Flying Lotus - "Ready Err Not"

Freak Kitchen - "Freak of the Week"

Mark Deutrom - "Riffology 21 : GhostDance"

Una pieza de la serie Riffology por Mark Deutrom (ex bajista de Melvins).

"A chance encounter with this Edison reel sent a gigantic riff coursing through my skull. Celebrate with the original founding Fathers and their animal brothers."

Sobre RELATOS SALVAJES

No esta de más iniciar aclarando que Relatos Salvajes es una película de antología, compuesta por seis cortometrajes de drama y humor negro, con lo "salvaje del ser humano" como concepto en común. La venganza también está presente en cada una de los relatos.

Ahora, aparte de súmamente entretenida, lo que más llamó la atención de esta película es su impecable presentación. En realidad sorprende su factura. Tal vez tenga que ver la experiencia del director argentino Damián Szifrón, quien aparte de las tres películas que con esta ya suma a su filmografía, se ha desempeñado en la televisión de su país por más de veinte años (con buenos resultados, particularmente entre 2002 y 2003 con la serie Los Simuladores), durante los cuales se aproximó al cine, con seis cortometrajes realizados entre 1992 y 1998, un mediometraje en 1999, su primera película En el Fondo del Mar en 2003, y su segunda, Tiempo de Valientes en 2005. Hoy, es un jugador importante en la industria cinematográfica argentina, con varios proyectos actualmente en desarrollo.

Pero bueno, considerando que cuando esta película acaba estás listo para una, o varias historias más, y que al salir de la sala haces algunas reflexiones interesantes sobre nuestro lado oscuro, Relatos Salvajes merece una sincera recomendación.

Calificación 4 / 5

Prensando Vinilos en la Era Digital

Eno • Hyde - "Lilac"

Otra de las novedades de 2014, Brian Eno y Karl Hyde (de Underworld) lanzan su segundo álbum High Life. Este es el tema Lilac, donde parece que Thom Yorke estuviera tocando temas de los Talking Heads.

Natty Dread - Cuadragésimo Aniversario

Aparte de la reglamentaria dosis política y religiosa contenida en toda la obra de Mr. Bobby (como cariñosamente le llamó Manu Chao), preparada con la consagrada receta que hizo del reggae y de Jamaica fuertes jugadores del siglo XX, en su álbum Natty Dread (1974) el hombre da un paso adelante en su carrera, pues por primera vez, sin sus compañeros Bunny Wailer ni  Peter Tosh en la banda (con quienes conformaron los originales Wailers), es el absoluto jefe, líder espiritual y compositor del universalmente famoso proyecto musical conocido como Bob Marley and the Wailers.

La sección rítmica del álbum, (por primera vez) a cargo de los hermanos Barret (Aston y Carlton en bajo y batería respectivamente) es un espectáculo desde el primer segundo. Suenan con mucha profundidad y firmeza, lo que se percibe mejor a alto volumen. Otro dato curioso es la participación de las I-Threes, el trio vocal responsable de los coros en la obra de Bob Marley de allí en adelante, del que hacía parte Rita, la esposa de Bob. Por otra parte, me llaman la atención frecuentes instrumentos de viento que enriquecen mucho el álbum. (Se que no aparecen acreditados músicos a cargo de estos instrumentos, y en vivo generalmente eran reemplados por los teclados. Desconozco en detalle si serán samples, o algo así.)

Aparte de la apertura con la alegre Lively Up Yourself (con la que solía abrir los conciertos) y la versión de estudio de No Woman No Cry (una versión en vivo es más famosa), este álbum no tiene más hits masivos, por lo cual Natty suena muy fresco hoy en día. Mis temas favoritos son So Jah Seh y la poderosa Natty Dread, que son las referencias mas explícitas al movimiento Rastafari. Otra joyitas son Them Belly Full (But We Hungry) y Bend Down Low.

Por su contenido y solidez musical, Natty Dread es uno de los álbumes definitivos de Bob Marley.

Feliz aniversario!

Encontré que el lanzamiento de este álbum ocurre algunas semanas después del golpe de estado, que luego de una crisis política, sacó de su largo mandato en Etiopía a Haile Selassie I, quien es venerado por los Rastafaris como una divinidad, por ser la segunda encarnación de Dios de la biblia.

Cavalera Conspiracy - "Babylonian Pandemonium"

Band of Skulls - "Himalayan"

Noel Gallagher's High Flying Birds - "In The Heat Of The Moment"

Radiografías del Mal: The Entity (1982).

Esta película la grabé en mi adolescencia en la señal de la antena parabólica( en Frecuencia Latina, si mal no recuerdo) en una de esas semanas de terror que hacen muchos canales en las temporadas de octubre. Es bastante perturbadora( esta basada en un hecho real) y lo mantiene a uno bastante tenso. Su protagonista no puede explicar porque es agredida y violada por una fuerza invisible. Esto empieza a perjudicar su estilo de vida y el de su familia.

Y como típica película de fuerzas paranormales, ella recurre a parapsicólogos que intentan ayudarla en su batalla frente al extraño animismo que recorre la casa. La música es básica y tan efectiva a la hora de resaltar secuencias escalofriantes, que hace que uno le empiece a tener cierta lastima a su personaje, hasta el punto de llegar a identificarse con su desespero en medio de su lucha. Es claustrofóbica, oscura en su fotografía y con un guión sencillo pero acertado. Da la casualidad que se estrenó el mismo año de Poltergeist (al parecer el tema empezó a tener un gran auge) aunque esta mantiene un tono mas realista y menos ambicioso que la gran película de Tobe Hooper y Steven Spielberg. Siempre he sido fanático de los finales malditos en las películas de terror, porque crean un mayor número de preguntas sobre el espectador y porque nos permite concluir que hay fuerzas inexplicables que aun no podemos responder.

The Entity es una excelente película de terror, suspenso y drama y juega con la vulnerabilidad sobre lo femenino( lo materno, específicamente). De ahí radica su principal interés y como una inocente familia se ve sometida y sentenciada a enfrentarse con esta clases de oscuras fuerzas. 

El Gran Regreso de Brujeria

Pero, qué demonios...?

The Dead Milkmen - "The Sun Turns Our Patio Into A Lifeless Hell"

Sobre JEUNE ET JOLIE (Joven y Bonita)

Después de la respetable Dans La Maison (2012), regresa a las carteleras mundiales François Ozon (el director francés del momento) con su reciente Joven y Bonita, en donde se da gusto (una vez más) con las mujeres en escena, esta vez, con la  modelo y actriz Marine Vacth en el rol principal. (Oh Dios si es bonita, de hecho reclamó el título obtenido por Adèle Exarchopoulos en La Vie d´Adele...)

Con más estilo que profundidad, el director aborda aquel oficio tan viejo como la humanidad (prostitución), a través de una personaje sin necesidad alguna en la vida. Si bien comprendo las críticas que la acusan de supeficial, me parece que inevitablemente la película termina en el sofisticado club al  que pertenecen, entre otras, Belle de Jour (Buñuel 1967) y Nymph()maniac (Von Trier - 2013), donde el conflicto te impacta emocionalmente en un nivel considerable. Por supuesto que a nivel moral haces evaluaciones, pero por tu cuenta, pues de manera muy acertada Joven y Bonita se exime de responsabilidad en este aspecto. Más bien, llamó mi atención el poder que inadvertidamente maneja esta adolescente a nivel social, quien sin salirse de la legalidad, destruye paradigmas y corazones sin reparo. Esto es muy interesante mientras no te ubiques o identifiques como víctima, caso en el cual la historia toma un color oscuro.

Así las cosas, haciendo a un lado la belleza de la actriz principal (que además de justificar el argumento te deja con la boca abierta), Joven y Bonita entretiene suficiente, además de generar buenas reflexiones y emociones, por lo que merece una recomendación.

Calificación 3.5 / 5

Thurston Moore - "Speak To The Wild"

Stoner Witch - Vigésimo Aniversario

Después del magnífico Houdini de 1993, regresan los Melvins con su séptimo álbum (y segundo de tres en Atlantic Records) para seguirla sacando del estadio.

Parte del encanto de Melvins es su sonido y actitud independiente que los ha mantenido vinculados por treinta años al underground. Esto se evidencia en todos sus trabajos, que generalmente enfrentan, en momentos específicos, tu noción de disco de rock, ya sea recargándose en el ruido, en el volumen, en ritmos complejos, o en extensas duraciones. Ahora bien, Stoner Witch es el álbum más (o al menos uno de los más) accesibles de la banda, por una marcada aproximación melódica en todos los temas, tanto rockeros como experimentales, muy acorde con la tendencia del momento. Así las cosas, para bien o para mal (pues siempre hay quien condene estos picos de tendencia comercial en bandas de esta categoría), Stoner Witch es una de las piezas claves y definitivas de esta leyenda del metal alternativo americano, donde emplean todos los trucos musicales que los caracterizan, pero con un atractivo sin precedentes y sin contendor en su amplia discografía.

Describe Patrick Kennedy en la reseña para Allmusic:

"The early to mid-'90s proved the Melvins' golden age, and the three principal albums from that period -- Stoner Witch provides the centerpiece -- are virtually unassailable in their range, depth, power, and experimental courage. [...]"

Durante los primeros diez minutos Skweetis, Queen (video), Sweet Willy Rollbar y Revolve (video), el disco es sencillamente irresistible. Del quinto track en adelante, fluye más clásicamente, con excelentes sorpresas como por ejemplo la sollada, heavy, sludgy y épica At the Stake, la harcorerita June Bug, y el exquisito cierre con Lividity. En la tarea de construir esta belleza ayudaron bastante el productor GGGarth, y Mark Deutrom, el bajista que los acompañó durante "the Atlantic years" reconocible de inmediato por su sombrero vaquero.

Feliz aniversario!

 
Excelente show en televisión, donde se ve a la banda dejándose llevar por el boom comercial del grunge y de la música alternativa.

Foo Fighters - "Something From Nothing"

Radiografías del Mal: The Exorcist (1973)

Y me tenía que extender en esta radiografía del mal. La mamá de todas las películas de terror, en la semana de cine de terror satánico.

Son muchas las expresiones que tengo para definir lo que podría ser, para mí, la mejor película de terror de toda la historia del cine. Sé que han pasado décadas y el miedo y las tendencias cambian y quizás la gente ya no le tiene el mismo aprecio. Quisiera enumerar gran parte de las virtudes que caracterizan a The Exorcist como una película inteligente, desgarradora, dramática (muy pocas películas de terror lo consiguen) con una habilidades narrativas tan simples y a la vez tan complejas de lograr, efectos especiales que progresivamente van en un crescendo malvado,(muy malvado), música, personajes, todo, todito, todo.

1. El tema: abordar el componente católico para toda la cultura occidental creyente y aferrada a sus valores espirituales y darle un giro blasfemo a todos los iconos(apuñalarse con la cruz, una virgen con tetas sangrantes, burlarse e insultar a los sacerdotes) es escalofriante. Sacó miles de bendiciones en teatro. La gente se largaba y se sentía insultada. Para mi eso es positivo para una película de terror.

2. La vulnerabilidad de sus protagonistas: Regan, una pequeña inocente, que por andar en jueguitos prohibidos terminó siendo poseída por Pazuzu, el demonio más vil de todos los tiempos. Esa misma vulnerabilidad aplica para su mamá, quien persigue la angustia de salvar a su hija, y también los problemas de fe del padre Damien Karras y el lío protector de su mamá en el hospital.

3. La sencillez de su contexto: el demonio se ensaña sobre una familia trabajadora y pacifica que recibe todo el peso del mal personificado.

4. La música es jodidamente aterradora y produce mucho escalofrío. Es efectiva, al grano, sin tanto maquillaje.

5. Agotar toda posibilidad racional: Regan pasa por cientos de horribles tratamientos para dar con alguna enfermedad, mientras vemos la imposibilidad de la lógica y de la ciencia para dar con algo.



6. Los efectos especiales análogos: en una era donde todo ahora se hace digital, ver toda la parafernalia análoga de la película, es casi un triunfo y hace que se preserve como una película contemporánea.

7. El mal triunfa: que el demonio gane la batalla es mucho mas aterrador(discúlpeme si lo conté el final, pero si después de cuarenta años usted no la ha visto, debería darle vergüenza) que cualquier otra cosa porque nos crea miles de inquietudes: ¿Realmente existe el demonio? ¿ Dios existe? ¿ Porqué el mundo es tan horrible?

8. La dirección de fotografía: es un atmósfera muy sombría que juega con altos contrastes( sobretodo en la batalla de los curas contra el demonio, amplifica el estado de pesadilla en el que vive la niña y tiene una capacidad de sorprender en términos de planimetría).

9. El montaje: es una película sutil, así usted no lo crea, crea unos ritmos adecuados, desde una ligeras pistas iniciales  que nos indican que una fuerza se empieza a colar, hasta el horror mas grosero y descarnado( blasfemia, grosería, escupitajos, histeria y desespero por todas partes).



10. Las interpretaciones: esto va de la mano de un director veterano y cojonudo como lo es William Friedkin ( The French Connection, que peliculota) que logra sacarle el jugo a todo el mundo. Linda Blair a su edad, consiguió un papel increíble porque nos demostró miedo y vulnerabilidad combinada.

11. El guión: es sencillo, sin tanta pretensión, líneas muy elaboradas y argumentadas. Giros muy finos e inteligentes. Un final negativo y su balanza no se desvía por tintes religiosos. No nos pide asumir una postura espiritual, las cosas so están ahí, de manera imparcial.

Podría quedarme escribiendo cientos de atributos para esta película. Después de cuarenta años, no ha habido alguna película que le pueda dar la talla. Sigue siendo la película de terror por excelencia. No solo la recomiendo, debe ser obligatoria solo por cultura general y debe volverse a ver para encontrarle nuevas aspectos.

Sobre LA DANZA DE LA REALIDAD

Estrenada en el Festival de Cannes 2013, La Danza de la Realidad es el regreso de don Alejandro Jodorowsky a su quehacer cinematográfico, después de un par de décadas de dedicación a otros oficios, con excelentes resultados.

Con su clásica motivación intacta, de hacer de la puesta en escena una psicomagia de la cual todos en la producción y en la audiencia puedan obtener provecho espiritual, Jodorowsky usa la historia de su vida como inspiración, valiéndose de algunos de tantos recuerdos que lo marcaron para siempre y que lo conforman actualmente como individuo, para compartirle a nuestro niño interior algunos de los trucos para aprender en este viaje infinito por el universo.

Si bien esta vez narra con una tendencia más teatral y didáctica que en anteriores oportunidades, en La Danza de la Realidad percibimos a un Jodorowsky en completa forma, como gurú y aprendiz de su consagrado estilo, en el que explota muchas de las amplias posibilidades del lenguaje audiovisual, con su usual carga de contenido simbólico, con humor, con reflexiones políticas, familiares y existenciales, con él y sus hijos actuando (y la terapia explícita para sanar al padre), con elementos de producción costosa, pero también artesanal, entre muchos otros detalles que hacen de ésta, una película única, valiosa, y por supuesto, recomendada.

Calificación 4.5/5

Freddy Fresh & Andy Ictus - Hardcore Rocka ft. Tanto Metro and Devonte

Queens of the Stone Age - En Vivo - Bogotá D.C. 7-X-2014

Finalmente, llegó el día del esperado concierto de Queens of the Stone Age en Bogotá, así como el de compartir algunas apreciaciones sobre el evento, que en términos generales fue muy bueno.

En primer lugar, en el creciente mercado del entretenimiento en el país, y la correspondiente oferta de artistas internacionales que se amplia día a día, es importante anotar de entrada, que la banda (o proyecto) conocida como QOTSA tiene una relevancia especial entre tantas propuestas del momento. El primer aspecto por la cual es relevante es por trayectoria. Teniendo en cuenta que QOTSA fue formada antes del año 2000, y que su líder Josh Homme tenía para ése entonces una respetable reputación construida como guitarrista de Kyuss (una de las bandas definitivas del stoner metal), Queens of the Stone Age es calidad de la vieja escuela. Haber sido un proyecto criado en el siglo 20, se nota en su propuesta artistica de manera muy positiva.

El segundo aspecto por la cual es relevante QOTSA es por vigencia, ya que a más de un año de haber sido lanzado, hay un consenso generalizado entre crítica especializada y el público en general, sobre el ...Like Clockwork como uno de los álbumes de rock más importantes de la historia reciente (si no el más...). Entonces, la gira que estábamos viendo, no era de viejos éxitos de radio, era del mejor rock actual. (Casi lo tocan completo, faltaron Eyes.., Vampire.. y Kalopsia.)

Finalmente, según mi romántico criterio sobre el tema, QOTSA es una de las pocas bandas responsables de evitar que el rock muriera pasado el año 2000. Esto lo lograron con excelente música, ruda y calidosa, creada con guitarra, bajo, batería y voz, estándar que habiendo perdido tanta fuerza en la década pasada, los ubicó al nivel de mis adoradas y clásicas Soundgarden y Alice In Chains.

Ahora, sobre el (relevante) show que presenciamos los bogotanos, puedo dar 5 estrellas a la banda, que si bien con el paso de los años ha abandonado la actitud fuerte por una más madura, no ha dejado de ser una competente y elegante propuesta de metal alternativo. (Recordemos que iniciaron con Millionaire y cerraron con A Song for the Dead). A esto sumémosle la presentación inicial del multi instrumentalista Alain Johannes, fundador de la banda de grunge, Eleven, junto a Natasha Schneider (R.I.P.) y Jack Irons (baterista ex chili pepper y Pearl Jam) quien fue miembro oficial de QOTSA durante la grabación y gira del Lullabies to Paralize y guitarrista y tecladista de soporte para las giras de Them Crooked Vultures.

Ahora, aunque me gusta el Royal Center por su ubicación, por sus buenas condiciones de visibilidad y acústica general, por que se puede comprar trago durante los conciertos y porque es un espacio cómodo, el concierto excedió ligeramente el límite de asistencia (lleno) para mi gusto, así como los límites de sonido, que estaban algo "estallados". Ahora, estos son detalles que corregidos harían el show perfecto, pero no impidieron que fuera magnífico y memorable.

Vale la pena resaltar también la emotiva respuesta del público y de Josh Homme durante el concierto. Grandes momentos: Burn The Witch, Feel Good Hit of the Summer / The Lost Art of Keeping a Secret y Smooth Sailing.

Larga vida a Queens!

(En los segundos 17-18 se me escucha gritar "¡bravo!" con mucha sinceridad : )

Jueves de animación: Horror Parte 1

Como estamos en el mes del horror y en Es una trampa nada nos gusta más que el horror, dedicaremos los jueves de animación que quedan a seleccionar animaciones de terror (de cualquier tipo).



Blenderstein! from Cartoon Brew on Vimeo.



Nelez tam - "Climb not" from Anna Vančurová on Vimeo.

Radiografías del Mal: Rosemary’s Baby(1968).

 

No hay nada más duro cuando uno esta viviendo una mentira insospechada bajo una fachada de cordialidad. Roman Polanski ha sido amante de las historias macabras desarrolladas en los conjuntos cerrados, donde el juego de las apariencias ha sido un campo muy investigado a la hora de construir personajes que van progresivamente mostrando su verdadera cara. Repulsión, El Quimérico Inquilino y el Bebé de Rosemary, juegan con un patrón particular de diseccionar estados de comportamiento a partir de los espacios confinados, espacios que generalmente suelen ser metáforas de los estados de ánimo por los que pasan los personajes. Esto le pasa a Rosemary Woodhouse, una chica que simplemente busca construir un matrimonio estable, llevando una vida estilizada en unos lujosos conjuntos de apartamentos en Nueva York. Todo va de maravilla, hasta cuando empieza a tener conflictos con sus extraños y chismosos vecinos, el repentino cambio de actitud de su esposo y una oscura transformación por la que ella empieza a pasar sin saber el porqué. Es una película increíble a la hora de jugar con el espectador, planos finamente compuestos para generarnos dudas, paranoias y total desconfianza sobre absolutamente todos los personajes que aparecen en pantalla. Lo que empieza a ser aterrador, es cuando Rosemary empieza a confundir la realidad con la pesadilla, suicidios, extrañas imágenes de orgias con Satanás, médicos que desaparecen, vecinos extrañamente amables en torno al nacimiento de su próximo hijo y toda una maldita telaraña de confusión. 

Es una obra maestra en narración y fotografía, con unas interpretaciones de lujo (el director John Cassavetes interpreta a su esposo, y su vecina es Ruth Gordon, quien se ganó un Oscar por hacer de la vecina chismosa). Si usted es creyente, esta película duplicará sus escalofríos, su atmósfera es claustrofóbica y horrible. Pobre Rosemary, el mundo es un lugar muy oscuro para muchas madres. Pero aparentemente, ella será una madre privilegiada. Muy recomendada. Amo la banda sonora. Es una de mis películas de terror favoritas.

Nitrogods - "Rats and Rumours"

Radiografías del Mal: The Wicker Man (1973).

Es la pesadilla por excelencia para los fervientes creyentes. Llegar a un extraña isla y ver que le rinden culto a dioses paganos, celebraciones con habitantes enmascarados, sobretodo visto desde la perspectiva de un honesto policía, hace de de The Wicker Man una película aterradora y original. El policía llega a una isla para investigar la desaparición de una mujer, descubriendo una extraña conspiración que indica que, aparentemente, ella fue sacrificada. ¿Quiénes son los culpables? Lo más miedoso de todo esto es que, podrían ser todos los habitantes de la isla. Cuando en una película de terror todo es color de rosa y se respira estabilidad, es porque debajo de ese contexto de amabilidad, siempre estará descansando una maldita y oscura verdad. El gran gancho de la película está en ver en tiempos contemporáneos, con religiones definidas, cultos vivientes predicando y poniendo a prueba su fe a punta de sacrificios, aunque eso incluya sacrificios humanos. Es uno de los finales mas aterradores que he visto en cine. Me produce nauseas de solo pensar en el remake que hicieron con Nicolas Cage. Es pésimo, no la vean, no pierdan su tiempo. El papel de Christopher Lee como Lord Summerisle es convincente, entendiendo el historial terrorífico de este gran actor ingles, quien se ha destacado en el universo de la productora Hammer. La película también pone a prueba la tolerancia de la religión católica sobre las religiones paganas, en otras palabras, es blasfemia pura, y de la buena.

RAZ - "They´ll Speak"

RAZ SIMONE - They'll Speak from Stephan Gray on Vimeo.

CARCASS - "The Granulating Dark Satanic Mills"

KoЯn - Vigésimo Aniversario

Otra de las grandes y buenas sorpresas del 94 fue el álbum debut de KoЯn, la banda californiana pionera del nu-metal, que inició una respetable escalada de popularidad con su entonces novedosa versión del metal, grave, pesada, y muy alternativa que incluía la voz (entre gutural, ladrada, melódica, sucia y a veces infantil) de Jonathan Davis con sus acentos de respiración en el micrófono, las guitarras Ibañez de 7 cuerdas de los poco virtuosos y atmosféricos Munky y Head, el bajo (Ibañez de 5 cuerdas) de Fieldy y su marcada tendencia Hip hop, y finalmente, los tambores apagados del hábil David Silveria (de 22 años en aquel entonces).

La banda tenía todo por mostrar en ése momento y este impulso fue canalizado majestuosamente por el señor Ross Robinson, quien aparece de repente en la escena de la producción musical con la nueva receta ganadora, con la  que logró cotizarse para producir entre otras bandas relevantes de los noventa, a Slipknot, Machine Head y Sepultura, en su oficina favorita, el Indigo Ranch Studios. Actualmente se le conoce oficialmente como el padrino del nu-metal, aquél género que tantas alegrías y desgracias trajo.

En este trabajo encontramos los reglamentarios hit singles, como el introductorio e inolvidable Blind, Need To (con su emocional coro), la elevada Shoots and Ladders, y Clown,.También está el enojado exitazo Faget, pero, me llama la atención que una  vez pasados todos estos, el álbum entra en una recta final donde se consagra como algo muy sólido, con los pesados Predictable (con su riff ganador), Fake (y sus delicadas estrofas), Lies (con su groove) y Helmet in the Bush (con su beatsito electrónico...). Ni hablar del épico cierre con Daddy.

Me encantan también Divine y Ball Tongue, mejor dicho todo el disco. Una maravilla.

Feliz aniversario!

Radiografías de Mal: À l'intérieur (2007).

Y no podía faltar en esta selección de chicas letales, una de las películas más violentas que han salido recientemente en el cine de terror francés, junto a Martyrs. La historia es un simple pretexto para presentar una horrible noche de pesadilla por la que pasa una chica embarazada, quien será acosada por uno de los que se convertirían en los personajes mas emblemáticos del cine de terror, protagonizado por Béatrice Dalle: una desconocida mujer que solo tiene un objetivo, y es arrebatarle literalmente a su hijo. ¿La forma?, la que sea necesaria, eso incluye abrirle la panza con unas tijeras. El fuerte de la película radica en algo primitivo y efectivo, y es el desarrollo de la historia en una sola noche sobre una base universal : instinto de supervivencia. La dirección de fotografía ayuda a crear una atmósfera bastante oscura, resaltando todos los horribles sucesos que se empiezan a desatar. Ni siquiera la ayuda de la policía librará a su protagonista de todas la tragedias que irán  incrementando la tensión de los acontecimientos. Es muy sangrienta, y juega a romper ciertas convenciones que se encuentran estructuradas en la mayoría de historias de terror: la presencia masculina acechando. Acá pasa todo lo contrario, y es un elemento que impulsa a que lo femenino se vaya contra su propio género y es esa necesidad, en algunas mujeres, de asumir un rol maternal, así toque llevarlo hasta los extremos necesarios. Los hombres en esta historia son vistos como unos simples insectos llorones, mientras que las mujeres se convierten en aguerridas cazadoras buscando sus propios objetivos.  Esto es lo que más llama la atención durante el transcurso de la película, desde una interesante presentación del oscuro personaje (el flash de la cámara tratando de darle una forma al mal personificado), la ingenio de utilizar una casa para planificar secuencias innovadoras en el universo de la violencia y unos resaltados efectos especiales análogos que cierran toda la credibilidad de las dolorosas ocurrencias por las que sufren todos los personajes. À l'intérieur (su titulo evoca exactamente las necesidades del mal) perdurará como una excelente y violenta película de terror francés, que en apariencia, hace ver al cine violento norteamericano(Saw) como si fueran películas infantiles. Béatrice Dalle siempre será hermosa en esa gabardina negra, y muy letal. Mucho cuidado con las madres sobre protectoras, algunas pueden ir demasiado lejos por preservar a sus crías.

Radiografías del Mal: Misery (1990).

Después de The Shining, Misery es una de las mejores adaptaciones que se han hecho de las novelas de Stephen King, desde mi perspectiva. Kathy Bates la saca del estadio con un protagónico comprometido y aterrador. No sobra decir que los creativos siempre serán más sinceros si parten de sus propias experiencias de vida para escribir, y King también ha experimentado la presencia del groupie acosador (un sujeto alguna vez se metió en su casa). Misery trata sobre el  escritor Paul Sheldon    (raro en  Stephen King haciendo ficción de su vida) quien ha finalizado su última novela. En medio de una fuerte nevada, su automóvil se voltea y sufre un accidente. Para su “suerte”, es rescatado  por Annie Wilkes, una enfermera fanática de los libros de Sheldon. Al principio todo parece tranquilo, pero cuando ella ya no lo quiere dejar ir, empieza la odisea.  Annie desatará su ira al leer que su escritor va a matar a su protagonista estrella en su última novela. No hay nada más aterrador que un fanático apasionado. Annie hace de las suyas como enfermera, manteniendo sedado a Paul por semanas. En Misery hay una secuencia icónica con un martillo de la cual no quiero profundizar mucho, pero yo lo invito a que la descubra por su cuenta. Misery contiene todos elementos que desea un espectador ansioso por una buena historia con dosis de adrenalina. La película va aumentando progresivamente la tensión y nos va destapando sorpresas y giros inesperados. El actor James Caan no se queda atrás en su papel de Paul y demuestra de manera efectiva toda su pesadilla y encierro por tratar de escapar de una brutal psicótica. Excelente banda sonora, dirección de fotografía y montaje. Ni hablar de las interpretaciones (Bates ganó un Oscar por este papel). Annie Wilkes jamás será olvidada en el horrible imaginario de varias generaciones de fanáticos. Annie Wilkes siempre será una chica letal.  

Royal Blood - "Ten Tonne Skeleton"

KingTuff - "Black Moon Spell"

Radiografías del Mal: The Loved Ones (2009).

De esas gratas sorpresas que trae en sus momentos el cine de terror australiano, como Wolf Creek, The Loved Ones es una excelente película que no tuvo mucho bombo por este lado del charco. Han existido varios thrillers sobre la obsesión femenina y enamoradiza pero han habido muy pocas destacadas desde la línea de los adolescentes. La historia maneja unos momentos tan simples y tan bien construidos, un humor especial que contrasta con situaciones muy violentas impregnadas de una originalidad arrasadora. Esta es la típica historia de la niña rechazada por su traga para ir a la noche del prom. Hasta el momento parece una simple comedia romántica. Nuestro galán es un metalero emo que se quiere cortar las venas porque se siente culpable por la muerte de su padre en un accidente automovilístico. Todo normal por el momento. Cuando desaparece repentinamente el joven, se pasa de American Pie a Masacre en Texas. Nuestro emo es secuestrado por la señorita Lola, una psicópata que recrea un decadente prom en su casa con la ayuda de su loco e incestuoso padre. La película mezcla una desgarradora angustia de ver secuestrado y torturado a nuestro galán, mientras se contrasta con momentos humorísticos relacionados con la noche del baile. La banda sonora y la dirección de arte son brutales. Ni siquiera les quiero hablar del tercer acto pero la película está bañada de gratos e inesperados puntos de giro que la hacen una historia estructurada y justificada. Lola se convertiría en un maravilloso y tenebroso icono de terror femenino, casi a la altura de un Michael Myers o un Freddy Krueger, por su personalidad, dosis de humor y cinismo, convirtiéndose en una chica muy letal. Témanle al amor, témanle al rosado, témanle al cortejo, témanle al pop, Lola lo ejemplifica de la mejor manera. Después de esta película a uno no le dan ganas de salir con nadie. Inolvidable película.

Monster Magnet - "The Duke"

Radiografías del Mal: Audition (1999).

 

 

Me disculparan si les hablo de la obra de Takashi Miike hasta en la sopa, pero este cineasta es una maquina para hacer películas( casi tres al año) y es además un director con matices impresionantes. Hoy hace un drama, mañana hace una comedia, pasado mañana hace la película más violenta del mundo, y así. Audition es la ira y la venganza femenina por excelencia ( ¿o será la conciencia de su protagonista?). Como se titula la película, la audición es un pretexto de un ejecutivo para lograr encontrar una chica con quien salir y conocerla( y lograr otro tipo de intenciones que van más allá del estrellato). La candidata elegida es Asami, una chica con una dulzura de mirada, pero es la maldad encarnada en una muñequita de ballet. Generalmente el mal se esconde tras una mascara de cordura. La película tiene una de las escenas mas impresionante de tortura en toda la historia del cine. Acá empezamos a descifrar patrones que empiezan a construir un estilo propio en la obra de Miike: agujas, sonido fuera de campo que insinúa un dolor intenso, tiempos prolongados (dura casi unos 10 minutos). La cereza sobre el pastel se dará al final de tan escalofriante tortura. Hay algo de masoquismo al ver secuencias de violencia en Miike porque están bellamente fotografiadas, encuadradas y protagonizadas. Es una oscura necesidad de ver en pantalla una especie de macabra justicia que deben enfrentar todos los pecados de la humanidad encarnados en la figura masculina. Asami se ha convertido en un modelo inconscientemente a seguir en muchas mujeres, y bueno, si se habla de todo el antecedente freudiano que tiene de base el cine de terror para proyectar deseos implícitos, pues esto sería canibalismo puro, la mantis arrancándole la cabeza al macho y haciéndolo picadillo después de un sexo salvaje y descarnado. La figura de Asami dispararía como cohete a la obra de Miike, consolidandolo como uno de los realizadores más originales del mundo. Asami es una de las chicas más letales del cine en general. Rezaré cada noche para nunca llegar a toparme con una dama tan especial y reflexionaré sobre mi comportamiento con todas las mujeres de este planeta. Jamás olvidaré aquella tierna tonada que sale de sus tiernos labios: Kiri Kiri Kiri. 

Radiografías del Mal: Carrie (1976).

Carrie White representaría a la Norteamérica adolescente de un sector marginal de la sociedad de mediados de los setenta. Lo que empezaría como un típico drama de una adolescente enfrentando sus primeros cambios y el rechazo de sus compañeras de colegio, pasa a tornarse en la mas bizarra historia del lazo que establece Carrie con su madre (quien hace un papel extraordinario), una cristiana radical enloquecida con la idea del pecado regado por toda la sociedad( ¿tendrá razón?). Ese sería realmente de fondo, el verdadero horror por el que pasa su protagonista, tratando de convencer a su mamá de que realmente el mundo no es un lugar tan oscuro como parece, aparentemente. Carrie no solo se empieza a desarrollar físicamente, sino que adquiere poderes telequinéticos. De ahí parte el gran detonante de la historia, que maneja unas buenas dosis de humor y horror. También vemos por ahí los primeros pinitos de John Travolta como el típico idiota que uno detesta en todas las películas de gringos adolescentes. Carrie estaría en el listado de las decentes adaptaciones que se han hecho de las miles de novelas que tiene regadas Stephen King. Todo esto es el resultado de un Brian de Palma que empezaría una talentosa carrera como director. Vale la pena destacar la banda sonora compuesta por Pino Donaggio. Ahora, ¿qué pasa si se combina el rechazo social del colegio, mas todo el adoctrinamiento de su mamá, poderes telequinéticos y la broma más pesada e icónica de toda la historia del cine? Pues se hace realidad toda la pesadilla que vive la Norteamérica de ahora, plagada de niñitos psicóticos con ansias de fusilar al primer ingenuo que se topan en un pasillo. Esta es la fantasía perfecta de los que han sobrevivido al bullying: cobrar venganza de todos los idiotas. Y debo reconocer como espectador, que se disfruta el ver como Carrie se desquita de todo el mundo, incluidos sus propios maestros. Este es también un pretexto para mostrar el paso que viven muchas chicas (y chicos) al tratar de encajar en un contexto que, en la mayoría de las veces, te está esperando para hacerte una zancadilla. Por eso, Carrie hace parte del grupo de la Semana De Las Chicas Letales. Excelente montaje, música, dirección de actores, elementos que si fallan en el terrible remake que se realizó recientemente (Carrie en la versión actual parece un integrante de los X –Men).

 

Trash Talk - "The Great Escape"

Terror - "Cold Truth"

Obits - "Machines"

Radiografías del Mal: Thirst (2009)

Ante los escasos hallazgos de un destacado cine de vampiros y la decadencia originada por la saga de Twilight, esta película, junto a Let The Right One In y Only Lovers Left Alive de Jarmush, representan casi desde The Addiction de Abel Ferrara, una de las propuestas más interesantes de los chupasangre. ¿ Quién hubiera pensado que oriente renovaría la imagen europea y gótica del tradicional vampiro? Esta película no solamente tiene sus momentos aterradores( si, también hay uno que otro fantasma que acecha),  sino que también combina elementos de comedia negra y un enloquecido romance entre un sacerdote y una joven que busca nuevas experiencias. Hay unos planos épicos( cuando saltan por los edificios), una mirada profunda sobre las cuestiones que aquejan a su protagonista sobre el bien y el mal, una postura particular de la religión católica desde una perspectiva oriental y la original dirección de fotografía que se destaca en todas las películas de Chan-Wook Park. Vale la pena esperar todas estas situaciones para encontrarse con un final inesperado. De esas pocas películas de terror que asumen una imagen un tanto estilizada pero que funcionan dentro de su discurso.  Miedosa, divertida, visualmente elaborada,  personajes  conflictivos, en otras palabras, totalmente recomendada.

TV On The Radio - Happy Idiot

Decapitated - "Instinct"

Sabor !

Radiografías del Mal: Ju-On (2002).

 

Dentro de todas las recomendaciones del  denominado género de fantasmas, Ju-On sería una de las sagas que tendría menos misericordia con el espectador. Un breve intro expone los asesinatos de una típica familia (incluido el gato) aparentemente por un psicótico padre. El texto inicial ya nos va deparando el terreno de juego: a veces la muerte violenta de algún ser, produce una ira tan grande que su energía queda dispersa para cobrar venganza sobre los demás.  En Ju-On no hay escapatoria. Una nueva familia que empieza a habitar en la casa va teniendo una experiencia maldita con estos fantasmas. No hay tanta complejidad en la historia. El director Takashi Shimizu se dedica exclusivamente a diseñar en cada escena, sensaciones de malestar, casi que se burla de sus protagonistas que están condenados, el dilema es saber como morirán. Este podría decirse que es uno de los fantasmas vengativos (también conocidos como Onryō) más cercanos al tradicional teatro Kabuki. Es espantoso y produce un horrendo sonido que le pone a uno la piel de gallina. La primera vez que la vi con un grupo de amigos, quedé helado. Ese día llegué a casa y no dejaba de prender las luces mientras avanzaba. Esa noche ocurrió lo que hace mucho no lograba producirme una película de terror: dormir con la luz encendida. No dormí muy bien. La película había cumplido completamente con sus expectativas. Ju-On es una película que logra esas secuelas de malestar, una perturbación venenosa, como una especie de dolor de cuello cuando se duerme mal. Y cuando una película de terror logra ese tipo de inquietudes es porque es efectiva. Niños fantasma, presencias que salen de la cama, esta película es 100% terror en su totalidad.  Es incómoda, le congela a uno la sangre, sobretodo en esos momentos cuando los fantasmas lo  miran a uno directamente a la pantalla y parece que se fueran a salir. De esas películas que solo se ven una vez porque dejan un horrible sabor. 

  

Pisces Iscariot - Vigésimo Aniversario

Pisces Iscariot compiló una serie de temas creados en uno de los momentos más prolíficos de William Patrick "Billy" Corgan, junto a la favorita banda de los noventa, Smashing Pumpkins, quienes en la primera mitad de ésa década tenían tanto material de calidad grabado aparte de los álbumes Gish y Siamese Dream, que les alcanzó para lanzar estos otra hora de música, que si bien son demos, covers, lados B, y versiones que no lograron un lugar en los álbumes, si alcanzaron un espacio entre muchas colecciones de discos y en los reconocimientos de 1994.

Tiene la dinámica clásica de los Smashing de alternar entre temas delicados y acústicos, y temas rápidos y distorsionados, entre los cuales se encuentran varias bellezas. Entre los suaves tenemos el inicial Soothe (a lo To Sheila en el Adore), Whir, Obscured (una de mis preferidas), Landslide,(original de Fleetwood Mac), y el cierre psicodélico con Spaced. Entre los rockers tenemos Frail & Bedazzled, Pissant, Hello Kitty Kat, la épica (y bautizada con nombre de niña como es usual en Corgan) Starla, Blue, y A Girl Named Sandoz (original de The Animals). Otros que están a medio camino entre aquí y allá son Plume, Blew Away, y La Dolly Vita.

Por ser un compilado, Pisces Iscariot no tiene un productor general, sino productores para temas específicos, entre los cuales aparecen acreditados el guitarrista James Iha y Butch Vig.

Esta racha productiva no se detendría allí, ya que venía en camino el amplio y exitoso Mellon Collie and the Infinite Sadness lanzado en 1995, que ahora que lo menciono, pareciera que (para bien o para mal) trató de abarcar cuanto material pudo, de modo que no resultara un nuevo compilado de temas huérfanos, sino el álbum doble que todos conocemos. Pero bueno, en pocos meses llegará el momento de hacer ésas reflexiones, porque hoy es el momento del Pisces Iscariot, otra interesante pieza del rock alternativo noventero.

Feliz aniversario!

Radiografías del Mal: Kairo (2001).

Kairo es una rareza dentro de las rarezas del cine de terror japonés de fantasmas. Esta renovación del monstruo heredada de la literatura gótica en donde el contexto del miedo nos transportaba a un castillo, un bosque, un calabozo o una casa embrujada, ahora muta y se transfiere en las nuevas tecnologías. La muerte ya no está en un pasillo desolado o en una calle en medio de la nada, entendiendo que ahora el promedio de adolescentes les gusta aislarse en su cuarto y no salir de casa. Si uno no busca el peligro y las emociones fuertes pues inevitablemente el horror viajara por ondas y redes para llegar directamente a las pantallas de nuestros computadores. Eso es lo que hace más interesante a Kairo: plantear nuevas estrategias para que el mal se pueda colar en las puertas de nuestras casas, sea como sea. Una película donde el miedo es atmosférico y no repentino, con imágenes lentas, es un horror muerto, contemplativo, como la presentación de sus fantasmas, cargadas de una violencia nostálgica y supremamente atractiva (véase el aparente suicidio de un personaje o las marcas en la pared que dejan uno de los fantasmas). Kairo junto a The Ring anticiparon ese nuevo horror electromagnético (heredado un poco de la estética de la nueva carne de Cronenberg) sin perder las raíces de sus historias y de su folclor emparentadas con sus mitos sobre el mas allá y los espíritus que habitan sobre nuestro plano de vida. Excelente ejemplo de las versiones alternativas que pueden extraerse de un tema tan arquetípico como las presencias que han habitado desde siglos en nuestras historias. Es aterradora como el mismo demonio debajo de nuestras camas. Igualmente no tengo comentarios sobre su remake( donde un desconocido Wes Craven escribe el guión) Muy recomendada.

 

 

 

 

Philm - En Vivo - Bogotá D.C. - 2/X/2014

Ayer en la noche del jueves 2 de octubre de 2014, en nuestro Distrito Capital, se realizó el anunciado concierto de Philm (la actual banda de Dave Lombardo), con ocasión de la gira promocional de su reciente álbum Fire From the Evening Sun. La banda se presentó sin muchas pretensiones en La Hamburguesería de la Colina Campestre, que sirvió óptimanente como auditorio para que los 200 espectadores que calculo asistimos, presenciáramos el show en excelentes condiciones de acústica, visibilidad y comodidad.

Luego de una clínica de batería ofrecida por Lombardo y la presentación de un telonero de heavy progresivo colombiano muy competente, Philm demostró una poderosa propuesta de metal alternativo, con la que se sacuden de la inevitable y permanente asociación con Slayer. Personalmente, me llamó la atención la interpretación del bajista Pancho Tomaselli, quien mantiene el groove por encima del virtuosismo y hace un gran bloque rítmico con Lombardo. Por su parte, el guitarrista y cantante Gerry Nestler probó suficiente dinámica en el instrumento y en la voz, durante la exploración de diferentes estilos que hace la banda, sin salirse del metal. Y bueno, las explicaciones sobre el baterista sobran.

Philm es una banda de excelente actitud, muy bien ensamblada, con un notable toque veterano (pues no son precisamente jóvenes) pero con una propuesta fresca para los seguidores de esta tendencia. Durante el show, sentí pequeñas similitudes con bandas que iban desde Pantera hasta Nirvana, pero el enlace mas fuerte que me provocó, al menos en vivo, fue Led Zeppelin.

Radiografías del Mal: Shutter (2004)

Shutter pasó inadvertida para muchos (me incluyo) pero detrás de una simple película de fantasmas, lo que uno se encuentra es miedo puro, cada escena está cargada de dosis de escalofrío en los huesos. Es una historia sin muchas pretensiones que se vuelve un pretexto para esta dupla de directores tailandeses ( Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom) quienes construyen progresivamente unos momentos alucinantes, profundizando en un tema que personalmente me llama mucho la atención: la fotografía como un dispositivo que atrapa una aparente realidad y que se desdobla con el paso del tiempo. ¿Quién no ha visto un retrato de su infancia y luego se da cuenta que ya no queda nada de ese niño atrapado en un químico y papel fotográfico vencido? No he tenido la oportunidad (tampoco he querido) de ver el remake gringo, porque seguramente será tiempo perdido, como la mayoría de productos que manosea un sector de Hollywood con decadencia de ideas originales. Esta es la película perfecta para ver con un grupo de amigos (créame, si la ve solo, no va a poder ir al baño). Excelente fotografía, un manejo controlado de efectos especiales, una secuencia excelente con unas cabezas de flash y un final que usted no podrá olvidar, NUNCA. Aterradora, una joyita inolvidable de terror tailandés. 

Flying Lotus - "Never Catch Me" ft. Kendrick Lamar

Too Tough To Die - Trigésimo Aniversario

Generalmente, la idea de Ramones me lleva inmediatamente a la segunda mitad de los años setenta, aquella época cuando aparece por primera vez en la escena neoyorquina el pionero cuarteto del punk americano. Sin embargo, produjeron una de sus mejores obras en 1984, su octavo álbum Too Tough To Die, el cual permanentemente le disputa la corona a los mismísimos Ramones (1976) y Rocket To Russia (1977), así que de entrada, nos referimos a una obra de amplia relevancia para la historia del rock.

Vale la pena recordar que para ése momento, la banda ya sumaba poco menos de una década de experiencia, y había consagrado su infalible fórmula de composición en grupo, que aparte de agotarse, logró alimentarse de nuevo por el espíritu de la época. Y esta vez, por experiencia me refiero a las guitarras de don Johnny Ramone, quien nunca se caracterizó por la dinámica, y aquí, en una dosis muy delicada, irrumpe de vez en cuando su mecánico estilo para añadir unos elegantes leads y otros adornos reglamentarios de una producción profesional. Por nombrar algunos, la rockera, medio surf, y magnífica No Go, para un clásico punteo o, el arpegio constante de I´m Not Afraid Of Life. Por otro lado, el disco lo produjo el primer baterista de la banda (y recién fallecido) Tommy Ramone (Erdélyi Tamás) (R.I.P.), cuyo toque influyó positivamente en el resultado, en parte por habilidad, y en parte por la cercanía y la confianza que tenía con sus ex-compañeros de banda.

Este fue el segundo álbum que tuve de Ramones (después del Adiós Amigos (1995) y porque era el disponible cuando fui a comprar...) así que por mucho tiempo fue uno de mis pocos discos ochenteros. Ahora que ando reconciliado con ésa década y reconozco que fue la época dorada del underground, me encantó re-descubrir este álbum años después porque pude entender cómo se destaca dentro de la propia discografía de la banda, gracias a las dos tendencias o géneros dominantes de los ochenta (al menos los derivados del punk) que alimentan el espíritu de este álbum y lo hacen mágico: el hardcore y el new wave. 

La influencia hardcore (o escuela, más bien), se nota de manera general en el sonido fuerte y agresivo del álbum, pero el elemento primordial fue el legendario bajista y maestro punk Dee Dee Ramone, a quien le abrieron bastante espacio en los micrófonos y se dio gusto yendo hacia el hardcore, el original, aquel cantado con voz pobre, pero con infinita actitud. Esto se escucha desde el demoledor "one, two, three, four..." inicial de Mama´s Boy, y de principio a fin en Wart Hog y Endless Vacation (demo). Una maravilla.

Por el lado del new wave aparecen los teclados, que si bien me sonaron extraños la primera vez, hoy hacen parte de lo mejor del catálogo de Ramones, fundando las brillantes melodías de Chasing the Night y Howling At the Moon (Sha-La-La), donde Joey te da tanta satisfacción en las voces como Freddie Mercury en su mejor momento. En ambos casos llama la atención el bajo tempo y la duración de los temas, que exceden considerablemente el rápido promedio de la banda. Pero entre ambas, gana Howling, ya que fue producida por (nada más ni nada menos que el inglés) Dave Stewart de Eurytmics, lo que se nota una y otra vez, cuando las escuchas de nuevo y más la admiras.

Pero ésos son solo elementos en la "grabada en piedra" receta de los Ramones, porque el núcleo de estos 13 temas es su básico y adorado punk rock con letras variadas sobre socio política, que hablan de la eterna paranoia de la banda con la guerra fría, las drogas y el amor. 

Este álbum es el absoluto bloque sólido que funciona como una sola pieza, pero si lo vas a dividir, no dejes de revisar Too Tough To Die, Danger Zone, Daytime Dilemma (Dangers Of Love), y la inolvidable instrumental Durango 95. Una demencia este álbum.

Feliz aniversario !!!