del stoner rock, detalle que es importante mencionar ya que esto los ubica como pioneros de este estilo junto a bandas como Kyuss, aún cuando sus aproximaciones sean diferentes.

 

Luego de otro par de álbumes lanzados en el 93 con los que juran lealtad a sus espíritu stoner (el Tab...25 y el Superjudge, con sus temas extensos, riffs graves, grooves densos y efectos espaciales), llega el turno del Dopes To Infinity (1995) un excelente álbum cuyo sonido empata inmediatamente con el de la explosión alternativa noventera, logrando por primera vez en su carrera amplio reconocimiento por parte de la crítica, así como de la audiencia en términos de ventas. Ahora, creo que el éxito del Dopes se fundó en haberle dado un toque adicional a la receta retro de Monster Magnet, para poder ser percibidos en aquel entonces como una propuesta vigente y consolidada, y al respecto, Dave Wyndorf (cerebro de la banda), puede anotarse dos puntos, pues además de ser el compositor principal, produjo el álbum, lo cual indica que este éxito obedeció primordialmente a su instinto.

 

Entonces el Dopes tiene un sonido tan reminiscente de los noventa como de épocas anteriores. Si tomamos por ejemplo el exitazo Negasonic Teenage Warhead (video) recordaremos un clásico del 95 pero también uno del 67: Tales Of Brave Ulysses de Cream. Así pasa con I Control, I Fly que suena tanto como a su propio tema Medicine, como a T.V. Eye de The Stooges, o con Third Alternative que muestra la dosis obligatoria de Black Sabbath que sobresale a lo largo de su carrera. En todo caso, las referencias son exquisitas y por supuesto incluyen maestros como Zeppelin y Floyd. Entre mis favoritas están también la heavy Ego, The Living Planet, la acústica y orientada-hacia-el-pop Dead Christmas y la instrumental y poderosa Theme From "Masterburner".

 

Si bien su álbum de culto es el Spine y el de mayor éxito comercial es el Powertrip (1998), el Dopes es hoy en día el gran punto medio y de referencia para esta banda que considero relevante por ser de mi predilección, pero también por estar próxima a cumplir treinta años activa.

 

Feliz aniversario!

 

The Prodigy - "Ibiza" (Feat. Sleaford Mods)

A una semana de estrenarse The Day Is My Enemy, aquí está su quinto sencillo, Ibiza, construido con los colegas ingleses Sleaford Mods.

Screaming Females - "Hopeless"

EVENTO: Guetto Kumbe en La Ventana - St. Patrick´s week

Show de tamboras y cerveza por montones mañana viernes 20 de marzo de 2015 en La Ventana. Si quieres ganar una entrada doble de cortesía solo deja un comentario a esta entrada con tu nombre y apellido, tu número de cédula y de móvil hasta antes del viernes 20 de marzo a las 5 p.m. Los primeros 5 comentarios ganan entrada.

Fawn Spots - "New Sense"

Novedades desde Inglaterra:

Estos son los Fawn Spots, un trío de rock inglés inspirado en el sonido clásico del punk, el indie y el hardcore melódico con el potencial de ser una de las sorpresas del año.

 

Esto es New Sense de su álbum debut From Safer Place.

Björk - "lionsong"

Interesante videoclip para Lionsong donde Björk parece una mezcla del alien en Under The Skin, Madonna y la oruga psicodélica de Estéreo Picnic 2015.

Cómo nos alegra que continúe activa.

Por cierto, acaba de salir a la venta el Vulnicura en físico.

The Prodigy - "Wall Of Death"

Lullabies To Paralize - Décimo Aniversario

Después del glorioso Songs For The Deaf (2002) y tras una espera muy razonable llegó el turno del Lullabies To Paralize, el cuarto álbum de Queens Of the Stone Age que sin mucha bulla y bajo perfil continuó con el alto estándar trazado por su predecesor.

La expectativa era bien alta pues justo antes la banda había logrado un amplísimo impacto comercial con sus hits, sus videoclips y una intensiva gira mundial. A esto se sumó la confirmación de los drásticos cambios que había sufrido la alineación, particularmente en el puesto del bajista, pues para sorpresa de muchos, por primera vez desde sus inicios Nick Oliveri no estaría encargado de este instrumento.

Entonces, aparte de las acostumbradas y breves contribuciones de Mark Lanegan con su característica voz grave, en esta oportunidad los QOTSA eran Josh Homme, Joey Castillo en batería y el multi-instrumentalista Troy Van Leeuwen, quien se uniera a la banda desde la gira del Songs,  y quien es ahora el integrante más longevo de la banda (después de Homme, por supuesto).

Cuando sugiero que la llegada del Lullabies se hizo "sin mucha bulla y bajo perfil" la recuerdo en varios sentidos. Primero, pasamos del llamativo carmín del Songs a un terracota tan oscuro que por poco pasa desapercibido. Después, no se si fue por que ya los canales de música habían desaparecido, y por encontrarme entonces totalmente ajeno a la radio y al consumo de música en medios digitales, que no tengo presente los sencillos del álbum anunciando su llegada, aún cuando el primero de ellos fuera el magnífico Little Sister (video). También percibí un cambio de sonido importante, más apagado y menos dinámico que en el Songs, lo cual recae en parte sobre Homme como líder y compositor principal, pero también sobre el productor Joe Barresi, que si bien tiene una gran trayectoria con bandas underground, no la tiene por un sonido masivo.

No obstante lo anterior, pasado el hermoso y acústico intro de This Lullaby con la hipnótica voz de Lanegan, y el inicio con Medication ya propiamente hablando, el Lullabies siempre invitó a una nueva escuchada y sobre todo, prometía cumplir con su cometido, al menos ante los fanáticos. Poco a poco estos nuevos sesenta minutos de rock y metal alternativo pasaron la prueba del tiempo, como una pieza solida en su integridad, asi como con temas inolvidables que hacen parte del repertorio perpetuo de la banda como Burn The Witch (video) o In My Head (video). Entre mis favoritas se encuentran Everybody Knows That You Are Insane con su cambio de tempo, la épica Someone´s In the Wolf (video), Broken Box con sus falsettos y la sensual "You Got a Killer Scene There, Man...". En cualquier caso y desde cualquier punto de vista,, aunque el Lullabies no abarca tanto como el Songs, es un álbum que continúa y enriquece el legado de rock fuerte, oscuro y seductor de los QOTSA.

Otra cosa importante que hay que resaltar del Lullabies es la participación de Alain Johannes y Natasha Schneider (Q.E.P.D.), más que en el álbum, en la gira promocional. Esto puede observarse con detalle en el disco y DVD en vivo Over The Years and Through The Woods, donde integran la banda junto a los otros tres ya mencionados. Esto me llevó a descubrir la trayectoria de Johannes, quien ha sido un músico cercano a Homme desde entonces y que de hecho pudimos ver en vivo en el concierto de QOTSA aquí en Bogotá en 2014.

Así pues, con el Lullabies To Paralyze los QOTSA continuaron firmes en el nuevo milenio como una de las bandas de rock más importantes, con una propuesta sólida, seria y con vocación de culto.

Feliz aniversario!

Muse - "Psycho" [Official Lyric Video]

Above - Vigésimo Aniversario

Como la escena de Seattle se formó entre amigos y varios años antes que llegara la fama y lo devastara todo, en la época del grunge las colaboraciones entre bandas fueron muy comunes. Hubo dos particularmente famosas, primero, Temple Of The Dog, en donde integrantes de Soundgarden y Pearl Jam construyeron un álbum homenaje al temprano ídolo del género Andy Wood, vocalista y tecladista de Malfunkshun y Mother Love Bone quien muriera después de muchos problemas con la heroína.

El segundo gran álbum de colaboración del grunge fue Above de Mad Season (segundo en tiempo porque me gusta más que el Temple...).  Este proyecto de un solo álbum tuvo que ver con el proceso de rehabilitación por el que pasaron Mike McCready de Pearl Jam y Laney Staley de Alice In Chains. Según se lee en las entrevistas del momento, McCready, quien tuvo una exitosa recuperación de las drogas y el alcohol, aprovechó nuevamente su impulso creativo formando una excusa adicional para que algunos de sus amigos cercanos se mantuvieran sobrios, lo cual funcionó durante muy poco tiempo, ya que aún después del continuado éxito de sus propias bandas y de las excelentes ventas de Above, en 1999 muere el bajista John Baker Saunders y en 2002 Laney Staley, ambos con serios problemas de drogas. (Falta mencionar a Barret Martin, el baterista de Screaming Trees, otra de las bandas insignia del grunge, y cuarto integrante de Mad Season, que bueno, sigue vivo)

Entonces quedan dos cosas claras, primero, que Pearl Jam, principalmente Mike McCready y Jeff Ament, son de los pocos músicos activos actualmente que fueron parte del corazón del grunge. Segundo, que este género estuvo ampliamente influenciado por las drogas, que para tanto para bien y para mal, es una motivación importante, dirigida por oscuros procesos interiores mas que por toda la fama derivada de su éxito comercial. (Por cierto, Mad Season significa temporada demente, expresión inglesa para la época en que "florecen" los hongos de psilosibina, y que ha servido además para referirse a cualquier momento de la vida guiado por sustancias).

Ahora, lo importante de Above es que es uno de los perfectos álbumes de grunge. Si tuviera que escoger entre algunos pocos para definir en qué consistía el género, este sería uno de ellos. Rock emocionante y emotivo a punta de bajo, batería, guitarra y voz. Vale la pena revisarlo en su integridad, desde el el epectacular inicio con la triste y creciente Wake Up (mi favorita) hasta el elevado cierre Pearl Jamero de All Alone. Por allí está la perfecto-grunge X-Ray Mind, la desoladora River Of Deceit (video), I´m Above cantada a dos voces con Mark Lanegan de Screaming Trees, la cuota de blues con Artificial Red, el coro más exigido para la voz en la heavy Lifeless Dead, la básica y groovy I Don´t Know Anything (video), la delicada y con detalles de percusión Long Gone Day con Lanegan en la voz principal, así como el jam de grunge por excelencia November Hotel.

Feliz aniversario!

The Very Best - "Let go"

EVENTO: Los Amigos Invisibles Dj set en La Ventana

 

Un Dj set a cargo de dos de los integrantes de una de las bandas más reconocidas y coloridas de Venezuela pondrá a bailar nuestras 2 terrazas en una noche que promete buenos cocktails y excelente música.

También nos acompañará SonikGroove desde Barcelona con un set tropical entre Dancehall y afro beat.

→ Mood: Tropical & Bailable.
→ Rsv de mesa: 319 388 9190 (Whattsapp)
→ Entrada: $0 (4pm a 9pm). $15 (9:01pm +)
→ Happy hour: 2x1 en Cocktails & 3x2 en Cerveza.
→ Recomendamos acompañarlo con: Pisco Sour

Link del evento: https://www.facebook.com/events/879909455405170/

 



Tenemos 5 entradas dobles para este show. Si quieres ganar una solo debes dejar un comentario a esta entrada, indicando tu nombre y apellido, así como tu número de cédula y de móvil, antes de las 17:00 horas del viernes 13 de marzo de 2015. Los primeros 5 comentarios ganan.

Incubus - "Trust Fall" (Lyric video)

Sobre MAPS TO THE STARS

Para mi siempre ha sido un placer ver una película de David Cronemberg, no solo porque son de mi predilección, sino porque durante treinta años de trabajos son tan claras sus intenciones y motivaciones que me parece fino seguir constatando el manifiesto tácito con el que guía su obra. Dicho esto, es claro que hay un alto riesgo de no ser objetivo al calificarlo. (Bueno, A Dangerous Method no me gustó tanto y así lo planteé en su momento).

Bien, para empezar hay que señalar que después de tantas historias contadas y tantos años en el oficio, parece lógico que las nuevas ideas realizadas traigan consigo sorpresas. En este caso, me refiero al guión. Maps To The Stars está basada en la novela Death Stars (2012) del escritor americano Bruce Wagner, quien se caracteriza por su agresivo criterio sobre la industria del cine en su país. Ahora, al escoger esta idea como insumo Cronemberg tenía claro que ésta, su primera película rodada en Estados Unidos, sería al mismo tiempo una profunda crítica de este mundillo. Lo importante es que aún enfrentando las dificultades para financiarla y ahora las relacionadas con la aceptación del resultado final por parte del público y la crítica, en Maps se le ve firme en su estilo y categoría, y por consiguiente, en su relevancia.

Entonces, si están listos para ver lo oscuro y complejo de los planteamientos y dramas de Cronemberg desarrollados en Hollywood, van por buen camino. Además de las evidentes críticas contra la crisis de valores en este importante medio, aquí se explora el tema con motivaciones reales y actuales proveídas por la novela que funda la película, y potenciadas con el excelente trabajo actoral.

Sobre de la historia puedo contarles que además de girar en torno al antiquísimo tema del incesto, llama mi atención que el planteamiento tenga además una cercanía con la teoría de las Constelaciones Familiares. Lo digo porque además de lo anterior, John Cusack interpreta a un terapeuta y Bruce Wagner tiene una cercanía importante con temas espirituales. Bueno, Cronemberg también entiende del tema, aunque sea desde su usual aproximación ficcional.

Ahora, el casting no tiene precedentes en la filmografía del director en términos de actores y actrices famosos. El punto clave de este bien aprovechado recurso es la interpretación de Julianne Moore, que le valió premio a mejor actriz en Cannes (reconocimiento que también obtuvo en los premios Oscar con Alice). Como es de común conocimiento, Cannes es un espacio que reconoce valores más artísticos, así que saquen sus conclusiones pero desde mi punto de vista, el rol de Moore como Havana Legrand en Maps estará entre su top 3 de mejores actuaciones de su vida.

La otra actuación importante aquí es la de Mia Wasikowska, que además de hermosa hace un excelente papel principal como Agatha Weiss, llevando a cuestas el clásico detalle body horror de Cronemberg.

El caso es que si no es por algunas de estas razones que expongo, hay un considerable riesgo de tener sentimientos encontrados al respecto. Sin embargo, Maps To The Stars es un peliculón.

Calificación 4/5
 

Agnostic Front - "Police Violence"

Con ustedes: Prayers y su Cholo Goth.

Descubrir una banda nueva que te sorprenda resulta extremadamente satisfactorio, sobretodo cuando uno la encuentra por  razones insospechadas. Así escuché por primera vez a Prayers. Estaba leyendo una entrevista de Travis Barker sobre la salida de Tom DeLongue de la banda de pop-punk blink 182 donde mencionó que estaba grabando baterías para el siguiente EP de Prayers. Inmediatamente busqué en YouTube y me encontré con esta gran sorpresa. Prayers son un dúo de cholos (Rafael Reyes y Dave Parley) tocando algo que ellos mismos denominaron cholo goth. Más allá de lo antiético que resulte ver a un vato tocando algo diferente a Hip Hop, lo que me enganchó fue su sonido. Hace mucho no escuchaba algo que me gustara tanto.  Hasta el momento tienen un álbum llamado SD KillWave, y saber que ya están trabajando en más música me emociona mucho.

Con ustedes: Prayers.

The Amazing - "Picture You"

Generalmente los suecos aparecen con propuestas más agresivas pero bueno, también tienen a The Amazing. Parece que con su cuarto álbum Picture You (2015) han logrado consolidarse.

Este tema me recuerda algunos episodios del excelente No Balance Palace de sus vecinos daneses Kashmir.

EVENTO: Los mekanikos desde México en La Ventana

La quinta edición de HOUSECALL estará cargada de fuertes beats mexicanos y desmadre por cuenta de Los Mekanikos. Como dirían los chilangos:

¡Un show a toda Madre!

Max Jones y Eddy Mercury componen esta dupla del Distrito Federal y que tiene más de 10 años sonando. Ambos productores y Dj’s.

Describen su último EP “Tacha Tacha” como "música que los divierte". A los Mekanikos -con K- les sobra humor pero su indudable sello es su sonido vertiginoso, industrial, grasoso, orgánico y sucio. Hacen parte de los sellos latinoamericanos @Electrique Music & Sanfuentes Records, así, sus hipnóticos tracks suenan en varias pistas de baile alrededor del mundo. Dj’s como Maceo Plex, Djs Pareja, Justin Robertson, entre otros, incluyen en sus set canciones de este par. 

Djs invitados: 

BASS Hustlers / Spike & Soundfit - 6:00Pm a 9:00Pm

A la Siniestra / Mansur & Krvz - 9:00Pm a 11:00Pm

Cromatic Live / Disco·Holycs / 11:00Pm a 12:30Pm

LOS MEKANIKOS / 12:30Pm a 3:00Pm

La Ventana - Carrera 12a # 83-61, Zona T

Sábado 07 de Marzo, 2015

$15k

6:00pm - 9:00 Pm: Entrada Libre

Reservas: laventanadelat@gmail.com

Link evento: https://www.facebook.com/events/1576779932567470/

Tenemos entradas dobles para este concierto. Si quieres asistir, deja un mensaje a este post con tu nombre, número de cédula y número de móvil. Los cinco primero comentarios ganan.

Sobre WHIPLASH

Una de las protagonistas del cine reciente es Whiplash de Damien Chazelle. Merecidamente, la película ha girado en gran medida (inclusive desde antes de ser financiada y producida) alrededor de la actuación de J.K. Simmons en su increíble rol secundario como el profesor Terence Fletcher, por el que fue premiado en varios certámenes. Sin embargo, la película tiene varios méritos adicionales que la hacen excelente.

 

En primer lugar, lo que inicialmente parece el sencillo drama de un joven baterista en sus primeros años de universidad, una vez en la sala de cine, descubres que realmente se trata de un poderoso thriller psicológico, fundado en la ansiedad que se vive en la escuela de música, un espacio que desde tiempos memorables ha visto sucumbir emocionalmente más estudiantes que en cualquier otra carrera académica, como consecuencia de la naturaleza de la música como arte pero también como ciencia exacta. Ahora, lo importante aquí es que desde el guión y plano a plano, el director demuestra que vivió esta experiencia en carne propia. Si la película hubiese sido escrita o dirigida por alguien ajeno a la facultad de música, la película no habría sido tan exitosa ya que ninguna investigación podría suplir la experimentada sensibilidad del estudiante de música, que en Whiplash  se revela con la acertada descripción sobre ése mundo. Por esto se destacan algunos movimientos bruscos de la cámara y la riqueza de los numerosos primeros planos. Pero en términos generales, la dirección es impecable y muy narrativa.

Como verán, en mi opinión aún sin considerar el audio, (el otro aspecto técnico que le valió reconocimientos) creo que la película funcionaría. Sobre el particular, debo decir que efectivamente hay un trabajo alrededor del audio muy destacado, que alimenta todo lo que se esta contando, principalmente, el permanente detalle de la batería, un instrumento en el que se percibe con relativa facilidad si lo que suena coincide con lo que se está interpretando. Y aquí quiero comentar la primera y la última escena de la película. En la primera, el protagonista efectivamente está tocando la batería, lo cual es genial. En la última (post-clímax), donde suena la mejor batería, visualmente ya se notan imprecisiones, así como una ligera sobreactuación de Simmons. Claro, esto no afecta la película, más bien revela el gran reto audiovisual que fue y el gran resultado obtenido.

Para finalizar, hay que rescatar el giro que da la historia, la reflexión sobre la cosmovisión del estudiante de jazz (y otras disciplinas complejas y estrictas, por cierto, me recordó mucho a Black Swan) y, la reivindicación de la batería en el inconsciente colectivo.

Calificación 4.5 / 5
 

Home Street Home

Fat Mike de NoFX inició un pequeño proyecto paralelo con algunos de sus amigos músicos llamado Home Street Home, un musical punk. También está disponible la banda sonora del show, que se llama Original Songs from the Shit Musical.

 

EVENTO: Flaco Flow & Melanina en La Ventana

Los contagiosos ritmos latinos mezclados con agudas líricas hacen de Flaco Flow y Melanina los legionarios ideales para comandar una noche RITMO SALVAJE.

Este par se toma nuestro escenario para encender La Ventana con rimas y pistas delirantes, las cuales los han llevado a posicionarse como uno de los pesos pesados del Hip Hop colombiano.

¿RITMO SALVAJE O MIEDO?

DJ INVITADO: YABANKO

$15K
Viernes 06 de Marzo de 2015
9:00 p.m.
Carrera 12a # 83-61 - Zona T

Reservas: prlaventana@gmail.com

Link evento: https://www.facebook.com/events/1569545719984371

Tenemos cinco entradas dobles para este evento. Si quieres asistir, deja un comentario a esta entrada con tu nombre, número de cédula y número de móvil. Los cinco primeros comentarios ganan.

 

Retox - "Let's Not Keep In Touch"

Kelela - "A Message"

The Subways - "Taking All The Blame"

The Subways es un trío de rock inglés que lleva diez años moviéndose dentro de un par de estilos dentro del género. Esto es Taking All The Blame de su reciente y cuarto álbum homónimo, donde se nota su lado punk de tendencia pop.

Elle King - "Ex's & Oh's"

Algo de retro-rock. por Elle King.

Frances The Mute - Décimo Aniversario

(Portada y arte creados por Hipgnosis)

The Mars Volta fue una de las pocas propuestas post-2000 que logró captar mi atención con rapidez y luego convertirme en un devoto fanático. Esto se debió a que se trataba de una propuesta de rock fuerte, con muchos elementos experimentales, latinos y progresivos, presentados de una forma clásica donde las pretensiones comerciales no eran la prioridad, más bien, como vine a entender luego, la necesidad de aprovechar el avasallador impulso creativo del músico puertorriqueño Omar Rodríguez-López, a quien generalmente se le ve acompañado de su compañero vocalista Cedric Bixler-Zavala. 

Particularmente, fue con su segundo álbum Frances The Mute con el que quedé capturado para siempre, por el psicodélico viaje de 77 minutos a través de una compleja dimensión musical llena de detalles para sorprender, donde encuentras similitudes con Pink Floyd, Santana, Miles Davis y por supuesto, At The Drive-In. Bueno, en Frances The Mute tenemos además referencias directas a la Fania All Stars y toda la escena de la salsa en Brooklyn en la segunda mitad del siglo 20, gracias a la participación de Larry Harlow en el piano de la sobresaliente fusión de metal con un hipnótico ritmo afro-cubano, en L´Via L´Viaquez (cantada en español e inglés).  

En este álbum llaman la atención los temas extensos divididos en secciones como en una especie de suite, como es el caso de la inicial Cygnus.... Vismund Cygnus, con Miranda That Ghost Just Isn´t Holy Anymore, y el cierre con Cassandra Geminni. Así las cosas, el único tema con vocación de difusión y éxito comercial es The Widow (video), cuya dinámica, poder y elegancia la destacaban del montón las pocas veces que sonó en radio. En este álbum continuaba el actual baterista de Queens Of The Stone Age Jon Theodore, y entre la extensa lista de músicos invitados estaban Flea y John Frusciante, algunas de las razones por las que The Mars Volta era una orquesta más que una banda.

Estoy convencido que Frances The Mute solo crecerá más fuerte con el tiempo y que será uno de los álbumes de culto de este milenio. Obra maestra...

Feliz aniversario!