martes, 30 de junio de 2015
lunes, 29 de junio de 2015
Demanufacture - Vigésimo Aniversario
Después de haber sentado las bases de un nuevo metal con el poderoso debut Soul Of A New Machine (1992), donde mezclaron elementos trash, death, grindcore, varios coros cantados sin voz gutural que exponían un lado melódico, y curiosidades como samples de diálogos de películas o el tema Natividad que dieron lugar al inesperado y genial disco de remixes Fear Is The Mind Killer (1993), construido por los experimentados exponentes del industrial canadiense Front Line Assembly (que en la época también estaban contratados por la gigante de la música pesada Roadrunner Records), los californianos Fear Factory apostaron de nuevo a los frutos cosechados hasta entonces, inspirados por una época cargada de metal e industrial.
Para continuar profundizando este oscuro sendero que habían descubierto poco antes les fue asignado nuevamente el productor inglés Colin Richardson, (consentido de Earache Records y responsable entre otros, por muchos discos de Carcass y el Burn My Eyes de Machine Head) y junto a el construyeron uno de los "pesos pesados" de la década, el Demanufacture, con el que ratificaron ser influencia importante en el género, alcanzaron numerosas ventas, ganaron el respeto de muchos colegas y con el que se consagraron con todas las de la ley en el glorioso panorama noventero.
Pues este álbum perfecciona la fórmula de manera impecable. Además de la irresistible mezcla de diferentes estilos del metal, los instrumentos se convirtieron en personajes principales de la narración. En primer lugar siempre estará el inigualable Raymond Herrera en la batería, quien ha sido tema de discusión desde entonces por su destreza en con los bombos. Aunque recién estrenado el Demanufacture corrió el rumor de que lo que estaba detrás de los ritmos era una máquina y no un humano, solo pudo probarse que el tipo usaba triggers (sensores ubicados en los parches para emitir los beats con la misma intensidad independientemente de la fuerza con las que se golpeen).
La rápida guitarra de Dino Cazares también tiene su aporte clave al sonido del álbum y la banda, que junto a los golpes de Herrera forman la base sonora de Fear Factory, la cual se completa con la particular voz de Burton C. Bell que funciona muy bien limpia y gutural. Todo esto se ponía a prueba en vivo, donde podía apreciarse como esta fórmula se soportaba de manera definitiva en estos tres elementos, que sin llegar a sonar tan pulidos como en las grabaciones, siempre fueron reales y en todo caso, los trucos que usaban estaban justificados bajo el concepto industrial.
Demanufacture tiene detalles muy elegantes, por ejemplo apoyarse sabiamente en el lado amigable, es decir, aprovechando sus coros melódicos y los grooves rockeros para que sean un ancla de dinámica a lo largo del álbum, en vez de ser un bloque metálico difícil de digerir. Esto puede escucharse al menos en pequeñas dosis en todos los temas, hasta en temas completos como en los hit singles Replica (video) y el cover Dog Day Sunrise (original de Head Of David). Por otra parte, están las secuencias y adornos electrónicos de muy buen gusto, y hasta piano, los que pueden escucharse en el temazo Zero Signal, uno de los más sólidos del álbum.
En fin, se trata de una obra única que fluye a la perfección de principio a fin y que crece más fuerte con el tiempo. Recomendada la introducción con Demanufacture y Self Bias Resistor, la agresiva New Breed y la rockera H-K (Hunter-Killer). El cierre con A Therapy For Pain es épico y funciona muy bien. Por cierto, del Demanufacture se derivó el Remanufacture, todo un álbum de remezclas de los temas originales recomendado en principio para entusiastas del industrial y fans de ese oficio.
Feliz aniversario!
Pues este álbum perfecciona la fórmula de manera impecable. Además de la irresistible mezcla de diferentes estilos del metal, los instrumentos se convirtieron en personajes principales de la narración. En primer lugar siempre estará el inigualable Raymond Herrera en la batería, quien ha sido tema de discusión desde entonces por su destreza en con los bombos. Aunque recién estrenado el Demanufacture corrió el rumor de que lo que estaba detrás de los ritmos era una máquina y no un humano, solo pudo probarse que el tipo usaba triggers (sensores ubicados en los parches para emitir los beats con la misma intensidad independientemente de la fuerza con las que se golpeen).
(Fear Factory en la época, Bell, Herrera, Cazares y el belga Christian Olde Wolbers)
La rápida guitarra de Dino Cazares también tiene su aporte clave al sonido del álbum y la banda, que junto a los golpes de Herrera forman la base sonora de Fear Factory, la cual se completa con la particular voz de Burton C. Bell que funciona muy bien limpia y gutural. Todo esto se ponía a prueba en vivo, donde podía apreciarse como esta fórmula se soportaba de manera definitiva en estos tres elementos, que sin llegar a sonar tan pulidos como en las grabaciones, siempre fueron reales y en todo caso, los trucos que usaban estaban justificados bajo el concepto industrial.
Demanufacture tiene detalles muy elegantes, por ejemplo apoyarse sabiamente en el lado amigable, es decir, aprovechando sus coros melódicos y los grooves rockeros para que sean un ancla de dinámica a lo largo del álbum, en vez de ser un bloque metálico difícil de digerir. Esto puede escucharse al menos en pequeñas dosis en todos los temas, hasta en temas completos como en los hit singles Replica (video) y el cover Dog Day Sunrise (original de Head Of David). Por otra parte, están las secuencias y adornos electrónicos de muy buen gusto, y hasta piano, los que pueden escucharse en el temazo Zero Signal, uno de los más sólidos del álbum.
En fin, se trata de una obra única que fluye a la perfección de principio a fin y que crece más fuerte con el tiempo. Recomendada la introducción con Demanufacture y Self Bias Resistor, la agresiva New Breed y la rockera H-K (Hunter-Killer). El cierre con A Therapy For Pain es épico y funciona muy bien. Por cierto, del Demanufacture se derivó el Remanufacture, todo un álbum de remezclas de los temas originales recomendado en principio para entusiastas del industrial y fans de ese oficio.
Feliz aniversario!
La pinta es el ejemplo perfecto del metal alternativo noventero.
sábado, 27 de junio de 2015
Only Heaven - Vigésimo Aniversario
Algo interesante del industrial en los años noventa es que mientras la mayoría de artistas estaban encantados mezclándolo con poderosos riffs y punteos de guitarra eléctrica (metal industrial), en muchos lugares de Europa estaban creándolo a partir de otras tradiciones musicales (además del ampliamente reconocido new wave), como es el caso del krautrock, el jazz, y los siempre respetados elementos de la música erudita o clásica.
Alrededor de 1985 se forma en Suiza el trío The Young Gods, quienes añadieron a la baraja del industrial unas cartas peculiares y elegantes como ecléctico debut homónimo (donde solo sonaba familiar Envoye), el hermoso L´eau Rouge donde continúa fuerte la influencia francesa (ojo y oído a La Rue des Tempétes), el acercamiento al blues del T.V. Sky (ojo y oído a Gasoline Man), y en 1995, inesperadamente, siguen evolucionando con su as, el único e irrepetible Only Heaven.
En el Only Heaven resaltan exquisitos sonidos electrónicos desde el primer segundo. No obstante, todo está construido a partir de samples de pistas tanto electrónicas como acústicas, tal es el caso de la batería, que es uno de los personajes principales de este álbum y banda. En los videos se puede apreciar que en los Gods siempre hay batería en vivo, pero en sus grabaciones se reconoce es el sonido de esos golpes reales convertidos en beats en la medida que son repetidos en patrones e intensidades exactos con herramientas electrónicas. Allí, entra el otro jugador clave de los Gods y el Only Heaven, el sintetizador, que en esta oportunidad se destaca por su incesante gama de ambientes, atmósferas y ruidos. Una verdadera belleza. Sobre esta base rítmica híbrida se sobrepone la característica voz grave de Franz Treichler con su encanto especial, su toque hipnótico y delicado muy efectivo.
Con ésa fórmula y en un evidente momento de inspiración los Gods logran un viaje de poco más de una hora a una profunda dimensión donde provoca desdoblarse. Ahora, esto lo lograron sin sacrificar su groove post punk ni el poderoso bloque sonoro que los hace industrial. La guitarra eléctrica tiene un rol moderado pero fino, particularmente en Strangel y Kissing the Sun (video), dos de sus temas más fuertes. Sin embargo, ésa fuerza solo añade dinámica al viaje completo donde reside el verdadero poder del álbum. El épico Moon Revolutions resume en 17 minutos todo este punto, ubicándose al nivel de monstruos europeos como CAN y Pink Floyd. Otras maravillas son Speed Of Night, Donnez Les Esprits, Lointaine y la acústica Child In The Tree. Claro, como álbum de industrial que se se respete, incluye un remix, en este caso, uno del tema Kissing The Sun bastante atmosférico al final del disco.
En todo caso, una joya invaluable de los noventa.
Feliz aniversario!
viernes, 26 de junio de 2015
Exit Planet Dust - Vigésimo Aniversario
Exit Planet Dust es el debut de The Chemical Brothers. Grabado a finales del 2004 y lanzado el 26 de junio de 1995, el disco fue producido por el dúo con la ayuda de “Cheeky Paul”. El Exit marca la transición de Tom Rowlands y Ed Simons de la escena de los clubes de Londres (en particular del The Heavenly Sunday Social Club donde eran residentes) al estrellato internacional. Irónicamente, su éxito haría que sus singles los llevaran de vuelta a los clubes, pero esta vez del mundo entero, con sus sonidos contagiosos e inspiradores para bailar.
Para ese entonces el proyecto era conocido como The Dust Brothers en honor a una banda norteamericana. Sin embargo, por asuntos legales cambian su nombre a partir del título de su primer sencillo Chemical Beats, mientras que Exit Planet Dust recuerda esa etapa que quedó atrás.
El álbum se presenta como una sólida sucesión de sonidos fuertes, con una percusión altamente sincopada, guitarras chillonas y pesadas, y voces melódicas. La primera mitad del disco (6 de las 11 canciones) se podría describir como un medley (o popurrí) electrónico, donde las transiciones entre las canciones son continuas, sutiles e inteligentes, de tal forma que ponen al oyente a mover el esqueleto de principio a fin sin parar, y a preguntarse “qué canción es esta?” o “cambió la canción?”. Luego, desarrollan un lado más “chilleado”, con el sonido electrónico psicodélico pero ameno que se encontrará en toda su discografía.
El género del Exit Planet Dust es el clásico Big Beat, donde la percusión utiliza síncopas marcadas, breakbeat, y creatividad en el uso de samples. Si bien la banda no es la inventora de este género (que viene desde el final de los 80’s), con este debut si lograron un brillante ejemplar de esta época temprana.Gran parte de su éxito es la mezcla de la electrónica con sonidos que parecen más salidos del rock pesado, que estaba en auge en ése momento. Este gusto, compartido por lo demás con otras bandas contemporáneas como The Prodigy, les permitió conquistar el mercado norteamericano rápidamente.
La cacofonía de Song To The Siren y Three Little Birdies Down Beats son lo que realmente hacen a este álbum una delicia de escuchar. Altamente iterativas y oscuras en su esencia, tienen una fuerza que permite entrar en una especie de trance que libera a la mente de la existencia dualista: La música entra a la cabeza y uno se convierte en la música.
Chemical Beats también merece una mención especial: su omnipresente chillido de sintetizador, inexplicablemente versátil y acompañado de una percusión variante, se convierte en el final perfecto del medley que componen la primera mitad del álbum. One Too Many Mornings y Alive Alone le dan el toque elevado y relajado a la obra, con melodías suaves y voces armónicas. Finalmente, Life is Sweet es una buena muestra de lo que se sería el sonido característico del dúo: Una percusión poderosa y cíclica, acompañada de arreglos complejos de guitarra y sintetizador que vienen y van, unido todo por una voz armoniosa.
Con el Exit Planet Dust, The Chemical Brothers entran pisando fuerte en la escena electrónica de mediados de los 90’s. Aunque el disco no contiene singles que sean recordados por las masas hoy en día, este álbum claramente les sirvió como laboratorio para depurar lo que sería su sonido propio, y así presentarnos los temazos que vendrían poco después. De ahí en adelante, los Chemical Brothers serían referencia obligatoria del Big Beat y el Exit Planet Dust sería reconocido como una inspiración para otras bandas populares del género como Fatboy Slim, Daft Punk, Groove Armada, entre otros gigantes de la electrónica.
Feliz aniversario!
jueves, 25 de junio de 2015
Vaadat Charigim - "Ein Nehama Ladoachim"
Vaadat Charigim es una banda de noise pop y shoegaze israelí. No han estrenado videos para su nuevo álbum Sinking As a Stone, entonces les compartimos este viejito.
miércoles, 24 de junio de 2015
Dommengang - "Her Blues"
Road Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Road Trip, Head TripRHead TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head TripRoad Trip, Head Trip music.
martes, 23 de junio de 2015
Russkaja - "Rock'n'Roll Today"
Russkaja es una banda austriaca reconocida por su ska, su polka y su música tradicional rusa. Esto es Rock´n´Roll Today de su nuevo álbum Peace, Love & Russian Roll.
lunes, 22 de junio de 2015
Blanck Mass "Dead Format"
Blanck Mass es el proyecto solista del inglés Benjamin John Power, conocido previamente por su trabajo en Fuck Buttons. Esto es de su segundo álbum Dumb Flesh.
sábado, 20 de junio de 2015
Rey Azúcar - Vigésimo Aniversario
En 1995, cuando Los Fabulosos Cadillacs cumplían su primera década de existencia y acontecía la gloriosa (o decadente) explosión alternativa de los años noventa, la legendaria orquesta argentina concibió Rey Azúcar, una obra única e irrepetible, impulsada por su clásico estilo e influencias, pero con miles de detalles y sorpresas que le dan el estatus de obra maestra, o álbum de culto.
Siguiendo el camino de otras bandas y artistas como Todos Tus Muertos y Mano Negra, que poco antes habían consagrado comercialmente álbumes de fórmulas propias que fusionaban ritmos latinos con las tendencias pesadas y alternativas del momento, además de un considerable contenido socio-político, un vasto instante de luz y oscuridad golpea a los Cadillacs, logrando poner en marcha una brillante producción musical con un alcance posiblemente subvalorado. Ahora, aunque para ése momento ya eran súper estrellas (al menos en Latinoamérica), era perfectamente natural escuchar lo nuevo de los Cadillacs en la radio, pero a medida que pasó el tiempo, Rey Azúcar continuó creciendo fuerte, interesante y sorprendente, muchísimo más allá de un álbum con algunos temas populares.
Al principio me parecía muy ecléctico y no me gustaba que después de una joya hardcorera como Las Venas Abiertas de América Latina (video) (inspirada en el libro del uruguayo Eduardo Galeano de donde sale el nombre del álbum) continuara una canción como Reparito. De hecho, fue el estilo hardcore que se hizo evidente en los Cadillacs a partir de Quinto Centenario (estrenado en la recopilación Vasos Vacíos de 1993), aportado en principio por el bajista Flavio Cianciarulo, lo que me hizo simpatizar con los Cadillacs, más allá de los éxitos que canté en la adolescencia con mi generación. Así, temas como Paquito fueron mis consentidos por años. Pero poco a poco fui desarrollando un vínculo especial con cada uno de sus temas, por ejemplo Miami (donde fue grabado el disco), una hermosa crítica ska-pop a Babylon, con una línea de bajo exquisita, las esforzadas notas altas de Vicentico en la voz y unos segundos de punk que elevan la dinámica de la canción.
Estrella de Mar me costó mucho trabajo entenderla, con su infantil riff de teclado inicial siempre tuve problemas, pero hoy en día la sencilla melodía de vientos y el poderoso coro están rayados en lo más profundo de mi cabeza, y ahora la reconozco como magnífica. Por cierto, en ésos coros se escuchan las voces de Deborah "Debbie" Harry (la hermosa cantante de Blondie) que los acompañó en la acertadísima versión de Strawberry Fields Forever de los Beatles (video), y de Tina Weymouth, quien fuera bajista de (nada más ni nada menos que) los Talking Heads, y quien junto a su esposo Chris Frantz (baterista de Talking Heads), produjeron Rey Azúcar, lo cual explica muchas cosas sobre todas las maravillas del álbum (al menos a mi), teniendo en cuenta la experiencia que estos dos adquirieron en su primera banda, que son una leyenda del new wave, por su propuesta de música del mundo, de ritmos y atmósferas extrañas, con la consabida genialidad que los caracteriza.
Al principio me parecía muy ecléctico y no me gustaba que después de una joya hardcorera como Las Venas Abiertas de América Latina (video) (inspirada en el libro del uruguayo Eduardo Galeano de donde sale el nombre del álbum) continuara una canción como Reparito. De hecho, fue el estilo hardcore que se hizo evidente en los Cadillacs a partir de Quinto Centenario (estrenado en la recopilación Vasos Vacíos de 1993), aportado en principio por el bajista Flavio Cianciarulo, lo que me hizo simpatizar con los Cadillacs, más allá de los éxitos que canté en la adolescencia con mi generación. Así, temas como Paquito fueron mis consentidos por años. Pero poco a poco fui desarrollando un vínculo especial con cada uno de sus temas, por ejemplo Miami (donde fue grabado el disco), una hermosa crítica ska-pop a Babylon, con una línea de bajo exquisita, las esforzadas notas altas de Vicentico en la voz y unos segundos de punk que elevan la dinámica de la canción.
(Los Cadillacs en la época)
Estrella de Mar me costó mucho trabajo entenderla, con su infantil riff de teclado inicial siempre tuve problemas, pero hoy en día la sencilla melodía de vientos y el poderoso coro están rayados en lo más profundo de mi cabeza, y ahora la reconozco como magnífica. Por cierto, en ésos coros se escuchan las voces de Deborah "Debbie" Harry (la hermosa cantante de Blondie) que los acompañó en la acertadísima versión de Strawberry Fields Forever de los Beatles (video), y de Tina Weymouth, quien fuera bajista de (nada más ni nada menos que) los Talking Heads, y quien junto a su esposo Chris Frantz (baterista de Talking Heads), produjeron Rey Azúcar, lo cual explica muchas cosas sobre todas las maravillas del álbum (al menos a mi), teniendo en cuenta la experiencia que estos dos adquirieron en su primera banda, que son una leyenda del new wave, por su propuesta de música del mundo, de ritmos y atmósferas extrañas, con la consabida genialidad que los caracteriza.
Por otro lado, muchas si fueron favoritas desde entonces, Mal Bicho por ejemplo... ¿Qué decir de tremenda canción? (no encontré el video, aparentemente bloqueado por infracciones a derechos de autor...) Aunque escucharla desprevenidamente puede resultar aburrido por tanto que ha sonado, una revisión precisa a sus detalles es otra cosa. Por mencionar alguno, el pequeño aporte de Mick Jones (guitarrista de The Clash) en voz. La influencia de The Clash en los Cadillacs ha sido revelada explícitamente muchas veces, como en las versiones de Revolution Rock y Guns Of Brixton, pero creo que este detalle en Mal Bicho fue una manera muy sutil y fina de celebrar esa influencia.
La poderosa Carmela, la alegre Raggapunkypartyrebelde, Padre Nuestro, Saco Azul, favoritas por siempre. Pero la sorpresa más reciente del Rey Azúcar fue el dub de Ciego de Amor, cuya música sirvió de pista para que el otro gran invitado, el vocal jamaiquino del Dancehall Big Youth, hiciera un hermoso aporte vocal en Queen Of The Ghetto (la que llama mi atención desde hace un tiempo y hasta la actualidad), así como al inicio de Raggapunky, y al inicio del espectacular cierre con No Pienses Que Fui Yo.
Por tantas razones Rey Azúcar es uno de los mejores ejemplos del rock latino y uno de mis consentidos de siempre.
Feliz aniversario!
viernes, 19 de junio de 2015
Mastodon - "Asleep In The Deep"
Para continuar promocionando su último álbum Once More ´Round the Sun (2014), los metaleros alternativos Mastodon estrenan este interesante video para el sexto track, Asleep In The Deep.
jueves, 18 de junio de 2015
King Gizzard & The Lizard Wizard - "The River"
Otros que celebran la psicodelia de antaño son los australianos King Gizzard & The Lizard Wizard. Esto es The River de su reciente álbum (de cuatro temas) Quarters.
miércoles, 17 de junio de 2015
Eagles of Death Metal - "Complexity" (Audio)
El divertido proyecto de Jesse Hughes y Josh Homme (o Boots Electric y Baby Duck) regresa con Complexity, el primer sencillo de su nuevo álbum Zipper Down, que saldrá a la venta el 2 de Octubre de este año.
Refused - "Dawkins Christ"
Tercer sencillo de Freedom, el nuevo álbum de Refused, que saldrá a la venta el 29 de Junio... y que según la revista Rolling Stone, es uno de los mejores discos de lo que lleva este año.
martes, 16 de junio de 2015
Paul de Jong - "This Is Who I Am"
Esto es parte de If, el nuevo álbum del chelista, compositor y productor de electrónica Paul de Jong (ex - The Books).
GENER8ION + M.I.A. - "The New International Sound Pt. II"
M.I.A junto a Gener8ion, uno de los más recientes artistas de Bromance Records, llegan con un increíble video para esta colaboración; dirigido por Inigo Westmeier, el video nos presenta a 36.000 estudiantes de la escuela de artes marciales más grande de China, donde el director había anteriormente realizado un documental titulado Dragon Girls.
sábado, 13 de junio de 2015
Post - Vigésimo Aniversario
Otra que la saca del estadio en 1995 es la islandesa favorita de las masas, Björk. Si bien había hecho su extraordinario Debut un par de años antes, en su segundo álbum logra un nivel inesperado en términos artísticos. Ya con absoluta confianza en el poder de su voz y aliada de nuevo con el experimentado Dj inglés Nellee Hooper (ex-Wild Bunch), regresan para crear la obra maestra de su ya amplia discografía.
Aunque en principio se funda en el mismo principio del antecesor, Post tiene tantos detalles en música y producción que por meses hizo que olvidáramos todo que había hecho antes. Claro que tiene el entonces en boga estilo trip-hopero, pero esta vez llevaron la electrónica a diferentes estadios, que van desde el industrial hasta el ambient, lo cual lo hace exquisitamente variado si además le sumamos los otros episodios acústicos y folk propios de Björk.
Ahora, la avanzada audiovisual continuó con fuerza. Venciendo inclusive al prolífico en clips The Bends ése año, Post está escoltado de seis excelentes videoclips que a través de tus ojos y oídos te revelan la vasta riqueza de este álbum. Todo empieza con la poderosa Army Of Me (video por Michel Gondry); sigue con la gloriosa y adorada por la crítica Hyper-Ballad (video por Gondry), la ecléctica It´s Oh So Quiet (video por Spike Jonze), la preciosa Isobel (video por Gondry), la trip-hopera Possibly Maybe (video por Stephane Sednaoui), y finalmente, la excelente I Miss You (video por John Kricfalusi).
Creo que estas seis piezas audiovisuales ya hacen un aporte digno de reconocimiento. No obstante, no puede quedarse sin mención Enjoy, una de mis favoritas que fue producida entre ella y Tricky, otro gran jugador de la época.
Muy fácil de digerir, Post entra con mucha facilidad logrando conectar contigo inmediatamente a través de todos sus temas, los cuales muestran talento tanto en música y producción, como en composición de temas con vocación masiva. Creo que no volveremos a encontrar una pieza tan singular y hermosa como esta en décadas. Por siempre, uno de mis favoritos de todos los tiempos y de los noventa, mis respetos al Post de Björk.
Feliz aniversario!
Ahora, la avanzada audiovisual continuó con fuerza. Venciendo inclusive al prolífico en clips The Bends ése año, Post está escoltado de seis excelentes videoclips que a través de tus ojos y oídos te revelan la vasta riqueza de este álbum. Todo empieza con la poderosa Army Of Me (video por Michel Gondry); sigue con la gloriosa y adorada por la crítica Hyper-Ballad (video por Gondry), la ecléctica It´s Oh So Quiet (video por Spike Jonze), la preciosa Isobel (video por Gondry), la trip-hopera Possibly Maybe (video por Stephane Sednaoui), y finalmente, la excelente I Miss You (video por John Kricfalusi).
Creo que estas seis piezas audiovisuales ya hacen un aporte digno de reconocimiento. No obstante, no puede quedarse sin mención Enjoy, una de mis favoritas que fue producida entre ella y Tricky, otro gran jugador de la época.
Muy fácil de digerir, Post entra con mucha facilidad logrando conectar contigo inmediatamente a través de todos sus temas, los cuales muestran talento tanto en música y producción, como en composición de temas con vocación masiva. Creo que no volveremos a encontrar una pieza tan singular y hermosa como esta en décadas. Por siempre, uno de mis favoritos de todos los tiempos y de los noventa, mis respetos al Post de Björk.
Feliz aniversario!
About Time - Vigésimo Aniversario
Una de las bandas claves del neo-punk, melodic hardcore o la "tercera ola del punk" son los californianos Pennywise. Reconocidos entre otras cosas por su rápido estilo y por impulsar una convergencia entre los skaters y los surfers, esta banda tiene cerca de tres décadas de actividad, un compromiso intachable con su causa, y unos álbumes excelentes.
Aunque gozaron de algo de la prosperidad económica que sus compañeros The Offspring, Rancid y Green Day trajeron sobre el género y sobre el sello Epitaph, Pennywise mantuvieron un bajo perfil y un foco sobre lo que estaban haciendo. Así, continuaron un respetable ascenso de calidad después del excelente Unknown Road (1993) y en junio 13 de 1995 estrenaron About Time, una bomba punk que he escuchado desde entonces y que me sigue sorprendiendo por su solidez y por cuanto me gusta sin importar cuan viejo me sienta.
Abriendo magistralmente con Peaceful Day, este álbum pega duro desde el primer segundo y nunca afloja. De entrada ya se nota un trabajo acertado en producción a cargo de Jerry Finn y Mr. Brett Gurewitz (responsables del sonido en muchos álbumes del género) quienes le dieron muchísimo ataque a la batería, tonos altos al bajo, y sobre ésa veloz y limpia base rítmica, la guitarras de Fletcher se escuchan como nunca mientras la voz de Jim te cuentan estas historias relacionadas con la vida y el tiempo (sin ser un álbum conceptual).
Aunque About Time tiene himnos como Perfect People, Try y Same Old Story (video), la verdad es que de principio a fin es la pieza sólida por excelencia. Si tuviera que dividirlo para recomendar podrían llamar la atención Waste Of Time, Searching, Not Far Away, Freebase y It´s What You Do With It. Aunque claramente homogéneo, About Time tiene sencillas dinámicas que lo hacen brillar tales como coros, cambios de velocidad, paradas repentinas, punteos de guitarra y mensajes sinceros.
Finalmente hay que señalar que este fue el último álbum en que participó el bajista original Jason Thirsk, quien desafortunadamente se suicidó un año después. Aunque en el caso de este género no es particularmente traumático reemplazar este instrumento, puedo decir que de ahí en adelante si se nota un leve cambio en razón de la ausencia de Jason, quien había ayudado a consolidar el sonido característico de Pennywise.
Veinte años después me complace confirmar mi visión sobre este álbum que fue y continúa siendo mi favorito del género. Feliz aniversario!
Abriendo magistralmente con Peaceful Day, este álbum pega duro desde el primer segundo y nunca afloja. De entrada ya se nota un trabajo acertado en producción a cargo de Jerry Finn y Mr. Brett Gurewitz (responsables del sonido en muchos álbumes del género) quienes le dieron muchísimo ataque a la batería, tonos altos al bajo, y sobre ésa veloz y limpia base rítmica, la guitarras de Fletcher se escuchan como nunca mientras la voz de Jim te cuentan estas historias relacionadas con la vida y el tiempo (sin ser un álbum conceptual).
Aunque About Time tiene himnos como Perfect People, Try y Same Old Story (video), la verdad es que de principio a fin es la pieza sólida por excelencia. Si tuviera que dividirlo para recomendar podrían llamar la atención Waste Of Time, Searching, Not Far Away, Freebase y It´s What You Do With It. Aunque claramente homogéneo, About Time tiene sencillas dinámicas que lo hacen brillar tales como coros, cambios de velocidad, paradas repentinas, punteos de guitarra y mensajes sinceros.
Finalmente hay que señalar que este fue el último álbum en que participó el bajista original Jason Thirsk, quien desafortunadamente se suicidó un año después. Aunque en el caso de este género no es particularmente traumático reemplazar este instrumento, puedo decir que de ahí en adelante si se nota un leve cambio en razón de la ausencia de Jason, quien había ayudado a consolidar el sonido característico de Pennywise.
Veinte años después me complace confirmar mi visión sobre este álbum que fue y continúa siendo mi favorito del género. Feliz aniversario!
viernes, 12 de junio de 2015
Agnostic Front - "Old New York"
Así como lo hizo Michael Monroe con su Ballad Of the Lower East Side hace dos años, ahora Agnostic Front se une a la nostalgia del Nueva York de antaño con este video. El encanto de la gran manzana ha mutado considerablemente y los clásicos del siglo veinte lo recuerdan.
Red Medicine - Vigésimo Aniversario
Fugazi sigue añejándose como una de las bandas finas de la historia del rock por varias razones. Además de ser una propuesta clave en la transición de la década de los ochenta a los noventa al darle continuidad a la tradición hardcorera de manera alternativa (post-hardcore), fueron testigos del incontrolable y desaforado fenómeno de la popularización del undeground en los años 90, sin dejarse contagiar del furor del momento, MTV, los sellos discográficos y las modas, manteniendo firme sus convicciones frente al oficio del rockero, cuando la regla general es aprovechar las oportunidades económicas del mercado.
Pero además de los principios y buenas obras que siempre los caracterizan, la magia de Fugazi se completaba con su música, aquella fórmula única que desarrollaron con la potencia, el carisma y el contenido del hardcore, pero con su genial ingrediente melódico a dos guitarras y voces de Ian Mackaye y Guy Picciotto, y tempos más ligeros y elevados que en bajo y batería daban unos grooves muy funky a manos de Joe Lally y Brendan Canty, respectivamente, fundamento sobre el que lanzaban sus reflexivas líricas.
A mediados de 1995, sin llamar mucho la atención, estrenan el Red Medicine, su quinto álbum y uno de los favoritos de la crítica. Este álbum es un excelente exponente de las descargas de tres minutos clásicas de Fugazi, pero también tiene unas exploraciones interesantes que demuestran nivel musical. Version es la más comentada por reemplazar las guitarras por un clarinete en una curiosa atmósfera dub; Birthday Pony con su intro y su ritmito; Combination Lock es una instrumental con unos lead de guitarra deliciosos. Las calmadas Forensic Scene y Fell, Destroyed; entre otras. Por ahí leí que su lado B tiene las mejores sorpresas. Puede ser. Entre mis favoritas favoritas están By You y Target, que están en ésa segunda mitad.
En fin, como de costumbre, aunque no se revela a primera escuchada, Red Medicine es un discazo.
Pero además de los principios y buenas obras que siempre los caracterizan, la magia de Fugazi se completaba con su música, aquella fórmula única que desarrollaron con la potencia, el carisma y el contenido del hardcore, pero con su genial ingrediente melódico a dos guitarras y voces de Ian Mackaye y Guy Picciotto, y tempos más ligeros y elevados que en bajo y batería daban unos grooves muy funky a manos de Joe Lally y Brendan Canty, respectivamente, fundamento sobre el que lanzaban sus reflexivas líricas.
A mediados de 1995, sin llamar mucho la atención, estrenan el Red Medicine, su quinto álbum y uno de los favoritos de la crítica. Este álbum es un excelente exponente de las descargas de tres minutos clásicas de Fugazi, pero también tiene unas exploraciones interesantes que demuestran nivel musical. Version es la más comentada por reemplazar las guitarras por un clarinete en una curiosa atmósfera dub; Birthday Pony con su intro y su ritmito; Combination Lock es una instrumental con unos lead de guitarra deliciosos. Las calmadas Forensic Scene y Fell, Destroyed; entre otras. Por ahí leí que su lado B tiene las mejores sorpresas. Puede ser. Entre mis favoritas favoritas están By You y Target, que están en ésa segunda mitad.
En fin, como de costumbre, aunque no se revela a primera escuchada, Red Medicine es un discazo.
Feliz aniversario!
jueves, 11 de junio de 2015
miércoles, 10 de junio de 2015
Crocodiles - "Echando Desmadre"
Este es el dúo de noise pop de San Diego Crocodiles, quienes promocionan su nuevo álbum Boys con Echando Desmadre, una versión en castellano (mejicano) del tema Foolin´Around.
Hudson Mohawke - "Warriors" ft. Ruckazoid & Devaeux
El nuevo álbum de Hudson Mohawke se titula 'Lantern', y sale a la venta el próximo 15 de Junio bajo el sello Warp.
martes, 9 de junio de 2015
Daughn Gibson - "Daddy I Cut My Hair"
Esto es del americano Daughn Gibson y su tercer y reciente álbum Carnation.
lunes, 8 de junio de 2015
viernes, 5 de junio de 2015
jueves, 4 de junio de 2015
Future User - "Voodoo Juju"
Vuelve Tim Commerford (Rage Against the Machine, Audioslave) con su proyecto Future User instigando la polémica, esta vez con una parodia del sistema de salud en el video para el tema Voodoo Juju de su álbum SteroidsOrHeroin. (Si, el primer médico es interpretado por Tom Morello.)
miércoles, 3 de junio de 2015
Red Lites - "Maria"
Mateo Camargo, reconocido productor colombiano que ha trabajado con artistas de la talla de Shakira, Madina Lake y Hillary Duff entre muchos otros y Guillermo Morales baterista de agrupaciones como La Rueda de la Fortuna, Delavil y La Monareta, han decidido unir esfuerzos y traernos un power duo de rock que se viene como un camión sin frenos cargado de dinamita. Estas grandes cabezas de la música nacional han decidido llamarse Red Lites, y su primer sencillo "María" es una descarga de riffs de guitarra que estoy seguro nadie esperaba, pero todos necesitaban.
Habiendo escuchado ya un par de temas más, debo decir que estoy gratamente sorprendido y suprememente emocionado de saber dónde este proyecto pueda llevar la carrera musical de estas dos personas, y en general de lo que significa para la escena de rock en nuestro país, ya que sin temor puedo decir que han subido la barra, pues ellos demuestran que no le debemos nada a nadie y podemos sonar tan grandes cómo nuestro talento nos lo permita.
Ahora súbanle el volumen y disfruten.
'Fuck em all, María!'
Girl Band - "Why They Hide Their Bodies Under My Garage?"
Novedades desde Irlanda: El cuarteto Girl Band, que ya se ha hecho paso con su rock ruidoso, estrena este corto como acompañamiento de la versión que hicieron de Why They Hide Their Bodies Under My Garage? (original de su colega británico Blawan), incluido en su reciente álbum The Early Years.
martes, 2 de junio de 2015
lunes, 1 de junio de 2015
Further Down The Spiral - Vigésimo Aniversario
Uno de los elementos claves del rock industrial son los remixes. Así, muchos álbumes del género fueron precedidos o sucedidos por sencillos o recopilaciones de nuevas formas creadas con el material de temas principales, generalmente a cargo del equipo de compositores y productores, y también por otros músicos invitados. En la mayoría de los casos estos trabajos no tuvieron mayor relevancia comercial, y apenas mostraban algunas versiones o momentos únicos que lograron tener algún impacto. No obstante, aunque contados con los dedos de la mano, algunos de estos álbumes de remixes lograron un gran nivel y el Further Down the Spiral de Nine Inch Nails es el ejemplo más claro de ello.
Este álbum es una nueva aproximación al grandioso The Downward Spiral que llevaba un año dejando a miles con la boca abierta. Y por "nueva aproximación" me refiero a que con los mismos trucos y sonidos Reznor (y amigos) lograron otro planeta, que si bien nunca será independiente, tiene suficiente autonomía y magia para vivir por su cuenta. Moviéndose entre los mismos picos estridentes y los valles atmosféricos de las grabaciones madre, y empleando sus acordes, efectos y beats más primordiales, (principalmente, a través de Mr. Self Destruct y Eraser), el Further - como su nombre lo indica - te lleva por un desvío a la esencia del Downward, despertando la única e irrepetible serie de emociones que ése álbum hizo emerger de ti.
Pero aparte de ésa columna vertebral y de la consagrada versión en vivo del exitazo Hurt, el Further está lleno de sorpresas. Por mencionar algunas, la apertura con Piggy (Nothing Can Stop Me Now) a cargo de Rick Rubin como remezclador, en compañía de Dave Navarro que añade un riff demoledor en guitarra. (Seguro estos dos se encontraban juntos con ocasión de la producción del One Hot Minute de los Red Hot Chili Peppers)
Por otro lado tenemos un tema original del maestro Aphex Twin, bautizado At The Heart Of It All, que coincide sónicamente con su recién estrenado ...I Care Because You Do, pero comparte también el espíritu del Downward Spiral. Además, Aphex participa en la exploración The Beauty Of Being Numb junto a otros integrantes de NIN que solo se incluyó en la versión americana del Further (Halo 10). Menciono esto pues la versión inglesa (japonesa y australiana) del álbum (Halo 10 V2) incluye entre otras cosas exclusivas, las versiones que Charlie Clouser (ex-NIN) hiciera de Heresy y Ruiner.
Otros que aportaron y quienes habían colaborado para los remixes en el Ep Fixed, fueron el australiano J.G. Thirlwell, un jugador importante del industrial quien tiene una amplia discografía bajo el nombre Foetus (con Self Destruction, Part. 2 y la épica Self Destruction, Final); y también Coil, un proyecto británico clave en el género, integrado entre otros por el inglés Peter Christopherson (ex-Hipgnosis y director del video de March Of The Pigs) quienes son responsables por la original The Downward Spiral (The Bottom), Eraser (Polite) y "Erased, Over, Out" para el Halo 10, y Eraser (Denial; Realization) para el (Halo 10 V2).
En conclusión, el Further Down The Spiral es magnífico en su integridad y será referencia obligatoria en materia de remezclas.
Feliz aniversario !
Pero aparte de ésa columna vertebral y de la consagrada versión en vivo del exitazo Hurt, el Further está lleno de sorpresas. Por mencionar algunas, la apertura con Piggy (Nothing Can Stop Me Now) a cargo de Rick Rubin como remezclador, en compañía de Dave Navarro que añade un riff demoledor en guitarra. (Seguro estos dos se encontraban juntos con ocasión de la producción del One Hot Minute de los Red Hot Chili Peppers)
Por otro lado tenemos un tema original del maestro Aphex Twin, bautizado At The Heart Of It All, que coincide sónicamente con su recién estrenado ...I Care Because You Do, pero comparte también el espíritu del Downward Spiral. Además, Aphex participa en la exploración The Beauty Of Being Numb junto a otros integrantes de NIN que solo se incluyó en la versión americana del Further (Halo 10). Menciono esto pues la versión inglesa (japonesa y australiana) del álbum (Halo 10 V2) incluye entre otras cosas exclusivas, las versiones que Charlie Clouser (ex-NIN) hiciera de Heresy y Ruiner.
Otros que aportaron y quienes habían colaborado para los remixes en el Ep Fixed, fueron el australiano J.G. Thirlwell, un jugador importante del industrial quien tiene una amplia discografía bajo el nombre Foetus (con Self Destruction, Part. 2 y la épica Self Destruction, Final); y también Coil, un proyecto británico clave en el género, integrado entre otros por el inglés Peter Christopherson (ex-Hipgnosis y director del video de March Of The Pigs) quienes son responsables por la original The Downward Spiral (The Bottom), Eraser (Polite) y "Erased, Over, Out" para el Halo 10, y Eraser (Denial; Realization) para el (Halo 10 V2).
En conclusión, el Further Down The Spiral es magnífico en su integridad y será referencia obligatoria en materia de remezclas.
Feliz aniversario !
Julian Casablancas+The Voidz - "Human Sadness"
De su álbum Tyranny de 2014, este es el video para el tema Human Sadness de Julian Casablancas + The Voidz, que muestra un interesante revuelto audiovisual inspirado por varias décadas.
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